Open Studios Febrero 

Queridos amigos! Os invitamos a todos a nuestra edición de febrero de Estudios Abiertos, este sábado 22 a las 12:30 am en el Centro Negra. Os esperamos para compartir con nosotros las bellas vistas de Blanca y nuestras sabrosas tapas.

Este mes, podrán reencontrarse con el proceso de:
_Julieta Lasarte (Barcelona) presentando una instalación de video creada con imágenes recopiladas de su archivo familiar.
_Tomo Sone (Kyoto) compartiendo una coreografía inspirada en la imagen de la nube

Además, nos complace presenta a:
_Sandy Ceesay (Amsterdam)
_Collective MieuxVautTardQueJamais representada por Marie Leguedois, Inès Gradot y Hannah Summers (Glasgow),
_Carmen Estevez de Oliveira (São Paulo)

 

Sandy Harry Ceesay (Suecia)

Artista visual, coreógrafo, bailarín, poeta y pintor.

Sandy, nació en Suecia (1995) y vive en Ámsterdam. Su práctica trata de expandir las fronteras del arte y desafiar el papel del artista contemporáneo. Su obra se relaciona fuertemente con lo sensorial y se desarrolla a través de muchas disciplinas. Actualmente está realizando y exhibiendo obras que abordan el tema de la percepción y la narrativa. Sandy tiene afinidad por las imágenes sensoriales y la forma en que se traducen al espectador. Aprovecha estas fuentes en todas sus obras, tanto en sus performances como en sus trabajos audiovisuales. Recientemente, ha exhibido su trabajo en galerías alrededor de Ámsterdam (Galería 4bid/Irina Baldini, Galería Gerhard Hofland).

Con su amplio conocimiento de la coreografía y la composición, Sandy considera el vídeo y el sonido como extensiones del cuerpo. Investiga la naturaleza de la interfaz humana y las relaciones a través de las memorias físicas y las emociones. Al hacer del cuerpo el núcleo de su práctica artística, busca utilizar la narración para generar y perpetuar la investigación basada en la percepción (del espectador). Sus obras audiovisuales llevan una cadencia física que puede ser leída a través de muchas lentes diferentes, llevando una multitud de significados lingüísticos y semánticos.

Desde 2016, Sandy ha estado realizando una licenciatura en Danza y Actuación en la Universidad de las Artes de Ámsterdam.

 

Collective MieuxVautTardQueJamais (Escocia)

 

Inès Gradot estudió Comunicación Visual en La Cambre (Hons) y en Glasgow 

Schooll of Art (Masters). Se especializa en ilustración y es parte del colectivo Riso Sur Mer, que explora las posibilidades de los colores a través de la impresión en risografía. Inès está interesada en proteger las costas y el suelo submarino, en parte debido a su crianza en la Isla de la Reunión. Actualmente es voluntaria en Marine Conservation Scotland y está realizando investigaciones sobre los arrecifes de coral.

 

Marie Leguedois estudió Diseño Textil en París y Lisboa antes de completar su Maestría en Diseño y Comunicación en la Escuela de Arte de Glasgow. Es miembro de A + E, un colectivo con sede en Glasgow que explora la intersección entre el arte y la ecología. El grupo sirve como una red abierta para comunicar ideas de cambio, cruces interdisciplinarios y desenredar las ansiedades ecológicas personales y colectivas.

 

Hannah Summers es escritora y artista. Está interesada en explorar las dimensiones formales y materiales del lenguaje. Estas exploraciones son informadas por medios como la háptica (ciencia del tacto), el video y la poesía concreta.  Estudió Escultura y Arte Ambiental en la Escuela de Arte de Glasgow y completó una Maestría en Escritura Creativa en 2018. Actualmente se dedica a la investigación y el desarrollo de mapas colaborativos y collages que examinan las conexiones entre identidad, política y lugar.

 

              Sebastian Lingserius and Nefely Oikonomou (Suecia)

 

Sebastian Lingserius

Sebastian Lingserius es coreógrafo y performer, residente en Estocolmo. Comenzó sus estudios en la Royal Swedish ballet school, y luego completó un Master de Coreografía en DOCH, dirigido

por Mårten Spångberg. En 2011 Sebastien fundó KASS, plataforma desde la que desarrolla y produce todos sus trabajos. Desde el 2011 se ha ganado una reputación en el campo de la 

danza en Suecia como uno de los nuevos y más interesantes coreógrafos experimentales. A la hora de desarrollar paisajes sonoros, sets de escenario, iluminación y otros factores de la puesta en escena, Sebastian es reconocido por sus métodos de “Hazlo-tu-mismo”, donde es usual que los propios performers o él mismo intervengan en escena para desarrollar estas tareas, a modo de repensar las jerarquías del cuerpo. Co-produce la mayor parte de sus trabajos en colaboración con los teatros MDT, WELD y Dansens hus en Estocolmo. Habiendo bailado y coreografiado los últimos 10 años, considera que la danza es una espacio para redefnir aquello en lo que el 

individuo podría convertirse. 

 

Nefely Oikonomou  

Nefeli Oikonomou es coreógrafa, performer e iniciadora. Oikonomou es una artista de performance oriunda de Grecia y radicada en Suecia. Además de su trabajo como bailarina, desde el año 2006 desarrolla sus propias piezas coreográficas. Estudió danza (MoC) y diseño (UoA). Recientemente ha finalizado un Máster en Coreografía en DOCH y un curso interdisciplinario de Organización del Discurso en la Universidad de Konstfack. Fue curadora del Practising Transitions Festival en Wip Konsthall en Årstaberg, y del Rhymes mini-festival en Weld, en el que numerosos artistas participaron con performances, debates abiertos, exhibiciones, proyecciones y workshops. Es pareja en el duo DANCER de Sebastian Lingserius, estrenado en MDT, y presenta su trabajo personal Rhymes of Pleasure en Weld. Ha recibido el premio de LLB Wild Card Residence ICI-CCN Montpellier, y Life Long Burning, con su proyecto ‘Celebrate it’. A través del diálogo con diferentes artistas, Nefeli busca nuevos desafíos de intercambio, nuevas formas investigar y poner en escena las relaciones. Su curiosidad por tergiversar las normas y su interés por los enfoques innovadores de convivencia recorren su inventario coreográfico.

 

Carmen Estevez de Oliveira (Brasil)

Carmen Estévez es una actriz e intérprete de Brasil con una licenciatura en Audiovisuales (Cine, Radio y TV) de la Universidad de São Paulo y en Teatro del Centro Célia Helena para las Artes y la Educación.

Actualmente, es estudiante de la Especialización en Técnica Klauss Vianna de la Pontificia Universidad Católica de São Paulo, y desarrolla su proyecto de investigación en AADK Spain.

Su investigación artística se centra en la conexión entre los sueños y la realidad, utilizando principalmente el autorretrato fotográfico y la performance. Su interés parte de la concepción de que los sueños son importantes para la construcción y deconstrucción de nuestra identidad, de lo que pensamos, lo que somos y de cómo nos mostramos a los demás. Sus autorretratos podrían ser como espejos distorsionados de sí misma.

Carmen también trabaja con la elaboración de la memoria de los sueños y cómo ésta se modifica en cada momento. En sus experimentos ha tratado de poner de relieve el conflicto entre la realidad y el sueño, y ha reflexionado sobre la frágil línea que separa la vida consciente de la inconsciente.

 

Julieta Lasarte Pigrau (España)

Julieta Lasarte. Barcelona, 1984. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona y en Comunicación Audiovisual por la Universitat Ramón Llull. Tras una década dedicada profesionalmente al sector audiovisual como Ayudante de Dirección para cine y publicidad, decide realizar el Máster en Documental Creativo en la EICTV de San Antonio de los Baños, Cuba, para desarrollar su primer largometraje con material de archivo. Su interés por los vínculos entre la memoria familiar y sus huellas en la imagen le llevan a recopilar todo el material de archivo artístico de su abuela, la actriz y cómica Mary Santpere, así como a recuperar y conservar su material de cine doméstico familiar. Actualmente se encuentra trabajando en diversos proyectos que elucubran alrededor de estas imágenes, transitando entre lo digital y lo analógico, entre la sala de cine y el espacio de la galería, entre el relato histórico y la memoria. Siempre caracterizados por una continua búsqueda y experimentación del material con el fin de investigar en diferentes disciplinas. 

 

Tomo Sone (Japón)

Sone nació en Kyoto, Japón. Estudió ballet en la Academia de Ballet de Kyoto y trabajó con varias compañías de ballet. Desde 2001, trabajó como bailarina independiente con coreógrafos japoneses de renombre. En 2008, se mudó a Tel Aviv, Israel. En 2010, estableció un proyecto internacional Proyecto internacional de danza entre Japón e Israel con coreógrafos y bailarines israelíes. El proyecto ha realizado varios espectáculos y talleres.

Actualmente trabaja como coreógrafa e intérprete independiente. Sus obras a menudo se inspiran en actividades interdisciplinarias y, en los últimos años, ha colaborado en  sus piezas con artistas como animadores, artistas de papel, directores de cine, artistas visuales, compositores y músicos. Está explorando la combinación sensible de movimiento físico e imágenes abstractas que pueden contener emociones que resuenen en la audiencia.

Sus obras en solitario «Las Meninas» (2014), «Doblado, cortado y arrugado» (2015), «Mobius» (2015) se estrenaron en el Centro Suzanne Dellal en Tel Aviv, Israel. Galardonado con «Un nuevo artista para el arte y la cultura» por el Municipio de Kyoto en 2010. Ella está expandiendo su actividad internacionalmente.

 


Estudios Abiertos | sábado 25 de enero | 12.30h

Os invitamos a la primer edición de nuestros Estudios Abiertos de este año, este sábado 25 de enero en el Centro Negra.
Como siempre, se servirán tapas y bebidas en La Cantina, ¡así que asegúrate de venir con hambre!

En esta edición presentaremos el trabajo final de nuestros cuatro residentes de enero:
Julieta Lasarte (Barcelona) presentando dos videos, el primero inspirado por la historia de su familia y el segundo realizado en colaboración con Tomo Sone.
Denise Rijnen (Amsterdam) quien combina su trabajo en cerámica y sus pasión por la geología creando una serie de objetos hechos de materiales recolectados durante sus exploraciones del territorio.
Tomo Sone (Kyoto), quien compartirá un video de su último trabajo coreográfico en el que explora la deconstrucción de los movimientos de danza clásica para expresar la complejidad y el lado oculto de la naturaleza humana.
Xavier Soto (Guadalajara, MX) quien finaliza su estadía de 2 meses presentando su proyecto «Solo el tiempo», una serie de pinturas no-convencionales creadas «limpiando» las calles de Blanca con los lienzos.
Úrsula Bravo (Murcia), compartiendo un video que documenta su investigación sobre el paisaje y el sonido realizado en las Islas Azores.
Juan Conesa (Cartagena), presentando una instalación de materiales naturales que se asemeja a un jardín.


 

La edición de Estudios Abiertos de noviembre se realizará el día 23, a las 21:00 pm. Allí podrán recorrer los trabajos de Naomi Tarle de Santa Mónica, EE.UU., Jéhan Òsanyin de Seattle, EE. UU., Marcy Petit de Lille, Francia, Candice Okada de Vancouver, Canadá y Colectivo de Habitantes conformado por Manuela Parra y Camila Villaseca de Santiago de Chile.

Naomi Tarle

Naomi Tarle tiene un posgrado en creative writing de Boise State University y un posgrado en en artes visuales por la California State University Northridge. En agosto 2016 la artista asistió al London Intensive residency dirigido por Camden Arts Centre y la escuela de Bellas Artes, UCL.
Los últimos años se ha dedicado a preguntar cómo los objetos y su historia doméstica y familiar puedan reflejar eventos globales. Esta pregunta fue evocando otras como: ¿Está la globalización acelerando a la recesión de eventos en la história o está favoreciendo su perdurabilidad? ?¿Cómo coinciden las fronteras territoriales, la religión y la identidad con los objetos cotidianos? ¿Cómo una historia individual, plagada de objetos de necesidad e indulgencia, se relaciona con el pasado? ¿Existe la historia más allá del lugar y los artefactos? ¿Existen comunidades más allá de sus propias historias? ¿Existen los individuos más allá de sus propios recuerdos?

www.naomitarle.net

 

Marcy Petit

Marcy Petit obtuvo una maestría en Administración de Arte Contemporáneo en las universidades de Leeds y París 8 después de completar una licenciatura y una maestría en Artes Visuales en la universidad de Rennes. Como joven artista de medios mixtos, realiza un trabajo plástico multidisciplinario. Videos, fotografías, performances, grabaciones sonoras, instalaciones … componen una práctica multidisciplinaria.

Hizo una investigación importante sobre el arte relacional, p. tema principal de mi tesis final. Hoy, ella continúa explorando esta noción dentro de la concepción de varias obras de arte nuevas. Los dispositivos que usa buscan dar voz a las personas «normales» o «aparentemente comunes». Sin duda, su trabajo también se inspiró en su ascendencia desde que mis abuelos la criaron. A partir de ese momento, desarrolló una fascinación por las personas mayores, las historias antiguas y las cosas viejas …

Gracias a uno de sus maestros, Bertrand Clavez, ella también desarrolló primero una práctica orientada a la «actuación». Este medio artístico representa una parte importante de su trabajo artístico al usar su propio cuerpo como medio en su trabajo y en sus actuaciones. Por lo tanto, este medio ha generado una serie de trabajos que crean una postura femenina pero también irónica.

www.marcypetit.com

 

Jéhan Anysanyìn

Jéhan anysanyìn es un artista-activista, calderero, ceramista, administrador de artes y artista con sede en Seattle, Washington. Yankee Pickney, donde Jéhan fue dramaturgo, codirector e intérprete en solitario, se estrenó en marzo de 2017 y posteriormente fue nominado para un Premio Gregory 2017. Dramaturgia: HWHITE SILENCE, Obeahmxn, Prisoner, Checkmate y The Theatre of Race: en 2017, Jéhan recibió fondos GAP de Artist Trust para preparar a Yankee Pickney para su gira 2020-2021. Jéhan también recibió la beca Creativity Connects Performing Artist. Durante la residencia de artistas de 2 semanas que viene con ese premio, Jéhan desarrolló un trabajo teatral que facilitó las conversaciones sobre el dolor entre los miembros de la comunidad de todas las edades durante una comida. Recientemente Jéhan interpretó a Siobhan en The Curious Incident of the Dog de Village Theatre en la noche. En 2004, vivieron en un barco durante 3,5 meses y estudiaron teatro en 12 países. Los intereses actuales incluyen el uso de la narración de cuentos para comprender las historias que llevamos en nuestros cuerpos con y sin nuestro consentimiento. Jéhan también es el Fundador de Earthseed, donde usan el teatro en espacios salvajes para descolonizar esos espacios y los cuerpos que los atraviesan. www.jehanosanyin.com

 

Candice Okada

Es una artista con sede en Vancouver que trabaja principalmente en fotografía, fi bras, costura e instalación. En 2008 recibió una licenciatura en Sociología de la Universidad de Columbia Británica y en 2016 recibió un BFA de la Universidad del Valle de Fraser, centrándose en la historia del arte y las prácticas artísticas contemporáneas. Recientemente completó su maestría en artes visuales en UBC. Su trabajo ha sido exhibido en Canadá y los Estados Unidos y ha participado en residencias de artistas en el Centro Banff para las Artes y la Creatividad y en el Artscape Gibraltar Point de Toronto. Recibió la beca Roloff Beny para fotografía, una beca de BC Arts Council y una beca de posgrado de Canadá. Candice aborda el arte como una investigación transdisciplinaria y una práctica crítica significativamente informada por sus estudios previos en Sociología y Ciencias Políticas. Al emplear medios artísticos, ella busca explorar las estructuras profundas y a menudo ocultas de poder y control que dominan el momento contemporáneo y enmarcan nuestra imaginación cultural. Si bien adopta una perspectiva feminista, gran parte del trabajo creado se basa conceptualmente en las relaciones entre el fenómeno social contemporáneo, las estructuras que los apoyan. Más recientemente, su trabajo aborda cuestiones relacionadas con el discurso y el control del movimiento global (tanto físico como teórico), laboral y la esfera política que los respalda.

 

Colectivo Habitantes

Colectivo Habitantes, conformado por Manuela Parra y Camila Villaseca, ambas con Licenciatura en Danza por la Universidad Academia de Humanismo Cristiano, busca trabajar y abordar la creación en danza a través de la fusión de sus tesis de investigación. De esta forma, se rescata principalmente los conceptos de HABITAR y RITMO.

Camila Villaseca, bailarina chilena destacada por su tesis “La danza desde la esencia humana de habitar”, expuesta en el I° Congreso Nacional de Investigaciones en Artes de la UAHC. 

Desde el 2010 ha sido intérprete de la Compañía de Danza Contemporánea de Talagante. Actualmente es parte del Colectivo Habitantes e intérprete en Compañía Espiral, fundada por el destacado bailarín y coreógrafo chileno Patricio Bunster. También es profesora ayudante en la Escuela de Danza UAHC.

 

 

 


Abraham Hurtado nos hablará del proyecto de AADK Spain en el II Congreso Internacional de Artes y Diversidad el sábado 09 Noviembre a las 17.45h

Un evento que reunirá en Murcia del 07 al 09 de noviembre hasta 40 profesionales de países como  Portugal, Marruecos, Canadá, y Argentina. 

En esta nueva edición se continuará profundizando en retos tan importantes en la sociedad actual como la gestión de la diversidad, siendo en esta ocasión los constructos identitarios en la red, los límites fronterizos, la igualdad de trato y las violencias,  ejes temáticos en los que se enmarcan las actividades programadas.

AADK, un proyecto que es permeable al territorio.

Durante el año 2006, un grupo de artistas residentes en Berlín se reúne para concebir diversos proyectos de múltiples disciplinas. Este trabajo da origen a la plataforma AADK (Arquitectura Actual de la Cultura). La ampliación de su núcleo la convierte hoy en una plataforma internacional para proyectos de comisariado de artistas, tanto miembros como invitados. AADK Spain se instala entonces en Centro Negra (Blanca, Murcia), dando forma a un espacio de investigación y creación contemporánea para desarrollar proyectos artísticos en el ámbito rural. La temática “de lo local a lo global” se presenta en las distintas intervenciones artísticas creadas en residencia.

ABRAHAM HURTADO es fundador y director artístico de AADK, artista y curador independiente. En su propio trabajo explora las nociones de espacio y cuerpo, y cómo se pueden articular la afectación y afección de ambos conceptos en respuesta a la sociedad actual. Su trabajo se ha destacado en festivales de performance e instalación. Como curador cabe mencionar Festival Cumplicidades Lisboa 2018, Fenomens 2016/2017 Festival IBAFF -sección experimental-2016. Como asesor curatorial ha colaborado con proyectos como Tanzkongress 2019 (Alemania), Fundación Roberto Cimetta (Francia), Goethe Institut, entre otros. Tras diez años de creación propia, Abraham Hurtado redibuja la línea que ha atravesado toda su investigación: el “cuerpo en crisis”. Su interés por generar experiencias en las que desplegar las huellas que dejan en el cuerpo las vivencias personales le ha llevado a desarrollar una metodología propia y a visibilizar cómo el individuo absorbe los acontecimientos históricos y los contextos sociales. En diciembre 2019 estrena su primera largometraje “After the wound” basada en la iniciación del cuerpo con el territorio.

FECHAS: 7 / 8 / 9 NOVIEMBRE 2019

LUGARES: Centro Párraga, Centro de Arte. Sala Caballerizas, Molinos del Río, Pabellón 2, Teatro Circo Murcia.

PRECIO: Matrícula congreso: 60 €.

Matrícula con DESCUENTO: 40 € para desempleados, personas pertenecientes a entidades que participan en la organización del congreso. (Estudiantes universitarios, Fundación Cepaim, Ayeklauwn y Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia y Escuela de Arte) y miembros de EAPN.

INSCRIPCIONES:  https://forms.gle/mckRBBEVtpKvrfDF7

INFORMACIÓN: Telf. 647 417 083. Email: crees@cepaim.org

EVENTO: http://cepaim.org/event/ii-congreso-internacional-de-artes-y-diversidad-identidad-virtual-territorio-fronteras-y-violencias/

ORGANIZA: Fundación Cepaim, la Asociación Ayeklauwn y la Plataforma de Acción Social de Universidad de Murcia.

 


Estudios Abiertos

Viernes 25 de octubre 21h

Nuestra edición de Estudios Abiertos de octubre se realizará el día 25, a las 21:00 pm. Allí podrán recorrer los trabajos de Naomi Tarle de Santa Mónica, EE.UU., Dorothy Cheung de Hong-Kong, Beatriz Gijón de Granada, España, Jéhan Òsanyin de Seattle, EE. UU., Marcy Petit de Lille, Francia y Candice Okada de Vancouver, Canadá.

 

Dorothy Cheung

Dorothy Cheung (1987) nace y crece en Hong Kong. Radicada en Rotterdam, recientemente se ha graduado en el  Piet Zwart Institute con un cortometraje que trata sobre archivo y memoria. Habiendo crecido durante la época colonial, Dorothy está profundamente interesada en cuestiones de identidad, memoria y desplazamiento. Los medios con los que trabaja son la poesía, el video y la fotografía. Su investigación se centra en  la relación entre imágenes y texto con la intención de exhibir las condiciones de los individuos. 

Sus trabajos anteriores de imagen en movimiento fueron elegidos en diversos festivales de Cine que incluyen el vigésimo Seoul Women’s Film Festival y el decimoctavo South Taiwan Film Festival.

www.dorothycheung.com

 

Beatriz Gijón Gijón

Formada en piano clásico y Máster en música global por la Real Academia de la Música de Aarhus, Beatriz Gijón Gijón es pianista / vocalista / improvisadora mayormente interesada en la composición contemporánea y el arte interdisciplinar. Estos intereses le han llevado a colaborar con compañías de teatro como Vladimir Tzekov, Chekov Machine o Improperios, y otros bailarines, artistas visuales y actores.

Con experiencia en otros campos de la música como el Jazz, la música celta, el funk y la improvisación libre, ha tocado en  España, Finlandia, Dinamarca, Noruega, Suecia, Lituania, Alemania y Mali.

Naomi Tarle

Naomi Tarle tiene un posgrado en creative writing de Boise State University y un posgrado en en artes visuales por la California State University Northridge. En agosto 2016 la artista asistió al London Intensive residency dirigido por Camden Arts Centre y la escuela de Bellas Artes, UCL.
Los últimos años se ha dedicado a preguntar cómo los objetos y su historia doméstica y familiar puedan reflejar eventos globales. Esta pregunta fue evocando otras como: ¿Está la globalización acelerando a la recesión de eventos en la história o está favoreciendo su perdurabilidad? ?¿Cómo coinciden las fronteras territoriales, la religión y la identidad con los objetos cotidianos? ¿Cómo una historia individual, plagada de objetos de necesidad e indulgencia, se relaciona con el pasado? ¿Existe la historia más allá del lugar y los artefactos? ¿Existen comunidades más allá de sus propias historias? ¿Existen los individuos más allá de sus propios recuerdos?

www.naomitarle.net

 

Marcy Petit

Marcy Petit obtuvo una maestría en Administración de Arte Contemporáneo en las universidades de Leeds y París 8 después de completar una licenciatura y una maestría en Artes Visuales en la universidad de Rennes. Como joven artista de medios mixtos, realiza un trabajo plástico multidisciplinario. Videos, fotografías, performances, grabaciones sonoras, instalaciones … componen una práctica multidisciplinaria.

Hizo una investigación importante sobre el arte relacional, p. tema principal de mi tesis final. Hoy, ella continúa explorando esta noción dentro de la concepción de varias obras de arte nuevas. Los dispositivos que usa buscan dar voz a las personas «normales» o «aparentemente comunes». Sin duda, su trabajo también se inspiró en su ascendencia desde que mis abuelos la criaron. A partir de ese momento, desarrolló una fascinación por las personas mayores, las historias antiguas y las cosas viejas …

Gracias a uno de sus maestros, Bertrand Clavez, ella también desarrolló primero una práctica orientada a la «actuación». Este medio artístico representa una parte importante de su trabajo artístico al usar su propio cuerpo como medio en su trabajo y en sus actuaciones. Por lo tanto, este medio ha generado una serie de trabajos que crean una postura femenina pero también irónica.

www.marcypetit.com

 

Jéhan Anysanyìn

Jéhan anysanyìn es un artista-activista, calderero, ceramista, administrador de artes y artista con sede en Seattle, Washington. Yankee Pickney, donde Jéhan fue dramaturgo, codirector e intérprete en solitario, se estrenó en marzo de 2017 y posteriormente fue nominado para un Premio Gregory 2017. Dramaturgia: HWHITE SILENCE, Obeahmxn, Prisoner, Checkmate y The Theatre of Race: en 2017, Jéhan recibió fondos GAP de Artist Trust para preparar a Yankee Pickney para su gira 2020-2021. Jéhan también recibió la beca Creativity Connects Performing Artist. Durante la residencia de artistas de 2 semanas que viene con ese premio, Jéhan desarrolló un trabajo teatral que facilitó las conversaciones sobre el dolor entre los miembros de la comunidad de todas las edades durante una comida. Recientemente Jéhan interpretó a Siobhan en The Curious Incident of the Dog de Village Theatre en la noche. En 2004, vivieron en un barco durante 3,5 meses y estudiaron teatro en 12 países. Los intereses actuales incluyen el uso de la narración de cuentos para comprender las historias que llevamos en nuestros cuerpos con y sin nuestro consentimiento. Jéhan también es el Fundador de Earthseed, donde usan el teatro en espacios salvajes para descolonizar esos espacios y los cuerpos que los atraviesan.

www.jehanosanyin.com

 

Candice Okada

Es una artista con sede en Vancouver que trabaja principalmente en fotografía, fi bras, costura e instalación. En 2008 recibió una licenciatura en Sociología de la Universidad de Columbia Británica y en 2016 recibió un BFA de la Universidad del Valle de Fraser, centrándose en la historia del arte y las prácticas artísticas contemporáneas. Recientemente completó su maestría en artes visuales en UBC. Su trabajo ha sido exhibido en Canadá y los Estados Unidos y ha participado en residencias de artistas en el Centro Banff para las Artes y la Creatividad y en el Artscape Gibraltar Point de Toronto. Recibió la beca Roloff Beny para fotografía, una beca de BC Arts Council y una beca de posgrado de Canadá. Candice aborda el arte como una investigación transdisciplinaria y una práctica crítica significativamente informada por sus estudios previos en Sociología y Ciencias Políticas. Al emplear medios artísticos, ella busca explorar las estructuras profundas y a menudo ocultas de poder y control que dominan el momento contemporáneo y enmarcan nuestra imaginación cultural. Si bien adopta una perspectiva feminista, gran parte del trabajo creado se basa conceptualmente en las relaciones entre el fenómeno social contemporáneo, las estructuras que los apoyan. Más recientemente, su trabajo aborda cuestiones relacionadas con el discurso y el control del movimiento global (tanto físico como teórico), laboral y la esfera política que los respalda.

 

 



El 12 de octubre, en el Teatro Victoria, Blanca a las 8 p.m., tendrá lugar el concierto organizado por la actual residente del Centro Negra, Beatriz Gijón Gijón. El evento se está preparando en colaboración con varios artistas e incluirá imágenes. Actuando: Beatriz Gijón (piano), Mariana Carvalho (piano), Yumi Célia (taiko), Roisner (live set), Nicolas Dardano (visuales). La entrada al evento es gratuita.

+info: https://www.facebook.com/events/516018415863128/

 


BROKEN TOY

Jueves y Viernes 10 y 11 de octubre – 17h

Este otoño AADK SONORA inicia una nueva curaduría de sonido experimental en colaboración con Espacio Incógnita.

Broken Toy es un ciclo de músicas raras, sin género,  que propone al público escuchas profundas y conexión directa con el otro lado, con la noche que nos habita. 

AADK propone artistas que dialogan con el territorio del Valle de Ricote y se trasladan al contexto urbano para presentar sus trabajos en Espacio Incógnita respondiendo a las locas propuestas performativas e interactivas que proponen las gestoras de este espacio.

El 10 y 11 de octubre arrancamos con un taller de música electrónica con materiales cotidianos y una muestra sonora en manos de Mateo Mena y Mariana Carvalho.

+info:

https://www.facebook.com/events/2460752493974555/?active_tab=about


Entre el 28 de Julio y el 4 de Agosto se reunirá nuevamente el grupo de investigación Cuerpo en Crisis.

Tras diez años de creación propia, Abraham Hurtado redibuja la línea que ha atravesado todo su trabajo: el “cuerpo en crisis”. Su interés por generar experiencias en las que desplegar las huellas que dejan en el cuerpo las vivencias personales le ha llevado a desarrollar una metodología propia y a visibilizar cómo el individuo absorbe los acontecimientos históricos y los contextos sociales

Para terminar de entender estos procesos y los pliegues de su propio cuerpo de trabajo, Abraham Hurtado invita a otros artistas a experimentar su metodología y a generar nuevas obras en respuesta a la suya.

Participantes de esta edición: Andrés Agudelo, Pia Achternkamp, Elena Azzedin, Derek V. Bulcke, François Benner, Francesca Carbone, Nico Dardano, Giuliana Grippo,  Selu Herraiz, Pedro Lobo, Anabel Labrador, Rubén Martínez, Aurora Rodríguez, Diego Lobenal y Josman P# , invitados: Nicola Mascia, Josefina Ganem, Piedad Molina y Josh Freund. 


Miradas: “The Place Landscape Art”

Desde hace un año, las artistas Lina Sofía Lundin, Ebba Matz y el arquitecto paisajista Mikael Johansson han investigado el contexto histórico de Stora Hyttnäs, una antigua casa-museo ubicada en la ciudad de Falun, Suecia, construída en el S.XVII. Delimitando el edificio, su imponente jardín y la granja aledaña como espacios de trabajo, estos tres artistas han convocado a múltiples profesionales del arte vinculados a contextos rurales, a explorar e investigar el sitio a través de diversos materiales y soportes.

Durante dos semanas, un equipo de 14 artistas se reunió y trabajó en conjunto para dar forma a la exhibición «The Place Landscape Art» donde fueron expuestas diferentes propuestas de intervenciones site-specific. El recorrido de la exposición incluía tanto bocetos, como de obras en proceso, propuestas o piezas terminadas. Elena Azzedín (Directora de Residencias y Curadora AADK Spain) y Selu Herraiz (Director Sonora, Escuela de Experimentación) formaron parte de esta colectiva.

Desde el hermoso paisaje de Falun, el proyecto de Lundin, Matz y Johansson reflexionaba sobre la intersección del campo y la ciudad, las amenazas y las oportunidades que afrontan nuestra naturaleza, y la posibilidad del arte de interactuar con el entorno histórico.


Nuestra edición de Estudios Abiertos de agosto se realizará el día 24, a las 21:00 pm. Allí podrán recorrer los trabajos de Julia Catherine Ruzyczka de Rosenwerth (Ciudad del Cabo), Elizabeth Neira (Valparaíso), R. Button y Melissa McCutcheon (EE.UU) quienes compartirán el progreso de sus investigaciones junto con Rebecca Gill (Glasgow) quien presentará las conclusiones de sus estadía en Blanca.

Rebecca Gill (Glasgow)

La práctica artística de Rebecca abarca la imagen en movimiento, el sonido, la electrónica generativa, la escritura, la codificación, las instalaciones y la bio-fabricación. Su obra se cuestiona los aspectos filosóficos, políticos y científicos de la investigación y el pensamiento interdisciplinarios, e intenta combinar las sensibilidades creativas con los procedimientos de análisis científico. A través de sus obras, Rebecca intenta comprender el papel que desempeñan los organismos del cuerpo en las experiencias colectivas de precariedad contemporánea. Esto se manifiesta a través de trabajos generativos que responden a sitios conceptuales o marcos de investigación tales como los métodos periféricos de interacción con el espacio sin cuerpo, el pensamiento sistémico, la ecología, la biología entre otros ámbitos científicos, y la ubicación de la agencia dentro de las instituciones.

A principios de este año, Rebecca fue oradora invitada en los dos primeros grupos de lectura «Biosystems» del Art + Ecology Collective en la Biblioteca Glasgow Zine. Además, ha trabajado en colaboración con científicos para Pint of Science 2018 y 2019, y en una micro-residencia con el Grupo de Investigación de Futuros Injustos de la Energía de la Universidad de Edimburgo en Dovecot Studios. 

Recientemente, ha expuesto en el espacio 4/4 Collective, Nottingham en un proyecto colaborativo de larga data que busca la toma de posesión de la ciudad en manos de artistas jóvenes del Reino Unido.

Este mismo trabajo ha sido expuesto en 2019 en el Tramway de Glasgow. Se graduó de GSA en junio de 2019.

Julia Rosenworth (Ciudad del Cabo)

Julia de Rosenwerth es artista y diseñadora web, nativa de Sudáfrica. Estudió danza contemporánea en la Universidad de Ciudad del Cabo y se especializó en Coreografía y Filosofía. Después de graduarse en 2015, comenzó a trabajar como artista independiente. Actualmente es bailarina de flamenco y parte de la compañía  ‘Tierra Flamenca’, dirigida por Che Adams. Ha crecido apasionada por la música, la colaboración en la danza, la conexión y la conversación, siendo este el tema principal de sus investigaciones. En los años más recientes, Julia se ha aventurado en el mundo de la improvisación musical y la performance de danza. Percibe ambas como una herramienta potente para explorar la inmediatez, la transformación y la presencia. Recientemente ha co-fundado la organización artística ANY BODY ZINE que apoya a artistas independientes. Además, creó y produjo actuaciones improvisadas con la bailarina Adriana Jamisse (Mozambique) y Kerim Becker (Alemania), y curó un festival de música y danza en Ciudad del Cabo invitando a artistas que trabajan con las tradiciones de la danza folclórica a realizar presentaciones, talleres y debates. Julia también ha sido parte del proyecto de interpretación en curso titulado ‘Music Dance 021’, centrado en la relación entre sonidos y movimientos.

Elizabeth Neira (Santiago de Chile)

Elizabeth Neira es Licenciada en Comunicación Social, escritora, artista de performance y productora. Desde el año 2000 ha desarrollado un trabajo transdisciplinario donde fusiona la poesía, el arte de  acción, el activismo, la música, el video y la producción de arte independiente. Con esta propuesta ha participado en festivales de poesía y performance en Chile, Perú, Argentina, México, Guatemala, Honduras, El Salvador, Colombia, Ecuador, Venezuela, Brasil, República Dominicana, Canadá, España, Finlandia y Suecia.

Su literatura ha sido publicada en numerosas revistas y antologías de habla hispana. Entre otros, ha publicado los libros “Abyecta” (2003), “El soliloquio de la Reyna” (2004), “La Flor” (2014), “Hago el amor conmigo misma” poesía seleccionada (2017) y el libro de ensayos “Hocicona” (2017).

Neira ha realizado talleres de poesía y de arte de acción en varios países de América Latina. También ha organizado varios encuentros de poesía y performance como productora de arte independiente y desde el 2016 coordina el proyecto CasAcción en Valparaiso Chile.

Actualmente su trabajo está orientado hacia prácticas de feminismo descolonial con un fuerte acento en las transdisciplinas como zona de investigación.

R. Button  y Melissa McCutcheon (EE.UU)

R. Button y Melissa McCutcheon colaboran en un dúo interesado principalmente en explorar el absurdo y el desplazamiento dentro de la experiencia humana. Rachel obtuvo su BFA de la Escuela de Arte del Instituto de Maryland, y Melissa obtuvo su MFA de la Universidad de Washington en St. Louis. R. Button se ha presentado en el Festival Fringe de Charm City y recientemente fue aprendiz en la residencia Lugar a Dudas en Cali, Colombia. Melissa es profesora de Bellas Artes y ha realizado numerosas residencias a nivel nacional e internacional, incluida la Colonia Millay en Austerlitz, Nueva York y la Fundación Casa Tres Patios en Medellín, Colombia.

Nathalie Rey (Francia)

«Nathalie Rey es una artista francesa afincada en Barcelona desde 2006. Tuvo un largo recorrido académico en el ámbito de las Humanidades, con un título de arquitecta, un grado de Literatura y un grado superior de Artes Plásticas, antes de dedicarse a la creación artística. En la actualidad, trabaja con galerías de Barcelona, Madrid y Londres. Su obra, ecléctica a nivel de técnica, sigue una especie de hilo narrativo desde hace años, que oscila entre episodios de la Historia más o menos contemporánea y acontecimientos de la vida de la propia artista. Así se va generando un paralelo turbador entre los dramas de la Humanidad y las heridas individuales.

A la vez, adopta una postura anti-mercantil, ya que relata y expresa, por medio de una irónica estética pop un tanto Kitsch cuanto elegante, caracterizada por el re-utilizo artístico de desechos y materiales de origen industrial, la atracción/repulsión que le generan las tragedias humanas y ecológicas inherentes a nuestra sociedad.»


El 27 de julio a partir de las 21:00 hs. llevamos a cabo nuestros Estudios Abiertos. Como cada mes, los invitamos a visitarnos en Centro Negra para conocer el trabajo de nuestros actuales artistas en residencia. Durante Julio, expondrán sus proyectos Rebecca Gill (Glasgow), Paula Sanchez (San Juan), Javier Garló (Mallorca), Deni Javas (Savannah, Georgia), Leonie Mhari (Edimburgo / Glasgow) y Nora Chuff (Nueva York / Boston).

A través de múltiples soportes y disciplinas, sus trabajos investigan las nociones de cuerpo, territorio y espacialidad, atravesados por el contexto rural de Blanca. 

Paula Sanchez (Basel)

Paula Sanchez was born in San Juan, Argentina, where she studied cello and classical music. Very early in her career she began to be interested in the crossover between different artistic media such as photography, video, painting and sound. For many years she developed her artistic and research work with the Ob Caenum artists collective, involved in experimental theater. She has been involved in many artistic projects such as theater pieces and performances. Her work explores the relations between sound, body and spatiality. She is currently living in Switzerland, where she is a masters candidate in free improvisation, experimenting on the performativity of sound. 

Rebecca Gill (Glasgow)

La práctica artística de Rebecca abarca la imagen en movimiento, el sonido, la electrónica generativa, la escritura, la codificación, las instalaciones y la bio-fabricación. Su obra se cuestiona los aspectos filosóficos, políticos y científicos de la investigación y el pensamiento interdisciplinarios, e intenta combinar las sensibilidades creativas con los procedimientos de análisis científico. A través de sus obras, Rebecca intenta comprender el papel que desempeñan los organismos del cuerpo en las experiencias colectivas de precariedad contemporánea. Esto se manifiesta a través de trabajos generativos que responden a sitios conceptuales o marcos de investigación tales como los métodos periféricos de interacción con el espacio sin cuerpo, el pensamiento sistémico, la ecología, la biología entre otros ámbitos científicos, y la ubicación de la agencia dentro de las instituciones.

A principios de este año, Rebecca fue oradora invitada en los dos primeros grupos de lectura «Biosystems» del Art + Ecology Collective en la Biblioteca Glasgow Zine. Además, ha trabajado en colaboración con científicos para Pint of Science 2018 y 2019, y en una micro-residencia con el Grupo de Investigación de Futuros Injustos de la Energía de la Universidad de Edimburgo en Dovecot Studios. 

Recientemente, ha expuesto en el espacio 4/4 Collective, Nottingham en un proyecto colaborativo de larga data que busca la toma de posesión de la ciudad en manos de artistas jóvenes del Reino Unido.

Este mismo trabajo ha sido expuesto en 2019 en el Tramway de Glasgow. Se graduó de GSA en junio de 2019.

Javier Garló (Palma de Mallorca)

Javier es un artista multidisciplinar iniciado en el graffiti en los años noventa y formado en ilustración en la Escola d’Arts i Superior de Disseny de les Illes Balears.

Su obra se apoya principalmente en la figura humana y en los objetos que nos hablan de ella, de su historia e historias atemporales. La estética de Garló está plagada de simbolismos y personajes mediante los cuales el propio autor intenta ubicar su visión dentro de la realidad del S. XXI

En sus propias palabras, Garló intenta «alejarse de un discurso de lo correcto y lo incorrecto» y, por el contrario, sustituirlo por cierta crudeza que considera más cercana a la realidad.

Actualmente, Javier investiga y experimenta con materiales naturales, herramientas y técnicas de antaño que han definido la labor de las personas en el ámbito rural. Sus piezas nos remiten a rituales ancestrales en un intento por reconectarnos con el pasado y revalorizar el status de los pobladores de nuestras tierras.

Deni Javas (Savannah, Georgia) 

Deni Javas es licenciada de la Universidad de las Artes de Filadelfia, Pensilvania y posee una maestría de la Escuela de Artes Visuales de la universidad de Nueva York, NY. Durante veinte años se desempeñó como ilustradora y diseñadora en Nueva York y luego en Santa Fe, Nuevo México, donde diseñó empaques de ediciones limitadas y piezas para publicidad. Luego de cuatro años de enseñar en Hong Kong, Deni regresó a los Estados Unidos. Actualmente es profesora en la Escuela de Arte y Diseño de Savannah. En su práctica artística, Deni recurre a plantas no nativas (invasoras) como un exponente de migración y adaptabilidad que encuentra intrínsecamente relacionado a su experiencia de integración en nuevos lugares. Debido a las migraciones frecuentes que Deni ha experimentado a lo largo de su vida, su trabajo reflexiona sobre los modos de conectarse a los lugares en los que uno habita, a sus orígenes y a la tierra en la que vive.

Su trabajo intenta comprometerse con el paisaje para explorar un entorno similar al de su hogar en Nuevo México. Para Deni, las plantas se perciben como algo en reposo o autocontenido, pero sin embargo muchas cosas suceden debajo de la superficie. Este componente oculto hace referencia a vías o canales que conectan de lugar con otro -por ejemplo Nuevo México y España- que la artista evidencia a través de hilos juntos conectores en sus piezas. 

Leonie Mhari (Edimburgo/Glasgow)

En 2016, Leonie completó sus estudios de doctorado enfocados en la toponimia de Berwickshire, con un particular interés por los paisajes litorales; desde entonces ha desarrollado sus prácticas creativas en torno al paisaje. Formada en estudios de idiomas, Leonie ha ampliado sus intereses sobre la percepción de las características topográficas hacia la performatividad y las narrativas del paisaje. Completó un Máster en Arquitectura del Paisaje en el Colegio de Arte de Edimburgo (2018), durante el cual desarrolló prácticas experimentales de trabajo de campo y amplió su enfoque analítico para investigar las relaciones performativas entre actantes humanos y no humanos. Un enfoque de «hacer con» sustenta su metodología. En la escala 1:1, así como en las escalas micro y macro, se pregunta sobre cómo los participantes desempeñan en dinámicas entrelazadas y sucesivas. Para interrumpir y distorsionar las narrativas lineales, recurre a la teoría feminista y queer, e intenta imaginar espacios con futuros feministas, queer y post-masculinistas. Actualmente está trabajando en la performatividad del agua en paisajes, explorando el hidro-feminismo y la intemperie según lo postulado por Neimanis y Hamilton (2018). Está interesada en cómo el agua influye en las narrativas del lugar y las relaciones de sus habitantes y en una gama de escalas.

Nora Chuff (New York/Boston)

Nora Chuff is an artist and Master of Landscape Architecture candidate at Harvard Graduate School of Design. Having studied art and art history at New York University, she has worked at Ogilvy Consulting, the Metropolitan Museum of Art and the Richard Avedon Foundation. Nora grew up in New York City and has also spent a significant amount of time in rural Pennsylvania.  The exposure to both lifestyles has inspired her interest in urban landscapes. She is interested in intersections between fine art and architecture, built and natural environments, and between design and neglect. Nora values materials and small-scale details, even on large-scale projects. She endeavors to design with sensitivity to historical and political context, as well as considering both official and unofficial uses.

 


Estudios Abiertos // Programa de Residencias

29 Junio // 21h

AADK Spain os invita a una nueva edición sus Estudios Abiertos.
Tras recorrer cada uno de los espacios, cerraremos la noche en nuestra terraza con un conciero de Roisner (France) y nuestras hermosas vistas. Como siempre, La Cantina servirá sus deliciosas tapas y bebidas frescas.

En esta edición:
Judith Modrak (NY) presenta «fluid pathways» una instalación site-specific que nos habla sobre la composición interna de la Tierra y cómo ésta refleja nuestra constitución neuronal y celular / Javier Garló (Palma de Mallorca) comparte la primer etapa de su investigación sobre los materiales y saberes tradicionales de la zona a través de objetos instalados en los antiguos corrales del pueblo / Nora Chuff (NY) expone su investigación sobre el territorio del Valle en una instalación con múltiples soportes / Ji Kwon (Nowon-Seul) presenta una instalación de piezas textiles junto a una pieza performativa que reflexiona sobre la ritualidad de nuestros hábitos cotidianos / Mariah Anne Johnson (Los Angeles) comparte sus reflexiones sobre la relación del cuerpo con la arquitectura / Max Wallmeier & Hampus Bergenheim (Estocolmo) colaboran en una performance que invita a las audiencias a modificar el espacio de acción / Leoni Mhari (Edimburgo) presenta los avances de su primer mes de residencia a través de una performance que reflexiona sobre la construcción de la femeneidad y la masculinidad.

 


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