El próximo 26 de enero a las 20:30h, AADK abre las puertas del Centro Negra, en donde os invitamos a conocer de cerca los procesos de Doris Althaus (Solothurn), Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands) y Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands), Lina Sofia Lundin (Falun) y Anneloes Gerdien (Utrecht), los artistas en residencia del mes de enero.

Doris Althaus (Solothurn)
Desde 1996 Doris dirige su propio estudio de cerámica. Muestra su trabajo regularmente en diferentes exposiciones y mercados en Suiza. Trabaja como profesora / instructora de cerámica en diversas instituciones y así como en su propio taller. Durante aproximadamente 1 o 2 días a la semana, trabaja en un Centro de Día para Personas con Capacidades Diversas.

Aunque su trabajo hasta ahora es principalmente figurativo, durante su residencia residencia quiere experimentar con la forma y explorar nuevos formatos. Apoyarse en lo desconocido de este nuevo contexto como fuente de inspiración y descubrir cómo esto afecta a su trabajo.

Actualmente Doris focalizada en el desarrollo de nuevas superficies y acabados, particularmente interesada en las Técnicas de Impresión y Transferencia para Cerámica con las que poder desarrollar pequeñas Instalaciones mural.

2003 Instructor FA Instructor en Aprendizaje de Adultos con Diploma Federal de Educación y Capacitación Profesional desde 1989, Cursos de educación adicional dirigidos a cerámica 1989.Certificado Suizo de Competencia en Cerámica y Aprendizaje por Kohler Keramik Biel Suiza.

Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands) y Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands)

-Edward Johansson
Desde 2014, Edward dirige su propio estudio de grabado, Ahvaland, en el que desarrolla tanto trabajos personales como encargos.
El estudio está equipado para impresión tipográfica en Heidelberg y con una imprenta Vandercook, y hay una sección de “intaglio” para la impresión de planchas de cobre. Le encanta desafiar sus habilidades y experiencia con nuevas ideas y colaboraciones. Su trabajo tiende a existir en el límite entre arte, la artesanía y el diseño.

2009 Licenciado en Diseño Gráfico, Central Saint Martins, Londres. 2012 MRes Design, Goldsmiths, Londres.

-Minna Öberg
Los estudios de Minna consisten en una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Nova de Ciencias Aplicadas y un Master en Arte y Diseño de la Universidad Metropolitana de Cardiff. Una de sus experiencias artísticas más relevantes ha consistido en formar parte de la red B7, que incluye las siete islas más grandes del Báltico, donde tiene la oportunidad de desarrollar obras de “arte en contexto” en todas las islas.

Residencia apoyada con una beca de movilidad por la Delegación de Cultura Alands

Lina Sofia Lundin (Falun)
Lina Sofía es una artista textil, educadora y autora que indaga en los procesos artísticos en relación con el lugar, el material y el conocimiento. Sofía reside en el campo de Suecia en donde investiga sobre técnicas de teñido ecológico, cultivando plantas colorantes y fibras naturales. Mientras trabaja integra las habilidades de las comunidades locales invitandolos a sus actividades de cultivo y artesanía. Indaga sobre cómo la información se transforma de teoría a conocimiento y cómo puede este ser encarnado. Los vínculos sociales que genera son una parte esencial en sus proyectos.

Las técnicas de teñido natural han tenido una larga historia de preservación de estos saberes y habilidades de forma secreta. Lina Sofia ha querido abrir el campo lo que le ha llevado a enseñar y dar ponencias sobre el tema, y a publicar The Dyeing Manifest – The Expanded Field of Composting 2013, Natural Dyes 2014, en 2017 y en 2019.
Entre el 2009-2016, investiga sobre consumo colaborativo a través un guardarropas compartido en formato de librería. El proyecto lidiaba con temas tales como “el reparar, la vida útil de las prendas de vestir, la ecología, o el comportamiento humano y también creó un espacio para que nazcan nuevas ideas entorno a la circularidad de materiales. Ubicado en la periferia de Estocolmo ha alcanzado los 360 miembros.
Desde el 2016 al 2018, trabajó para La agencia de Arte Público Suiza en un área residencial cerca de la ciudad con una gran diversidad de residentes. El Ayuntamiento planea para el distrito un nuevo parque, una plaza, y algunas casas han sido remodeladas. Cocinar, teñir tejidos con especias y plantas han sido el punto de partida para el diálogo entre los residentes acerca del espacio público y una investigación sobre cómo conectar con el contexto. Para el 2019 se planea instalar una pieza de arte público – una cocina construida con la escuela ubicada en el parque.
Lina Sofia realizó un grado en Arte Textil en la Academia de Artes y Artesanía en Gotemburgo, estudió Etnología en la Universidad de Estocolmo y formada en Artesanía de Nyckelviksskolan.

Residencia becada por IASPIS (Comité de becas Suecas) y la Fundación Helge Ax:son Johnson

Anneloes Gerdien (Utrecht)
«Como niña solía vivir en el campo holandés. Crecí en un entorno rural cercano a la naturaleza, donde vivir afuera, la vida simple, el silencio, la construcción y la reutilización son los principales factores de la vida diaria. Este estilo de vida simplificado es una de esas cosas que siguen siendo valores fundamentales que llevo conmigo en mi proceso artístico e investigación «.

Estructuras orgánicas – · Elementos deconstruidos – Contrastes y tabúes – · Entorno y superficies

Gerdien van der Vinne (1993) de Anneloes es una artista interdisciplinar que trabaja en los campos de la pintura, el dibujo, la metalurgia ligera, y combina el periodismo visual dentro del procesos de creación.
En sus diarios visuales, dibujos, paneles y joyas, expresa su fascinación por la evolución natural y las emociones que ocurren en su vida diaria. Ella refleja este pensamiento a lo largo de todo su cuerpo de trabajo, inspirado en las estructuras orgánicas que nos rodean. Considera el potencial de crecimiento y usa su intuición para compartir el valor de cada objeto.

Procedente de los campos de la moda, la cultura visual y la teoría, se esfuerza por crear productos finales tangibles en los que el crecimiento y la experimentación sean visibles. En el interior de su trabajo los entornos desconocidos son puntos de partida que le generan la urgencia de salir a encontrarse con situaciones impredecibles. Observar de cerca desde una mirada filosófica y antropológica y absorber los comportamientos naturales de los entornos es lo que Anneloe quiere revelar en sus piezas. Esto le aporta nuevos incentivos, con procesos impredecibles y una mayor profundidad a sus resultados.

Anneloes Gerdien tiene su sede principal en Utrecht, Países Bajos.

A principios del 2018 algunas personas vinculadas a la escena contemporánea comenzaron a compartir desde el Laboratorio de Artes en Vivo del Teatro Leal de La Laguna (LEAL.LAV) y AADK Spain Centro Negra (Murcia), preguntas críticas acerca de su práctica artística-y-curatorial (como una misma cosa). Artistas que impulsan y proponen contextos para la creación en las periferias que lidian con necesidades propias y ajenas, que piensan en términos de cuidado y autocuidado radical, abriendo preguntas hacia nuevas preguntas y pensando con el cuerpo sobre los cómos, los cuándo, los cuántos, lo con-quiénes…Diciendo con el cuerpo:

¿Cómo pensar y hacer proyectos y contextos de cuidado para la creación y el acompañamiento a artistas? ¿Cómo construir dinámicas sanas y placenteras entre artistas, contextos, mediadorxs, procesos y territorios? ¿Cómo gestionar las soledades y las distancias y los afectos y los recursos y los tiempos…?

Ante este estado de cosas y con un deseo urgente de juntura, AADK Spain/Centro Negra y LEAL.LAV proponen LA CONGREGACIÓN: un encuentro sin presupuesto ni hoja de ruta entre artistas vinculadas a LEAL.LAV para el 2019 (como caso o modelo o muestra) y agentes mediadoras invitadas a pensar juntas con el cuerpo sobre estas y otras cuestiones.

La Congregación

Participantes:
Acerina Amador, Tirso Orive, Soren Evinson, María García Vera, Juan Miranda, Carlota Mantecón, Adán Hernández, Tamara Ascanio, Daniel Hernández, Abraham Hurtado, Javier Cuevas, Elena Azzedin y Sara Serrano.

AADK cerraba el año con una programación con la que disfrutar y reflexionar sobre la experimentación sonora y su potencial para generar comunidades. Con el apoyo de Acción Cultural España (A/CE), la Fundación Daniel y Nina Carasso y el Ayuntamiento de Blanca, AADK invitó a relevantes agentes de distinta procedencia y campos de actuación, dentro del arte sonoro, a participar en un encuentro donde se mostraba el trabajo que se está desarrollando, a nivel local, en formato expositivo y de conciertos.

Llorenç Barber pionero de la experimentación sonora en España, Miguel Álvarez director del mítico programa radiofónico Ars Sonora, en RNE, y Patricia Raijenstein, de la Escuela de Oficios Electro Sonoros de Madrid fueron los expertos invitados nacionales. Pedro Rocha, responsable de la programación de música y performance del Museo de Arte Contemporáneo Serralves, Oporto; Tamara Kaminska, Directora de City of Gardens, Katowice; Peter Cusack, Londres, legendario artista sonoro medioambientalista y Alexander Meurer, Berlin, fundador del innovador sello Bohemian Drips; participaron y formaron parte de estos tres intensos días de actividad.

Patricia Raijenstein Escuela de Oficios Electrosonoros

Peter Cusack

“Creemos que en España se está generando un material artístico y unos modelos educativos guiados por artistas y organizaciones independientes a los que hay que dar visibilidad más allá de nuestras fronteras”, anunciaba en su programa la plataforma de artistas AADK.

Las jornadas dieron comienzo en el Teatro Victoria con un original y emotivo concierto de La Peña Huertana “La Capaza”, guiado por el artista sonoro gallego Nacho Muñoz. De la mano de músicos amateur de todas las edades, pudimos escuchar una deconstrucción de la jota blanqueña acompañada de música de sintetizadores, paisaje sonoro o percusión con el cuerpo. Un encuentro entre música de raíz y experimental que abre nuevos campos de creación para los intérpretes y que acerca audiencias con intereses musicales muy diversos.

Concierto La Capaza + Nacho Muñoz

El viernes se abrió la exposición en casa Jazmín, en la que se presentaban las obras de los y las artistas Lorenzo Sandoval, Pablo L. Jordán, Juliana E. Keller y el colectivo War.

En la sala 5 del Centro Negra se podían tocar las esculturas sonoras creadas en el Taller de Organología guiado por Carlos Suárez, realizados por Lola Nieto, Shakira Benavides, Paquito Nogales, Salva Alambre, Aurora Rodriguez y Patricia Raijenstein.

En el espacio 6, el punto de “Info Sónica” daba acceso al trabajo de otros experimentadores sonoros de la región como Kaverna, Salva Alambre, Beatrix, Bartolomé, La Josephine, Descendimiento, Flamante o los sellos Holy Sun Label y Vulture Culture.

Durante dos horas, Daniel Hernández, artista de la plataforma, presentaba su primera colaboración con el músico Flamante (Derek Van Den Bulcke). Daniel mostraba un trabajo con el cuerpo de deconstrucción del flamenco, género que formó parte sólida de su carrera artística, y que tras arrancarse esa práctica en busca de otros lenguajes, vuelve a él transformándolo en una expresión propia.

Artefactos sonoros del Taller de Organología

Abrió la velada la joven música berlinesa Pia Achternkamp, con una propuesta electro acústica con punteos de guitarra clásica en bucle combinado con una segunda parte puramente electrónica que nos sumió en un delicado trance. Tras la cena, el experimentado artista sonoro Carlos Suárez dió un concierto en el que sonidos de animales y su instrumento “madera y muelles” nos llevaban desde atmósferas de naturalezas lejanas a sintetizados ritmos ancestrales. La velada finalizó con un concierto de Susana López, cuya propuesta fue mantener, a lo largo de todo el concierto, un dron oscilante del que emergían múltiples matices sonoros. Los sonidos creados con sus instrumentos analógicos y sintetizadores contuvieron el aliento de quien la escuchaba.

El sábado fue un intenso día en el que los expertos invitados presentaron su trabajo y trayectoria, abordando cuestiones que van desde la educación a la creación, pasando por la por investigación, la muestra o la publicación de trabajos de experimentación sonora.

La sensación de urgencia por generar más encuentros como este en el que compartir experiencias, deseos y necesidades fue unánime.

Durante todo el día tuvimos la oportunidad de aprender de otros modelos, de visibilizar la necesidad de crear lazos profesionales y afectivos en un campo en donde -como en casi todas las artes- cada uno trabaja por su cuenta. Era increíble escuchar las dificultades que alguien con una trayectoria como la de Llorenç Barber había atravesado para legitimar otras aproximaciones al sonido que el de la música convencional. Al mismo tiempo, resultaba esperanzador ver cómo en este momento, a nivel nacional, pero en particular en la Región de Murcia, la experimentación sonora está generando una comunidad de intercambio de conocimiento con fuertes vínculos.

En uno de los intermedios, tuvimos un concierto de los niños del aula de “Escucha Activa” del programa “Sonora” dirigido por Selu Herraiz, en el que se compartía el trabajo que tanto él como la educadora Patricia Valcárcel llevan realizando con los niños a lo largo del pasado curso y de lo que llevamos de este. Un paisaje sonoro creado con objetos del entorno en el que se escuchan los unos a los otros para crear una atmósfera sonora que dejó boquiabiertos a todos los que lo presenciamos.

El segundo intermedio fue la “Siesta sónica”. Úrsula Bravo y Josman P#, en su formación WAR, hipnotizaron al público con sus atmósferas mágicas en un viaje sensorial que hacía abandonar el cuerpo.

Siesta Sónica

Para el cierre de las charlas, Elena Azzedin, artista de AADK y moderadora del encuentro, invitaba al público y los ponentes a “tocarla”. La artista portaba un traje de flejes elaborado por el vecino blanqueño Rafael de la Peña, al que ella incorpora un circuito que suena con el tacto. Con esta propuesta desplegaba un dispositivo de creación colectiva, en el que el cuerpo y la cercanía con los otros tomaba su lugar en este espacio de pensamiento.

Tras la cena, Lilith compartió su set “Todo gira” un trabajo conceptual sobre la dicotomía quietud-movimiento, en el que se transita del paisaje sonoro y la música de raíz a la música de síntesis. Su concierto lo cerraba con “El Punto (alrededor del cual)”, tema que invita al baile y que ya se está convirtiendo en un “hit”, algo bastante inusual en la música experimental.

A continuación pudimos asistir a una nueva propuesta de Abraham Hurtado, “Falsos Profetas”, junto al artista sonoro Selu Herráiz. Una arriesgada y conmovedora apuesta: poesía llevada al universo de la experimentación sonora, en el que cada poema era abordado con un registro diferente, envueltos en sonidos de sintetizadores, guitarra eléctrica, juegos de voz, respiración, y proyecciones de video.

Un trabajo en proceso que presentaban por primera vez y que hizo difícil mantenernos quietos en nuestras sillas cuando acababa instándonos a levantarnos y revelarnos contra lo que se espera de nosotros.
Sus poemas desgarradores y con un lenguaje de nuestro tiempo, tanto en su contenido como en su estructura, desvelaban la capacidad de este artista de transitar entre disciplinas con una destreza sobrecogedora.

Para cerrar el evento, Flamante nos puso a bailar con uno de sus sets de experimentación con flamenco, ritmos latinos y trap, con una singularidad que aporta a su trabajo un estilo propio reconocible.

Los interludios eran los momentos en los que compartir impresiones de lo sucedido, donde hablar de las situación del arte en nuestro país, donde pensar en nuevos encuentros. Esto no habría sido lo que fue si detrás de toda la organización no hubiera estado el artista más longevo en la plataforma, presente cuando Abraham Hurtado fundó AADK Spain y que fue quien una vez más elevó a arte nuestras comidas y cenas. Juan Conesa, cuya conceptualización y cuidados van desde la piel del espacio hasta nuestras tripas.

La conclusión de estos intensos días, hacer, arriesgar, intercambiar, unirnos, relacionarnos, cuidarnos, así es como cambiamos las cosas hacia unos horizontes deseables.

Prácticas Contemporáneas es un encuentro creado por AADK Spain para analizar los modelos de producción en el arte contemporáneo, un espacio de intercambio de conocimiento y en el que generar redes. Cada año se invita a profesionales de distintas procedencias y de diversos sectores -el público, el privado y el independiente- con el fin de continuar expandiendo los circuitos para nuestros artistas por europa. Esta edición nos centramos en la performance sonora y la creación de comunidades.

Comunidades en torno al sonido
El proyecto busca generar comunidad a través de la creación colectiva y facilitar experiencias transformadoras a través del sonido. Esta edición reúne a expertos en performance y arte sonoro, así como promover el encuentro entre comunidades -artísticas y locales. Con ello, queremos visibilizar otros modelos educativos, de creación y producción de arte sonoro que AADK genera a nivel local, nacional, e internacional.

Info sónica
Durante Prácticas Contemporáneas tendremos puntos expositivos en los que conocer el trabajo de otros artistas independientes de la región de Murcia a través de sus promotores, ya sean sellos locales, creadores de eventos y festivales o espacios que programan sonido.

Artistas
Peña Huertana “La Capaza” (Blanca), Nacho Muñoz (Vigo), Pablo Jordán (Murcia), Lola Nieto (Cartagena), Lorenzo Sandoval (Berlín/Murcia), Dani Hernández (Alicante), Elena Azzedin (Murcia), Rafael de La Peña (Blanca), Abraham Hurtado (Murcia), Úrsula Bravo y Josman P# (Murcia), LOH (Berlín), Carlos Suárez (Vigo), Susana López (Murcia), Flamante Dj Set (Murcia), Selu Herraiz (Murcia) y Escuela Experimental Sonora de Blanca.

Invitados de las conferencias
Llorenç Barber -Artista Sonoro (Valencia)
Alexander Meurer -Bohemian Drips Records (Berlín)
Tamara Kaminska -City of Gardens (Katowice)
Carlos Almela -Fundación Daniel y Nina Carasso (Madrid)
Patricia Raijenstein -Escuela de Oficios Electro-Sonoros (Madrid)
Peter Cusack -Creative Research in Sound Arts Practice (Londres)
Miguel Álvarez -Director de Ars Sonora de Radio Clásica (Madrid)
Pedro Rocha -Fundación Serralves (Oporto)

Organiza: AADK Spain
Gracias a los apoyos de: Acción Cultural Española AC/E, Ayuntamiento de Blanca, Fundación Daniel y Nina Carasso
Colabora: FAIL Studio
Patrocina: Café Salzillo y Estrella de Levante

Módulo 4 (Organología experimental) de nuestro: “Esto No es un Master de Arte Sonoro”

En este módulo se producirá una auténtica tormenta creativa, pues inventar instrumentos no es simplemente producirlos, su construcción lleva implícito imaginar el sonido que aspiramos transmitir, el discurso que el oído intuye en el tiempo. Implica tocarlos intensamente e intentar encontrar en su interior las vibraciones de lo inaudito.

Del 3 al 8 de diciembre de 2018 Blanca, Murcia.
La cuota del módulo 180€ e incluyen:
– Clases (48 horas)
– MATERIALES
– Tutorías curatoriales (12 horas)
– 7 días de alojamiento en Blanca, Murcia.

Inscripciones: lab@aadk.es
(¡no es necesario haber cursado los anteriores módulos!)

Lugar: Centro Negra
Imparte: Carlos Suárez
Organiza: AADK Spain
Cofinancia: Fundación Daniel y Nina Carasso
Dirige: Selu Herraiz
Asesoramiento curatorial: Elena Azzedin

Dirigido a:
Artistas y educadores interesados en la música experimental y el arte sonoro.
Personas curiosas con ganas de nuevas experiencias acústicas e interesadas en la exploración del sonido, la creatividad y la filosofía DIY (hazlo tú mismo)
Profesionales o no.

Más información sobre el curso completo: Dossier No Master

Volvemos con ACTIVO SÓNICO. Un recorrido desde el sonido raro a la música que te hace mover el cuerpo.

Activo Sónico es el espacio que ha creado AADK para las confluencias sonoras y musicales, donde se podrá viajar desde el arte sonoro y música rara a las mezclas más rabiosas y eclécticas de la música electrónica y de baile.

En este fin de semana presentamos dos conciertos:

-Sábado 27 de octubre 2018, sobre las 22:30 al cierre de los estudios abiertos. ENTRADA LIBRE

BARTOLOMÉ (Murcia)
Artista multidisciplinar cuyas creaciones están influenciadas tanto conceptualmente como estéticamente por la cibercultura online, videojuegos, anime, juegos de rol, la imaginería de fantasía medieval y la narrativa del cognitariado. Utiliza sus influencias y la cultura de forma alquímica generando conexiones entre conceptos e ideas aparentemente en guerra.

Su trabajo sonoro sigue estas influencias, pero caminando hacia sonidos de club como el trance, hardcore y psytrance forest, exprimiendo sus imaginativas ciber-medievales y posicionándolas de diferentes formas.

Su metodología va desde el hiper-collage digital, la apropiación y la creación desprejuiciada, eliminando la dualidad underground/mainstream.

Tras el concierto BARTOLOMÉ y Kaverna nos ofrecerán una sesión de baile para acabar la noche.

-Domingo 28 octubre a las 20.30 en el Teatro Victoria de Blanca. ENTRADA LIBRE

Mariana Carvalho y Beatriz Gijón Concierto de piano intervenido e instrumento de madera y muelle.

Artistas invitados: Carlos Suárez y Alice Weber

Beatriz Gijón.
Gijón es una pianista / vocalista española enfocada en la improvisación, la creación musical y la música contemporánea. Se formó como pianista clásica, pero tan pronto como descubrió la improvisación, comenzó a tocar jazz, música celta y otros estilos con diferentes conjuntos y músicos, lo que le ha dado la facilidad de conectarse de muchas maneras con la música. Además, debido a esta amplia perspectiva, curiosidad y pasión por otras artes, normalmente colabora con compañías de teatro, bailarines, pintores, artistas visuales, programas de radio, poetas y tiene varios proyectos interdisciplinarios en la actualidad.
Actualmente está cursando un Máster en la Royal Academy of Music de Aarhus, y su investigación está focalizada en el estudio de las prácticas artísticas contemporáneas en zonas rurales.

Mariana Carvalho
Carvalho es pianista, improvisadora y performer. A partir de sus trabajos de improvisación su interés se amplía al trabajo con el cuerpo con una perspectiva de género y transdisciplinar.
Se ha adentrado en la experimentación sonora introduciendo objetos dentro y fuera del piano y explora corporalidades a través de la eutonía.
Su actual interés es el de tejer relaciones sonoras en formato de instalaciones, cuerpos sonoros expandidos, improvisación libre, danza y feminismo.

Hizo el bachillerato en piano en la Universidad de San Pablo. Es parte de la red Sonora – músicas e feminismos, de NuSom (Núcleo de estudios en Sonología de la Universidade de São Paulo) y de la Orquesta Errante, grupo de improvisación libre. Investigó relaciones entre la eutonía y improvisación libre en iniciación científica, con una beca de FAPESP y supervisionada por Rogério Costa. Participó de la Camerata Profana, ensemble de música contemporânea, Coro Profana, laboratório vocal experimental, del colectivo Insólita Assemble, del núcleo de performance AANGA, dirigido por Miriam Dascal. Trabajó con teatro como musicista con Club Noir y Lacuna Celetiva.Se presentó en Alemania, Argentina, México, Rumania y en diversos lugares de Brasil.

Invitados:

Carlos Suárez
Suárez, Artista sonoro y educador gallego-venezolano nacido en Celanova en 1966. Maestro compositor por el Conservatorio Superior de Música Simón Bolívar de Caracas (especialidad electro-acústica). Etno-musicólogo por el Instituto Universitario de Estudios Musicales de Caracas. Máster en composición electro-acústica por la UCV.

Alice Weber
Weber es una artista australiana que vive y trabaja en Londres. Parte del trabajo con el cuerpo como un lugar de tensión entre la imagen y la experiencia, Alice explora la feminidad, el empoderamiento, el deseo y la (des) encarnación a través de su trabajo performativo. Sus coreografías son aparentemente propósitos sin sentido, de equilibrio, repetición, flexibilidad y quietud, apropiándose de su propio entrenamiento como bailarina clásica, para desestabilizar las reglas y reproducciones del cuerpo.
Recientemente obtuvo su máster en coreografía de Laban, Londres (2018).
Ha sido investigadora en la Accademia Nazionale di Danza (Roma) y su trabajo se ha presentado en Turner Contemporary (Margate), APT Gallery (Londres), The Place (Londres), Chisenhale Dance (Londres), Festival of Recorded Movement
(Vancouver). Alice ha desarrollado distintos trabajos de investigación y ha actuado para instituciones tales como la Universidad de Bedfordshire, Trinity Laban, CoLab Festival, The Cube London. También ha trabajado como intérprete para otros artistas, desde la danza hasta la performance de arte visual contemporáneo, como Delfina Foundation, Hauser & Wirth, The Performance Studio y Tanzcompagnie Giessen.

El 24 de noviembre a las 20:30h, AADK Spain abre las puertas del Centro Negra para compartir los procesos de los artistas en residencia del mes de noviembre: Alice Weber (Australia / Reino Unido), Ranjit Ahuja (India / EE.UU.), Amanda Kay White (EE.UU.), Astrid Bink (Países Bajos), Anyuta Wiazemsky (Rusia / Bélgica), Janet Ruth Davies (Gales del Sur).

Alice Weber (Sydney / Londres)
Alice es una artista australiana que vive y trabaja en Londres. Parte del trabajo con el cuerpo como un lugar de tensión entre la imagen y la experiencia, Alice explora la feminidad, el empoderamiento, el deseo y la (des) encarnación a través de su trabajo performativo. Sus coreografías son aparentemente propósitos sin sentido de equilibrio, repetición, flexibilidad y quietud, apropiándose de su propio entrenamiento como bailarina clásica, para desestabilizar las reglas y reproducciones del cuerpo. Recientemente obtuvo su máster en coreografía de Laban, Londres (2018).

Ha sido investigadora en la Accademia Nazionale di Danza (Roma) y su trabajo se ha presentado en Turner Contemporary (Margate), APT Gallery (Londres), The Place (Londres), Chisenhale Dance (Londres), Festival of Recorded Movement (Vancouver). Alice ha desarrollado distintos trabajos de investigación y y ha actuado para instituciones tales como la Universidad de Bedfordshire, Trinity Laban, CoLab Festival, The Cube London. También ha trabajado como intérprete para otros artistas, desde la danza hasta la performance de arte visual contemporáneo, como Delfina Foundation, Hauser & Wirth, The Performance Studio y Tanzcompagnie Giessen.

Ranjit Ahuja (Ajmer / Atlanta)
Ranjit nace en Ajmer, India, y actualmente reside y trabaja en Atlanta, EE. UU., su Educación Profesional ha sido en Diseño y Comunicación Visual en India y es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Syracuse, NY, EE.UU., en el Departamento de Estudios Experimentales. Ha desarrollado un gran interés en la Fotografía en blanco y negro y sus procesos de laboratorio. Ranjit ha trabajado en laboratorios B & W durante más de 20 años y alrededor de 15 años en Digital Imaging para prensa en los Estados Unidos. «Sería seguro asumir que mis imágenes son una combinación de estas actividades profesionales».

A nivel filosófico, sus imágenes son una combinación de «abstracción y realidad» y buscan involucrar al espectador en sus estudios visuales entre las formas de comunicación «científica y artística». Le gustaría investigar nuevos métodos de impresión para presentaciones artísticas superiores y trabajar en proyectos de colaboración con escritores y artistas.

Amanda Kay White (Tustin)
Los intereses de investigación de Amanda Kay White profundizan en el entramado que une el conocimiento corporal, la encarnación de lo cognitivo y la teoría espacial a través de la coreografía. Encontrar puntos de acceso a este conjunto de experiencia físicas y de la memoria y profundizar en su comprensión personal de sobre la humanidad. Amanda está interesada en generar una coreografía basada en el compromiso con la comunidad y el contexto para explorar experiencias compartidas dentro de Blanca.

Originaria de St. Charles, Missouri, actualmente vive en el Condado de Orange, California, y es profesora e instructora adjunta del movimiento moderno y de jazz en Chapman University, Santa Ana College y Orange County School for the Arts, EE. UU. El deseo de profundizar en su práctica artística personal la llevó a cursar un Máster en Coreografía, que recibió en abril de 2016 a través de la Universidad de Jacksonville, EE. UU. Sus trabajos se han presentado a nivel regional en todo el sur de California, así como a nivel internacional en el primer Oulu Dance Hack en Finlandia. Amanda también es miembro de la compañía fundadora y bailarina actual de Backhausdance, una compañía internacional de danza moderna contemporánea itinerante con sede en el sur de California, EE. UU.

Astrid Bink (Montfoort)
Graduada recientemente en HKU Utrecht, Países Bajos, Astrid estudió Bellas Artes y Diseño en Educación. Astrid es parte de un colectivo de arte llamado «Zonder Punt». Junto con este grupo diverso de jóvenes artistas, reflexionan sobre el trabajo de cada uno y organizan exposiciones.

Astrid Bink se siente atraída y asombrada por la belleza pura de la naturaleza. “La naturaleza está constantemente expuesta a fuerzas poderosas, sin embargo, aún crece y florece. Mientras tanto el mundo está siendo humanizado. Los paisajes están divididos y dispuestos. La humanidad utiliza la tecnología para controlar la naturaleza. Las carreteras se crean y los bosques se plantan y se mantienen, para que sean fácilmente accesibles ”. En su trabajo, ella investiga la relación entre los humanos y la naturaleza, trata de capturar el encanto de la naturaleza y de dar lugar al controvertido deseo de control sobre la tierra.

Residencia becada con el Premio “Young Master Award 2017” en el Media Art Friesland Festival (MAF).

Anyuta Wiazemsky (Moscú / Gante)
Anyuta Wiazemsky (1989, Moscú) es una joven artista ruso-belga. Se graduó en la Academia de Derecho de Moscú, Rusia, antes de decidirse por una carrera artística. Estudió Bellas Artes en la Royal Art Academy de Gante, Bélgica. Sus obras se han exhibido en Moscú (RU), Gante (BE), Lovaina (BE), Kortrijk (BE), Bruselas (BE), Rotterdam (NL), Hyderabad (IN). Actualmente cursa el programa educativo Master of Science en Sociologie en la Universidad de Ghent (BE).

Visualmente, su trabajo es diverso, pero hay una sola noción que, «como un hilo de oro que lo aúna en toda mi práctica: la noción de ser humano unido a la existencia del artista». Ella trabaja con otras personas y su presencia como un elemento integral de su trabajo; Es a través del diálogo, de la relación con el otro, de la comprensión de los puntos en común y las diferencias ineludibles que crea un nuevo trabajo.

Con el apoyo de: Vlaamse overheid – Departement Cultuur, Jeugd en Media.

Janet Ruth Davies (Gwynedd)
Actualmente estudia un máster de posgrado en fotografía documental en la Universidad de Gales del Sur. Los intereses de investigación fotográfica de J. Ruth están relacionados con la identidad, la movilidad y la memoria. Está interesada en la percepción sensorial del entorno y en los sentimientos que surgen de la interacción. Tim Ingold, un antropólogo, dice «el arte da forma a los sentimientos humanos y un sentimiento es un modo de compromiso perceptivo activo, una manera de estar literalmente en contacto con el mundo».

Su práctica creativa previa incluía movimiento, coreografía y performance. Estas disciplinas continúan dando forma a su proceso fotográfico espacial y somáticamente.

ACAB (All Cats Are Beautiful)

El Respiradero de GETXOARTE 6 y 7 de Octubre 2018
Sábado 6 de Octubre 10h-22h
Domingo 7 de Octubre 10h-14h/16.30h-22h
Plaza de la Estación Arenas
Getxo – Bilbao

Daniel Hernández, Alberto Alonso y Abraham Hurtado han sido invitados a presentar su investigación escénica ACAB en el Festival Getxoarte dentro del display comisarial El Respiradero

El Respiradero es un display comisarial, una estructura de hacer colectivo, una medianía de fricción y tacto, un contrafestival, un armazón que hace posible un espacio desde el que compartir, mirar y dialogar sobre los usos del cuerpo. Una herramienta propuesta como lugar que aprovecha el espacio público para activar, superponer y nombrar un conjunto de pro-puestas vinculadas a las artes escénicas, la performance y la poesía.

CUERPO EN CRISIS de Abraham Hurtado
Grupo de trabajo
Del 17 al 22 de noviembre 2018
Centro Negra

Tras diez años de creación propia, Abraham Hurtado logra definir la línea que ha atravesado todo su trabajo: el “cuerpo en crisis”.

Su interés por generar experiencias en las que desplegar las huellas que dejan en el cuerpo las vivencias personales, le ha llevado a desarrollar una metodología, y a visibilizar cómo el individuo absorbe los acontecimientos históricos y los contextos sociales.

Para terminar de entender estos procesos y los pliegues de su propio cuerpo de trabajo, A. Hurtado invita a otros artistas a experimentar con su metodología y a generar obra en respuesta a la suya.

Invitados Bloque II: Andrés Agudelo, Pia Achternkamp, Elena Azzedin, Alberto Alonso, Úrsula Bravo, Derek V. Bulcke, Daniel Hernández, Selu Herraiz, Pedro Lobo, Emilio Manzano y Josman P#.

Oh! Monstruo
«Hipogrifo, hipogrifo liberador, llévame más alto que el cielo. Para obedecer al anciano divino, iremos, oh monstruo, más allá de las puertas del horizonte. Montaré sobre las ciudades, sobre el campo donde sufrí.»

Oh! Monstruo es un proyecto de Eduardo Hurtado comisariado por Jesús Alcaide con la participación de Daniel Hernández, Aimar Pérez Galí y Javier Vaquero; y la colaboración de Oiha Indart, r-r-r, Ventura&Hostas y Pedro Lobo.

Fechas de la exposición: Del 24 de noviembre hasta finales de enero
Activación: 24 de noviembre 19:30 por Daniel Hernández, Javier Vaquero y Eduardo Hurtado.
Comisario: Jesús Alcaide
Localización: CCCC. C/ Museo, nº 2. (46003) Valencia

Más info: http://www.consorcimuseus.gva.es/centro-del-carmen

Electrónica creativa
Creación placas perforadas y placas con ácido. Construcción de 5 instrumentos electrónicos: crackle box, theremin de luz, amplificador, mezcladora de 4 canales, schmitt beat trigger, y secuenciador de pulsos. Los participantes se llevarán a casa estas cinco máquinas y mucho más.

Del 8 al 13 de Octubre 2018
Lugar: Centro Negra
Imparte: Carlos Suárez
Organiza: AADK Spain
Cofinancia: Fundación Daniel y Nina Carasso
Dirige: Selu Herraiz
Asesoramiento curatorial: Elena Azzedin

Dirigido a:
Artistas y educadores interesados en la música experimental y el arte sonoro.
Personas curiosas con ganas de nuevas experiencias acústicas e interesadas en la exploración del sonido, la creatividad y la filosofía DIY (hazlo tú mismo)
Profesionales o no.

Más información sobre el curso completo: Dossier No Master

Este sábado día 27 de octubre de 2018, a las 20.30, os invitamos como cada mes a conocer el trabajo realizado por los artistas en residencia de AADK. Entrada libre.

Para estos Estudios Abiertos contamos con la artista Alice Weber (London / Sydney) que realiza un trabajo de exploración del espacio con el cuerpo; Mariana Carvalho (São Paulo) que presenta un pieza relacional de experimentación con el sonido; Aurora Rodríguez (Alicante) presentará conjunto de obras gráficas y escultóricas y el colectivo KG Augenstern (Christiane Prehn y Wolfgang Meyer, Berlín) quienes han realizado una instalación participativa. Esta última se presenta en “La Sala Idol” por lo que os convocamos a las 20:30h en el parking del antiguo ayuntamiento de Blanca.

Aurora Rodríguez (Alicante)
Aurora ha estudiado Bellas Artes en la Universidad de Murcia, habiendo complementado sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Guadalajara (México). Así mismo ha desarrollado una trayectoria artística cuyo interés principal es interpretar el arte de una forma multidireccional y multidisciplinar, entendiendo el arte como una consecuencia natural del entorno y sus necesidades.
En su trabajo, abarca la relación del individuo y la sociedad y su interdependencia con el territorio, utilizando las acciones individuales como materia con la que trabajar.

Mariana Carvalho (São Paulo)
Mariana Carvalho es pianista, improvisadora y performer. A partir de sus trabajos de improvisación su interés se amplía al trabajo con el cuerpo con una perspectiva de género y transdisciplinar.
Se ha adentrado en la experimentación sonora introduciendo objetos dentro y fuera del piano y explora corporalidades a través de la eutonía.
Su actual interés es el de tejer relaciones sonoras en formato de instalaciones, cuerpos sonoros expandidos, improvisación libre, danza y feminismo.

Hizo el bachillerato en piano en la Universidad de San Pablo. Es parte de la red Sonora – músicas e feminismos, de NuSom (Núcleo de estudios en Sonología de la Universidade de São Paulo) y de la Orquesta Errante, grupo de improvisación libre. Investigó relaciones entre la eutonía y improvisación libre en iniciación científica, con una beca de FAPESP y supervisionada por Rogério Costa. Participó de la Camerata Profana, ensemble de música contemporánea, Coro Profana, laboratório vocal experimental, del colectivo Insólita Assemble, del núcleo de performance AANGA, dirigido por Miriam Dascal. Trabajó con teatro como musicista con Club Noir y Lacuna Celetiva.Se presentó en Alemania, Argentina, México, Rumania y en diversos lugares de Brasil.

Artista apoyada por: Nusom – Centro de investigación de Sonología de la Universidad de Sao Paulo y Sonora – músicas e feminismos.

Alice Weber (Sydney / Londres)
Alice es una artista australiana que vive y trabaja en Londres. Parte del trabajo con el cuerpo como un lugar de tensión entre la imagen y la experiencia, Alice explora la feminidad, el empoderamiento, el deseo y la (des) encarnación a través de su trabajo performativo. Sus coreografías son aparentemente propósitos sin sentido de equilibrio, repetición, flexibilidad y quietud, apropiándose de su propio entrenamiento como bailarina clásica, para desestabilizar las reglas y reproducciones del cuerpo. Recientemente obtuvo su máster en coreografía de Laban, Londres (2018).
Ha sido investigadora en la Accademia Nazionale di Danza (Roma) y su trabajo se ha presentado en Turner Contemporary (Margate), APT Gallery (Londres), The Place (Londres), Chisenhale Dance (Londres), Festival of Recorded Movement (Vancouver). Alice ha desarrollado distintos trabajos de investigación y y ha actuado para instituciones tales como la Universidad de Bedfordshire, Trinity Laban, CoLab Festival, The Cube London. También ha trabajado como intérprete para otros artistas, desde la danza hasta la performance de arte visual contemporáneo, como Delfina Foundation, Hauser & Wirth, The Performance Studio y Tanzcompagnie Giessen.

Christiane Prehn y Wolfgang Meyer. Grupo “Kg Augenstern Artist”(Berlín)
Kg Augenstern trabaja en el campo de la instalación, la performance y el audiovisual/ audioquinético.
Christiane Prehn (Dipl. Arte, Universidad de Bellas Artes de Stuttgart) es artista, escultora, y directora de cine. Ha expuesto en distintos espacios y obtenido diversos premios tales como: Thessalonica Biennale 2008, New York Fruit and Flower Gallery 2008, Museum of Modern Art Den Haag 2009, Glasmuseum Amsterdam 2009, Akademie Preise der Akademie der bildenden Künste Stuttgart 2005, 2006 y 2008 Wolfgang Meyer (Músico, artista sonoro, audiovisual, y compositor de música para cine).
Ha expuesto y participado en: Fe -Babylon KlangBasar, Paisaje sampleado en vivo (IfA Galerie Stuttgart 2006, Ostsee Festival Stralsund 2007), performance sonoro «el sonido del barco» interpretado en Berlín, París, Ámsterdam, Salónica y en la Bienal de Arte de Estambul (2009/2010).
En los últimos años, el Kg Augenstern navegó por muchos ríos y canales en Europa, rascando puentes con largos tentáculos instalados a bordo, para hacerlos revelar sus sonidos específicos. Los artistas desarrollaron muchas instalaciones específicas que se muestran en varias galerías y espacios de arte en Europa.

El próximo Viernes 21 de septiembre, a las 21h abrimos al público para compartir los procesos de las artistas en residencia de AADK: Mirel Torun (Sydney/Izmir), Mariana Carvalho (São Paulo) y Aurora Rodríguez (Alicante) junto con las intervenciones de algunos de los artistas de la plataforma.

Además podrás participar en una sesión abierta de improvisación sonora con Selu Herraiz, Josman P#, Úrsula Bravo, Pia Achternkamp, Mariana Carvalho y quien quiera unirse a tocar.

Abraham Hurtado tiene preparado un set fotográfico para realizar retratos que pueden llegar a formar parte de uno de los trabajos en los que se encuentra inmerso. Además, Daniel Hernández mostrará el video “Master Fail Piece 1” con paisaje sonoro en directo de Josman P#.

Mirel Torun (Sydney/Izmir)
Miren Torun es una artista que vive y trabaja en Izmir, Turquía. Nació en Sydney, Australia y se graduó en el Departamento de Artes Escénicas. Trabajó como editora y editora en jefe en el departamento editorial de varias revistas de artes plásticas y visuales. Trabajó como consultora visual en Theatre Madrasah. Realizó estudios visuales especializados sobre el cuerpo, la voz y los efectos del uso del espacio en el movimiento.
Ha trabajado el cuerpo en movimiento durante más de una década y ha dado varias conferencias sobre técnicas de improvisación.
Fue directora de arte de una pieza en solitario compuesta por una colección de poemas de Charles Baudelaire en el Centro Cultural Francés de Izmir.

Exposiciones y Residencias «7», İzmir State Kültürpark Museo de Arte y Escultura, 2014 «Pequeños Mundos», Instalación de «bolsa de harina de 2 kg» comisariada por Stefan Bohnenberger, K2 Contemporary Art Center, İzmir, 2015. Especie no invasiva, exposición colectiva, en Guadalupe, Mogadishou y Minneapolis, 2016 Body, Object and Space, The Boiler Film Club, Nueva York, 2016 Beetime Residencia, Santa Lucía, Vejer de la Frontera, octubre de 2016 Art Quarter Budapest Artist Residency, abril de 2017. Arte participativo Budapest. Beca Arteles Art Residency en Finlandia, julio de 2017. Open Studio participante. TAMBIÉN la historia poética llamada Milk Shake se emitió en Ege FM.

Aurora Rodríguez (Alicante)
Aurora ha estudiado Bellas Artes en la Universidad de Murcia, habiendo complementado sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Guadalajara (México). Así mismo ha desarrollado una trayectoria artística cuyo interés principal es interpretar el arte de una forma multidireccional y multidisciplinar, entendiendo el arte como una consecuencia natural del entorno y sus necesidades.
En su trabajo, abarca la relación del individuo y la sociedad y su interdependencia con el territorio, utilizando las acciones individuales como materia con la que trabajar.

Mariana Carvalho (São Paulo)

Mariana Carvalho es pianista, improvisadora y performer. A partir de sus trabajos de improvisación su interés se amplía al trabajo con el cuerpo con una perspectiva de género y transdisciplinar.
Se ha adentrado en la experimentación sonora introduciendo objetos dentro y fuera del piano y explora corporalidades a través de la eutonía.
Su actual interés es el de tejer relaciones sonoras en formato de instalaciones, cuerpos sonoros expandidos, improvisación libre, danza y feminismo.

Hizo el bachillerato en piano en la Universidad de San Pablo. Es parte de la red Sonora – músicas e feminismos, de NuSom (Núcleo de estudios en Sonología de la Universidade de São Paulo) y de la Orquesta Errante, grupo de improvisación libre. Investigó relaciones entre la eutonía y improvisación libre en iniciación científica, con una beca de FAPESP y supervisionada por Rogério Costa. Participó de la Camerata Profana, ensemble de música contemporânea, Coro Profana, laboratório vocal experimental, del colectivo Insólita Assemble, del núcleo de performance AANGA, dirigido por Miriam Dascal. Trabajó con teatro como musicista con Club Noir y Lacuna Celetiva.Se presentó en Alemania, Argentina, México, Rumania y en diversos lugares de Brasil.

El próximo 25 de agosto a las 21h, AADK abre las puertas del Centro Negra.
Os invitamos a conocer de cerca los procesos de Mirel Torun (Sydney / Izmir), Andrea Peña (Bogotá / Montreal), Carol Rashawnna (Washington), María Velasco (Madrid / Kansas), Clara J: son Borg (Jönköping / Rotterdam), Amélie Créac’h (Seúl / Nantes) y Sofian Jouini (Nantes).

El principal interés de una parte de ellos es adquirir una mayor comprensión sobre lo coreográfico, qué lo genera a nivel inconsciente, y cuan condicionado por el entorno se haya el movimiento del cuerpo.
Otros de los artistas de este mes están trabajando sobre la subjetividad de los habitantes locales o la propia, a través de instalación pictórica, la escultura o el arte textil.

Andrea Peña (Bogotá / Montreal)
Andrea Peña es una artista multidisciplinar colombiana, asentada en Montreal, cuya obra se desarrolla en los campos de la danza y el diseño. Sus trabajos se centran en la creación de elementos críticos, alternativos, performativos y espaciales. Universos que cuestionan al individuo dentro de la sociedad, para generar una conciencia de sí mismo dentro del público y la audiencia. Es la directora artística de Andrea Peña & Artists, fundada en 2014, la compañía de danza es reconocida a nivel nacional e internacional.
El trabajo de Peña ha sido comisionado por el prestigioso Musee des Beaux Arts de Montreal, el Centro Canadiense de Arquitectura, la Orquesta Sinfónica de Laval, el 375e Anniversary of Montreal, entre otros.
Desde el punto de vista comercial, Andrea ha trabajado para la marca de moda más importante de Montreal, RUDSAK, como Directora Creativa, encabezando la dirección visual completa y los canales de contenido creativo de la compañía. Actualmente, Peña está cursando un máster en la Universidad de Concordia desde septiembre de 2017, galardonada con la beca Dora y Avi Morrow por su excelente desempeño en las artes visuales. Académicamente, Peña ha trabajado con el Presidente del Departamento de Diseño de Concordia, PK Langshaw, para una extensa exhibición presentada en la Galería FOFA en 2016 y ha recibido dos Premios de Investigación de Estudiantes de Pregrado de Concordia. Peña es una TA dentro del Departamento de Ingeniería de Maestría, para cursos enfocados en Diseño Crítico e Innovación. Sus creaciones artísticas han sido apoyadas por residencias artísticas como Topological Media Lab Concordia, Hexagram Concordia, Residencia Coreográfica del Centro de Circuito Est, Ionion Arts Center Greece, FIDCDMX en México.

Carol Rashawnna (Washington)
Actualmente, en América, la política es el escenario de un dramático «reallity show», me encuentro confundida por el estado actual de nuestro entorno cultural.
Preocupada por vivir en un país basado en un capitalismo extremo y ciego ante su consecuente cambio climático. Todos los días, siente despertar del sueño y amanecer en una pesadilla global. Como afroamericana, el estado de lo que está ocurriendo allí, es decir. el desplazamiento de los «afroamericanos», a través de deportaciones y una eliminación silenciosa -genocidio contemporáneo legislado, la doctrina del aborto, el complejo industrial penitenciario, asesinatos policiales, gentrificación y desiertos alimentarios, siente la urgencia de salir del país para ganar una perspectiva más clara de su papel como artista. Mientras que las migraciones y agresiones en su país están empeorando, ella está interesada en el bien común.

Como artista a quien le preocupa profundamente el medio ambiente, le gustaría utilizar su tiempo en España para reducir la velocidad, explorar su relación con la tierra y aprender sobre el río Segura que atraviesa Blanca. Ella está dispuesta a hacer un proyecto centrado en el cambio climático, las personas y la cultura en esa área.
Su medio son las pintura / grabados monocolor y las instalaciones, también el arte ecoart o el land art, o el arte regenerativo, su idea es combinar estas intereses con técnicas instalativas y de monograbado.

María Velasco (Madrid / Kansas)
María Velasco es una artista española que vive y trabaja en los EE. UU. Desde 1991.
Ha mostrado su trabajo a nivel nacional e internacional en lugares de prestigio de arte contemporáneo en todo Estados Unidos, como en Minneapolis, Santa Bárbara, Chicago, Kansas City, Saint Joseph o NY.
Internacionalmente, ha expuesto en Madrid, Paraguay, Darmstadt, México, Argentina y Marruecos.
Su trabajo aparece en prestigiosas publicaciones. Fue Artista en Residencia en Sculpture Space (2007) y Artista en Residencia Internacional en ProyectoAce, en Buenos Aires, Argentina (2012). En 2016, fue artista en residencia en Green Olive Arts, en Tetuán, Marruecos.
Velasco recibió su Licenciatura en Pintura de la Universidad Complutense de Madrid (1989) y su Maestría en Bellas Artes en Nuevo Género de la Universidad de California en Santa Bárbara (1993). Es Profesora Asociada de Arte Visual en la Universidad de Kansas, y enseña cursos de Arte de Instalación, Dibujo, Arte Participativo y Prácticas Profesionales para artistas.

Clara J: son Borg (Jönköping / Rotterdam)
Clara J: son Borg es una artista sueca con sede en Rotterdam (Holanda). Su investigación artística está dirigida a las ontologías que rodean el cuerpo humano, sus posibles estrategias de actuación, su carga política y las teorías post-danza. A través de la experimentación en el movimiento, el uso de la palabra hablada, el video y el texto, establece situaciones en las que los procesos cognitivos, emocionales y cinéticos son capaces de actuar y encajar holgadamente entre sí. Acción y detenimiento, son para J: son Borg una invitación a observar elementos de relaciones interpersonales, coreografías sociales y jerarquías de conocimiento.
Clara tiene una licenciatura de HDK Steneby, Universidad de Gotemburgo (SE, 2012) y una maestría del Instituto Piet Zwart, Rotterdam (NL, 2016). Ella ha sido residente del XXI CSAV-Artist Laboratory
Materiales para el rendimiento, dirigido por Yvonne Rainer, Fondoazione Ratti, Como
(IT), Body as Site, Banff Centre, Banff (CAN) y Hordaland Kunstsenter, Bergen (NO). Su trabajo ha sido recientemente exhibido en Yellow Brick, Athens (GR), 13festivalen, Gothenburg (SE) ONONO, Rotterdam (NL), Österängens Konsthall, Jönköping (SE), ahora y después del festival de video internacional, Moscow (RUS), de Appel, Amsterdam (NL) y Oktoberdans2016, Bergen (NO).

Residencia apoyada por CBK Rotterdam y por el Fondo Mondriaan en los Países Bajos.

Amélie Créac’h (Corea / Francia)
Cuando se le pregunta acerca de sus primeros recuerdos como arquitecta, Amélie inevitablemente responde: «un estudio de pintor y un estudio de danza». De hecho, se introdujo en estas dos disciplinas desde muy temprana edad. La pintura le enseñó a prestar mucha atención a la luz y el color, mientras que la danza le permitió desde el inicio experimentar con la relación entre el cuerpo y el espacio-tiempo.
Después de pasar un año en un curso científico de preparación para la universidad, fue aceptada en el programa de arquitectura del Instituto de Ciencias Aplicadas de Estrasburgo. Desde entonces, su carrera es testigo de un interés constante en la investigación, el hábitat y los problemas urbanos. En 2008 presentó su proyecto de tesis de graduación de arquitectura sobre la renovación de un barrio de clase trabajadora en Brest, que desarrolló en colaboración con una asociación local de artistas.
Trabajó para varias agencias de urbanismo y se encargó de proyectos muy variados, como la creación de barrios en las principales ciudades, estudios regulatorios para ciudades rurales y periurbanas y proyectos de renovación urbana. Luego se unió a la agencia de arquitectura Sophie Delhay, donde coordinó equipos y el seguimiento de proyectos experimentales de vivienda colectiva.
Se instaló en Nantes en 2016, donde divide su tiempo entre explorar las regiones costeras e insulares del mundo (Asia Tour, Learning from Hawai’i) y el seguimiento de sus primeros proyectos de vivienda individual y diseño de interiores.

Amelie participa en esta residencia gracias al apoyo del Institut Français y Ville de Nantes.

Sofian Jouini (Túnez/Francia)
Nacido en Nantes, Sofian pasó los primeros siete años de su vida en Túnez, luego se mudó a Francia. En 1999 siguió los pasos de su hermano mayor y se unió a una escuela de baile hip-hop. Con otros entusiastas, formó la compañía KLP. Las primeras actuaciones fueron escritas colectivamente.
En 2008 escribió Insolents Solistes con Brice Bernier. En 2011 escribió Tour of Duty, una inmersión en el corazón de la historia de Nueva York y el hip-hop. La pieza se realizó por primera vez en Nantes, seguida de una carrera en el Théâtre des Abbesses de París y, finalmente, en los Estados Unidos. Con la fuerza de este ímpetu, la siguiente temporada produjo un concierto de baile con los bailarines de KLP y los músicos y raperos de BackPack Jax, en los Estados Unidos.
Después de unos años más con el grupo, Sofian continúa experimentando por su cuenta. Él está especialmente fascinado por la relación con el espacio construido y los lazos que puede crear entre el cuerpo y la mente. En 2015 trabajó con la Escuela Nacional Superior de Arquitectura en Nantes para desarrollar una instalación de feria para las artes escénicas.
En 2016 comenzó el proyecto Naturalezas, inspirado como una reacción a la creciente alienación de la movilidad de los individuos en su vida cotidiana, sus estilos de vida sedentarios y la extrema racionalización de las formas de vida. Utiliza este proyecto para explorar las capacidades de los cuerpos humanos contemporáneos, el suyo, por supuesto, pero también el del público y los bailarines que conoce en los talleres.

Mirel Torun (Sydney/Izmir)
Mirel Torun es una artista que vive y trabaja en Izmir, Turquía. Nació en Sydney, Australia y se graduó en el Departamento de Artes Escénicas. Trabajó como editora y editora en jefe en el departamento editorial de varias revistas de artes plásticas y visuales. Trabajó como consultora visual en Theatre Madrasah. Realizó estudios visuales especializados sobre el cuerpo, la voz y los efectos del uso del espacio en el movimiento.
Ha trabajado el cuerpo en movimiento durante más de una década y ha dado varias conferencias sobre técnicas de improvisación.
Fue directora de arte de una pieza en solitario compuesta por una colección de poemas de Charles Baudelaire en el Centro Cultural Francés de Izmir.

Exposiciones y Residencias «7», İzmir State Kültürpark Museo de Arte y Escultura, 2014 «Pequeños Mundos», Instalación de «bolsa de harina de 2 kg» comisariada por Stefan Bohnenberger, K2 Contemporary Art Center, İzmir, 2015. Especie no invasiva, exposición colectiva, en Guadalupe, Mogadishou y Minneapolis, 2016 Body, Object and Space, The Boiler Film Club, Nueva York, 2016 Beetime Residencia, Santa Lucía, Vejer de la Frontera, octubre de 2016 Art Quarter Budapest Artist Residency, abril de 2017. Arte participativo Budapest. Beca Arteles Art Residency en Finlandia, julio de 2017. Open Studio participante. TAMBIÉN la historia poética llamada Milk Shake se emitió en Ege FM.