La edición de Estudios Abiertos de noviembre se realizará el día 23, a las 21:00 pm. Allí podrán recorrer los trabajos de Naomi Tarle de Santa Mónica, EE.UU., Jéhan Òsanyin de Seattle, EE. UU., Marcy Petit de Lille, Francia, Candice Okada de Vancouver, Canadá y Colectivo de Habitantes conformado por Manuela Parra y Camila Villaseca de Santiago de Chile.

Naomi Tarle

Naomi Tarle tiene un posgrado en creative writing de Boise State University y un posgrado en en artes visuales por la California State University Northridge. En agosto 2016 la artista asistió al London Intensive residency dirigido por Camden Arts Centre y la escuela de Bellas Artes, UCL.
Los últimos años se ha dedicado a preguntar cómo los objetos y su historia doméstica y familiar puedan reflejar eventos globales. Esta pregunta fue evocando otras como: ¿Está la globalización acelerando a la recesión de eventos en la história o está favoreciendo su perdurabilidad? ?¿Cómo coinciden las fronteras territoriales, la religión y la identidad con los objetos cotidianos? ¿Cómo una historia individual, plagada de objetos de necesidad e indulgencia, se relaciona con el pasado? ¿Existe la historia más allá del lugar y los artefactos? ¿Existen comunidades más allá de sus propias historias? ¿Existen los individuos más allá de sus propios recuerdos?

www.naomitarle.net

 

Marcy Petit

Marcy Petit obtuvo una maestría en Administración de Arte Contemporáneo en las universidades de Leeds y París 8 después de completar una licenciatura y una maestría en Artes Visuales en la universidad de Rennes. Como joven artista de medios mixtos, realiza un trabajo plástico multidisciplinario. Videos, fotografías, performances, grabaciones sonoras, instalaciones … componen una práctica multidisciplinaria.

Hizo una investigación importante sobre el arte relacional, p. tema principal de mi tesis final. Hoy, ella continúa explorando esta noción dentro de la concepción de varias obras de arte nuevas. Los dispositivos que usa buscan dar voz a las personas «normales» o «aparentemente comunes». Sin duda, su trabajo también se inspiró en su ascendencia desde que mis abuelos la criaron. A partir de ese momento, desarrolló una fascinación por las personas mayores, las historias antiguas y las cosas viejas …

Gracias a uno de sus maestros, Bertrand Clavez, ella también desarrolló primero una práctica orientada a la «actuación». Este medio artístico representa una parte importante de su trabajo artístico al usar su propio cuerpo como medio en su trabajo y en sus actuaciones. Por lo tanto, este medio ha generado una serie de trabajos que crean una postura femenina pero también irónica.

www.marcypetit.com

 

Jéhan Anysanyìn

Jéhan anysanyìn es un artista-activista, calderero, ceramista, administrador de artes y artista con sede en Seattle, Washington. Yankee Pickney, donde Jéhan fue dramaturgo, codirector e intérprete en solitario, se estrenó en marzo de 2017 y posteriormente fue nominado para un Premio Gregory 2017. Dramaturgia: HWHITE SILENCE, Obeahmxn, Prisoner, Checkmate y The Theatre of Race: en 2017, Jéhan recibió fondos GAP de Artist Trust para preparar a Yankee Pickney para su gira 2020-2021. Jéhan también recibió la beca Creativity Connects Performing Artist. Durante la residencia de artistas de 2 semanas que viene con ese premio, Jéhan desarrolló un trabajo teatral que facilitó las conversaciones sobre el dolor entre los miembros de la comunidad de todas las edades durante una comida. Recientemente Jéhan interpretó a Siobhan en The Curious Incident of the Dog de Village Theatre en la noche. En 2004, vivieron en un barco durante 3,5 meses y estudiaron teatro en 12 países. Los intereses actuales incluyen el uso de la narración de cuentos para comprender las historias que llevamos en nuestros cuerpos con y sin nuestro consentimiento. Jéhan también es el Fundador de Earthseed, donde usan el teatro en espacios salvajes para descolonizar esos espacios y los cuerpos que los atraviesan. www.jehanosanyin.com

 

Candice Okada

Es una artista con sede en Vancouver que trabaja principalmente en fotografía, fi bras, costura e instalación. En 2008 recibió una licenciatura en Sociología de la Universidad de Columbia Británica y en 2016 recibió un BFA de la Universidad del Valle de Fraser, centrándose en la historia del arte y las prácticas artísticas contemporáneas. Recientemente completó su maestría en artes visuales en UBC. Su trabajo ha sido exhibido en Canadá y los Estados Unidos y ha participado en residencias de artistas en el Centro Banff para las Artes y la Creatividad y en el Artscape Gibraltar Point de Toronto. Recibió la beca Roloff Beny para fotografía, una beca de BC Arts Council y una beca de posgrado de Canadá. Candice aborda el arte como una investigación transdisciplinaria y una práctica crítica significativamente informada por sus estudios previos en Sociología y Ciencias Políticas. Al emplear medios artísticos, ella busca explorar las estructuras profundas y a menudo ocultas de poder y control que dominan el momento contemporáneo y enmarcan nuestra imaginación cultural. Si bien adopta una perspectiva feminista, gran parte del trabajo creado se basa conceptualmente en las relaciones entre el fenómeno social contemporáneo, las estructuras que los apoyan. Más recientemente, su trabajo aborda cuestiones relacionadas con el discurso y el control del movimiento global (tanto físico como teórico), laboral y la esfera política que los respalda.

 

Colectivo Habitantes

Colectivo Habitantes, conformado por Manuela Parra y Camila Villaseca, ambas con Licenciatura en Danza por la Universidad Academia de Humanismo Cristiano, busca trabajar y abordar la creación en danza a través de la fusión de sus tesis de investigación. De esta forma, se rescata principalmente los conceptos de HABITAR y RITMO.

Camila Villaseca, bailarina chilena destacada por su tesis “La danza desde la esencia humana de habitar”, expuesta en el I° Congreso Nacional de Investigaciones en Artes de la UAHC. 

Desde el 2010 ha sido intérprete de la Compañía de Danza Contemporánea de Talagante. Actualmente es parte del Colectivo Habitantes e intérprete en Compañía Espiral, fundada por el destacado bailarín y coreógrafo chileno Patricio Bunster. También es profesora ayudante en la Escuela de Danza UAHC.

 

 

 


Abraham Hurtado nos hablará del proyecto de AADK Spain en el II Congreso Internacional de Artes y Diversidad el sábado 09 Noviembre a las 17.45h

Un evento que reunirá en Murcia del 07 al 09 de noviembre hasta 40 profesionales de países como  Portugal, Marruecos, Canadá, y Argentina. 

En esta nueva edición se continuará profundizando en retos tan importantes en la sociedad actual como la gestión de la diversidad, siendo en esta ocasión los constructos identitarios en la red, los límites fronterizos, la igualdad de trato y las violencias,  ejes temáticos en los que se enmarcan las actividades programadas.

AADK, un proyecto que es permeable al territorio.

Durante el año 2006, un grupo de artistas residentes en Berlín se reúne para concebir diversos proyectos de múltiples disciplinas. Este trabajo da origen a la plataforma AADK (Arquitectura Actual de la Cultura). La ampliación de su núcleo la convierte hoy en una plataforma internacional para proyectos de comisariado de artistas, tanto miembros como invitados. AADK Spain se instala entonces en Centro Negra (Blanca, Murcia), dando forma a un espacio de investigación y creación contemporánea para desarrollar proyectos artísticos en el ámbito rural. La temática “de lo local a lo global” se presenta en las distintas intervenciones artísticas creadas en residencia.

ABRAHAM HURTADO es fundador y director artístico de AADK, artista y curador independiente. En su propio trabajo explora las nociones de espacio y cuerpo, y cómo se pueden articular la afectación y afección de ambos conceptos en respuesta a la sociedad actual. Su trabajo se ha destacado en festivales de performance e instalación. Como curador cabe mencionar Festival Cumplicidades Lisboa 2018, Fenomens 2016/2017 Festival IBAFF -sección experimental-2016. Como asesor curatorial ha colaborado con proyectos como Tanzkongress 2019 (Alemania), Fundación Roberto Cimetta (Francia), Goethe Institut, entre otros. Tras diez años de creación propia, Abraham Hurtado redibuja la línea que ha atravesado toda su investigación: el “cuerpo en crisis”. Su interés por generar experiencias en las que desplegar las huellas que dejan en el cuerpo las vivencias personales le ha llevado a desarrollar una metodología propia y a visibilizar cómo el individuo absorbe los acontecimientos históricos y los contextos sociales. En diciembre 2019 estrena su primera largometraje “After the wound” basada en la iniciación del cuerpo con el territorio.

FECHAS: 7 / 8 / 9 NOVIEMBRE 2019

LUGARES: Centro Párraga, Centro de Arte. Sala Caballerizas, Molinos del Río, Pabellón 2, Teatro Circo Murcia.

PRECIO: Matrícula congreso: 60 €.

Matrícula con DESCUENTO: 40 € para desempleados, personas pertenecientes a entidades que participan en la organización del congreso. (Estudiantes universitarios, Fundación Cepaim, Ayeklauwn y Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia y Escuela de Arte) y miembros de EAPN.

INSCRIPCIONES:  https://forms.gle/mckRBBEVtpKvrfDF7

INFORMACIÓN: Telf. 647 417 083. Email: crees@cepaim.org

EVENTO: http://cepaim.org/event/ii-congreso-internacional-de-artes-y-diversidad-identidad-virtual-territorio-fronteras-y-violencias/

ORGANIZA: Fundación Cepaim, la Asociación Ayeklauwn y la Plataforma de Acción Social de Universidad de Murcia.

 


Estudios Abiertos

Viernes 25 de octubre 21h

Nuestra edición de Estudios Abiertos de octubre se realizará el día 25, a las 21:00 pm. Allí podrán recorrer los trabajos de Naomi Tarle de Santa Mónica, EE.UU., Dorothy Cheung de Hong-Kong, Beatriz Gijón de Granada, España, Jéhan Òsanyin de Seattle, EE. UU., Marcy Petit de Lille, Francia y Candice Okada de Vancouver, Canadá.

 

Dorothy Cheung

Dorothy Cheung (1987) nace y crece en Hong Kong. Radicada en Rotterdam, recientemente se ha graduado en el  Piet Zwart Institute con un cortometraje que trata sobre archivo y memoria. Habiendo crecido durante la época colonial, Dorothy está profundamente interesada en cuestiones de identidad, memoria y desplazamiento. Los medios con los que trabaja son la poesía, el video y la fotografía. Su investigación se centra en  la relación entre imágenes y texto con la intención de exhibir las condiciones de los individuos. 

Sus trabajos anteriores de imagen en movimiento fueron elegidos en diversos festivales de Cine que incluyen el vigésimo Seoul Women’s Film Festival y el decimoctavo South Taiwan Film Festival.

www.dorothycheung.com

 

Beatriz Gijón Gijón

Formada en piano clásico y Máster en música global por la Real Academia de la Música de Aarhus, Beatriz Gijón Gijón es pianista / vocalista / improvisadora mayormente interesada en la composición contemporánea y el arte interdisciplinar. Estos intereses le han llevado a colaborar con compañías de teatro como Vladimir Tzekov, Chekov Machine o Improperios, y otros bailarines, artistas visuales y actores.

Con experiencia en otros campos de la música como el Jazz, la música celta, el funk y la improvisación libre, ha tocado en  España, Finlandia, Dinamarca, Noruega, Suecia, Lituania, Alemania y Mali.

Naomi Tarle

Naomi Tarle tiene un posgrado en creative writing de Boise State University y un posgrado en en artes visuales por la California State University Northridge. En agosto 2016 la artista asistió al London Intensive residency dirigido por Camden Arts Centre y la escuela de Bellas Artes, UCL.
Los últimos años se ha dedicado a preguntar cómo los objetos y su historia doméstica y familiar puedan reflejar eventos globales. Esta pregunta fue evocando otras como: ¿Está la globalización acelerando a la recesión de eventos en la história o está favoreciendo su perdurabilidad? ?¿Cómo coinciden las fronteras territoriales, la religión y la identidad con los objetos cotidianos? ¿Cómo una historia individual, plagada de objetos de necesidad e indulgencia, se relaciona con el pasado? ¿Existe la historia más allá del lugar y los artefactos? ¿Existen comunidades más allá de sus propias historias? ¿Existen los individuos más allá de sus propios recuerdos?

www.naomitarle.net

 

Marcy Petit

Marcy Petit obtuvo una maestría en Administración de Arte Contemporáneo en las universidades de Leeds y París 8 después de completar una licenciatura y una maestría en Artes Visuales en la universidad de Rennes. Como joven artista de medios mixtos, realiza un trabajo plástico multidisciplinario. Videos, fotografías, performances, grabaciones sonoras, instalaciones … componen una práctica multidisciplinaria.

Hizo una investigación importante sobre el arte relacional, p. tema principal de mi tesis final. Hoy, ella continúa explorando esta noción dentro de la concepción de varias obras de arte nuevas. Los dispositivos que usa buscan dar voz a las personas «normales» o «aparentemente comunes». Sin duda, su trabajo también se inspiró en su ascendencia desde que mis abuelos la criaron. A partir de ese momento, desarrolló una fascinación por las personas mayores, las historias antiguas y las cosas viejas …

Gracias a uno de sus maestros, Bertrand Clavez, ella también desarrolló primero una práctica orientada a la «actuación». Este medio artístico representa una parte importante de su trabajo artístico al usar su propio cuerpo como medio en su trabajo y en sus actuaciones. Por lo tanto, este medio ha generado una serie de trabajos que crean una postura femenina pero también irónica.

www.marcypetit.com

 

Jéhan Anysanyìn

Jéhan anysanyìn es un artista-activista, calderero, ceramista, administrador de artes y artista con sede en Seattle, Washington. Yankee Pickney, donde Jéhan fue dramaturgo, codirector e intérprete en solitario, se estrenó en marzo de 2017 y posteriormente fue nominado para un Premio Gregory 2017. Dramaturgia: HWHITE SILENCE, Obeahmxn, Prisoner, Checkmate y The Theatre of Race: en 2017, Jéhan recibió fondos GAP de Artist Trust para preparar a Yankee Pickney para su gira 2020-2021. Jéhan también recibió la beca Creativity Connects Performing Artist. Durante la residencia de artistas de 2 semanas que viene con ese premio, Jéhan desarrolló un trabajo teatral que facilitó las conversaciones sobre el dolor entre los miembros de la comunidad de todas las edades durante una comida. Recientemente Jéhan interpretó a Siobhan en The Curious Incident of the Dog de Village Theatre en la noche. En 2004, vivieron en un barco durante 3,5 meses y estudiaron teatro en 12 países. Los intereses actuales incluyen el uso de la narración de cuentos para comprender las historias que llevamos en nuestros cuerpos con y sin nuestro consentimiento. Jéhan también es el Fundador de Earthseed, donde usan el teatro en espacios salvajes para descolonizar esos espacios y los cuerpos que los atraviesan.

www.jehanosanyin.com

 

Candice Okada

Es una artista con sede en Vancouver que trabaja principalmente en fotografía, fi bras, costura e instalación. En 2008 recibió una licenciatura en Sociología de la Universidad de Columbia Británica y en 2016 recibió un BFA de la Universidad del Valle de Fraser, centrándose en la historia del arte y las prácticas artísticas contemporáneas. Recientemente completó su maestría en artes visuales en UBC. Su trabajo ha sido exhibido en Canadá y los Estados Unidos y ha participado en residencias de artistas en el Centro Banff para las Artes y la Creatividad y en el Artscape Gibraltar Point de Toronto. Recibió la beca Roloff Beny para fotografía, una beca de BC Arts Council y una beca de posgrado de Canadá. Candice aborda el arte como una investigación transdisciplinaria y una práctica crítica significativamente informada por sus estudios previos en Sociología y Ciencias Políticas. Al emplear medios artísticos, ella busca explorar las estructuras profundas y a menudo ocultas de poder y control que dominan el momento contemporáneo y enmarcan nuestra imaginación cultural. Si bien adopta una perspectiva feminista, gran parte del trabajo creado se basa conceptualmente en las relaciones entre el fenómeno social contemporáneo, las estructuras que los apoyan. Más recientemente, su trabajo aborda cuestiones relacionadas con el discurso y el control del movimiento global (tanto físico como teórico), laboral y la esfera política que los respalda.

 

 



El 12 de octubre, en el Teatro Victoria, Blanca a las 8 p.m., tendrá lugar el concierto organizado por la actual residente del Centro Negra, Beatriz Gijón Gijón. El evento se está preparando en colaboración con varios artistas e incluirá imágenes. Actuando: Beatriz Gijón (piano), Mariana Carvalho (piano), Yumi Célia (taiko), Roisner (live set), Nicolas Dardano (visuales). La entrada al evento es gratuita.

+info: https://www.facebook.com/events/516018415863128/

 


BROKEN TOY

Jueves y Viernes 10 y 11 de octubre – 17h

Este otoño AADK SONORA inicia una nueva curaduría de sonido experimental en colaboración con Espacio Incógnita.

Broken Toy es un ciclo de músicas raras, sin género,  que propone al público escuchas profundas y conexión directa con el otro lado, con la noche que nos habita. 

AADK propone artistas que dialogan con el territorio del Valle de Ricote y se trasladan al contexto urbano para presentar sus trabajos en Espacio Incógnita respondiendo a las locas propuestas performativas e interactivas que proponen las gestoras de este espacio.

El 10 y 11 de octubre arrancamos con un taller de música electrónica con materiales cotidianos y una muestra sonora en manos de Mateo Mena y Mariana Carvalho.

+info:

https://www.facebook.com/events/2460752493974555/?active_tab=about


Entre el 28 de Julio y el 4 de Agosto se reunirá nuevamente el grupo de investigación Cuerpo en Crisis.

Tras diez años de creación propia, Abraham Hurtado redibuja la línea que ha atravesado todo su trabajo: el “cuerpo en crisis”. Su interés por generar experiencias en las que desplegar las huellas que dejan en el cuerpo las vivencias personales le ha llevado a desarrollar una metodología propia y a visibilizar cómo el individuo absorbe los acontecimientos históricos y los contextos sociales

Para terminar de entender estos procesos y los pliegues de su propio cuerpo de trabajo, Abraham Hurtado invita a otros artistas a experimentar su metodología y a generar nuevas obras en respuesta a la suya.

Participantes de esta edición: Andrés Agudelo, Pia Achternkamp, Elena Azzedin, Derek V. Bulcke, François Benner, Francesca Carbone, Nico Dardano, Giuliana Grippo,  Selu Herraiz, Pedro Lobo, Anabel Labrador, Rubén Martínez, Aurora Rodríguez, Diego Lobenal y Josman P# , invitados: Nicola Mascia, Josefina Ganem, Piedad Molina y Josh Freund. 


Miradas: “The Place Landscape Art”

Desde hace un año, las artistas Lina Sofía Lundin, Ebba Matz y el arquitecto paisajista Mikael Johansson han investigado el contexto histórico de Stora Hyttnäs, una antigua casa-museo ubicada en la ciudad de Falun, Suecia, construída en el S.XVII. Delimitando el edificio, su imponente jardín y la granja aledaña como espacios de trabajo, estos tres artistas han convocado a múltiples profesionales del arte vinculados a contextos rurales, a explorar e investigar el sitio a través de diversos materiales y soportes.

Durante dos semanas, un equipo de 14 artistas se reunió y trabajó en conjunto para dar forma a la exhibición «The Place Landscape Art» donde fueron expuestas diferentes propuestas de intervenciones site-specific. El recorrido de la exposición incluía tanto bocetos, como de obras en proceso, propuestas o piezas terminadas. Elena Azzedín (Directora de Residencias y Curadora AADK Spain) y Selu Herraiz (Director Sonora, Escuela de Experimentación) formaron parte de esta colectiva.

Desde el hermoso paisaje de Falun, el proyecto de Lundin, Matz y Johansson reflexionaba sobre la intersección del campo y la ciudad, las amenazas y las oportunidades que afrontan nuestra naturaleza, y la posibilidad del arte de interactuar con el entorno histórico.


Nuestra edición de Estudios Abiertos de agosto se realizará el día 24, a las 21:00 pm. Allí podrán recorrer los trabajos de Julia Catherine Ruzyczka de Rosenwerth (Ciudad del Cabo), Elizabeth Neira (Valparaíso), R. Button y Melissa McCutcheon (EE.UU) quienes compartirán el progreso de sus investigaciones junto con Rebecca Gill (Glasgow) quien presentará las conclusiones de sus estadía en Blanca.

Rebecca Gill (Glasgow)

La práctica artística de Rebecca abarca la imagen en movimiento, el sonido, la electrónica generativa, la escritura, la codificación, las instalaciones y la bio-fabricación. Su obra se cuestiona los aspectos filosóficos, políticos y científicos de la investigación y el pensamiento interdisciplinarios, e intenta combinar las sensibilidades creativas con los procedimientos de análisis científico. A través de sus obras, Rebecca intenta comprender el papel que desempeñan los organismos del cuerpo en las experiencias colectivas de precariedad contemporánea. Esto se manifiesta a través de trabajos generativos que responden a sitios conceptuales o marcos de investigación tales como los métodos periféricos de interacción con el espacio sin cuerpo, el pensamiento sistémico, la ecología, la biología entre otros ámbitos científicos, y la ubicación de la agencia dentro de las instituciones.

A principios de este año, Rebecca fue oradora invitada en los dos primeros grupos de lectura «Biosystems» del Art + Ecology Collective en la Biblioteca Glasgow Zine. Además, ha trabajado en colaboración con científicos para Pint of Science 2018 y 2019, y en una micro-residencia con el Grupo de Investigación de Futuros Injustos de la Energía de la Universidad de Edimburgo en Dovecot Studios. 

Recientemente, ha expuesto en el espacio 4/4 Collective, Nottingham en un proyecto colaborativo de larga data que busca la toma de posesión de la ciudad en manos de artistas jóvenes del Reino Unido.

Este mismo trabajo ha sido expuesto en 2019 en el Tramway de Glasgow. Se graduó de GSA en junio de 2019.

Julia Rosenworth (Ciudad del Cabo)

Julia de Rosenwerth es artista y diseñadora web, nativa de Sudáfrica. Estudió danza contemporánea en la Universidad de Ciudad del Cabo y se especializó en Coreografía y Filosofía. Después de graduarse en 2015, comenzó a trabajar como artista independiente. Actualmente es bailarina de flamenco y parte de la compañía  ‘Tierra Flamenca’, dirigida por Che Adams. Ha crecido apasionada por la música, la colaboración en la danza, la conexión y la conversación, siendo este el tema principal de sus investigaciones. En los años más recientes, Julia se ha aventurado en el mundo de la improvisación musical y la performance de danza. Percibe ambas como una herramienta potente para explorar la inmediatez, la transformación y la presencia. Recientemente ha co-fundado la organización artística ANY BODY ZINE que apoya a artistas independientes. Además, creó y produjo actuaciones improvisadas con la bailarina Adriana Jamisse (Mozambique) y Kerim Becker (Alemania), y curó un festival de música y danza en Ciudad del Cabo invitando a artistas que trabajan con las tradiciones de la danza folclórica a realizar presentaciones, talleres y debates. Julia también ha sido parte del proyecto de interpretación en curso titulado ‘Music Dance 021’, centrado en la relación entre sonidos y movimientos.

Elizabeth Neira (Santiago de Chile)

Elizabeth Neira es Licenciada en Comunicación Social, escritora, artista de performance y productora. Desde el año 2000 ha desarrollado un trabajo transdisciplinario donde fusiona la poesía, el arte de  acción, el activismo, la música, el video y la producción de arte independiente. Con esta propuesta ha participado en festivales de poesía y performance en Chile, Perú, Argentina, México, Guatemala, Honduras, El Salvador, Colombia, Ecuador, Venezuela, Brasil, República Dominicana, Canadá, España, Finlandia y Suecia.

Su literatura ha sido publicada en numerosas revistas y antologías de habla hispana. Entre otros, ha publicado los libros “Abyecta” (2003), “El soliloquio de la Reyna” (2004), “La Flor” (2014), “Hago el amor conmigo misma” poesía seleccionada (2017) y el libro de ensayos “Hocicona” (2017).

Neira ha realizado talleres de poesía y de arte de acción en varios países de América Latina. También ha organizado varios encuentros de poesía y performance como productora de arte independiente y desde el 2016 coordina el proyecto CasAcción en Valparaiso Chile.

Actualmente su trabajo está orientado hacia prácticas de feminismo descolonial con un fuerte acento en las transdisciplinas como zona de investigación.

R. Button  y Melissa McCutcheon (EE.UU)

R. Button y Melissa McCutcheon colaboran en un dúo interesado principalmente en explorar el absurdo y el desplazamiento dentro de la experiencia humana. Rachel obtuvo su BFA de la Escuela de Arte del Instituto de Maryland, y Melissa obtuvo su MFA de la Universidad de Washington en St. Louis. R. Button se ha presentado en el Festival Fringe de Charm City y recientemente fue aprendiz en la residencia Lugar a Dudas en Cali, Colombia. Melissa es profesora de Bellas Artes y ha realizado numerosas residencias a nivel nacional e internacional, incluida la Colonia Millay en Austerlitz, Nueva York y la Fundación Casa Tres Patios en Medellín, Colombia.

Nathalie Rey (Francia)

«Nathalie Rey es una artista francesa afincada en Barcelona desde 2006. Tuvo un largo recorrido académico en el ámbito de las Humanidades, con un título de arquitecta, un grado de Literatura y un grado superior de Artes Plásticas, antes de dedicarse a la creación artística. En la actualidad, trabaja con galerías de Barcelona, Madrid y Londres. Su obra, ecléctica a nivel de técnica, sigue una especie de hilo narrativo desde hace años, que oscila entre episodios de la Historia más o menos contemporánea y acontecimientos de la vida de la propia artista. Así se va generando un paralelo turbador entre los dramas de la Humanidad y las heridas individuales.

A la vez, adopta una postura anti-mercantil, ya que relata y expresa, por medio de una irónica estética pop un tanto Kitsch cuanto elegante, caracterizada por el re-utilizo artístico de desechos y materiales de origen industrial, la atracción/repulsión que le generan las tragedias humanas y ecológicas inherentes a nuestra sociedad.»


El 27 de julio a partir de las 21:00 hs. llevamos a cabo nuestros Estudios Abiertos. Como cada mes, los invitamos a visitarnos en Centro Negra para conocer el trabajo de nuestros actuales artistas en residencia. Durante Julio, expondrán sus proyectos Rebecca Gill (Glasgow), Paula Sanchez (San Juan), Javier Garló (Mallorca), Deni Javas (Savannah, Georgia), Leonie Mhari (Edimburgo / Glasgow) y Nora Chuff (Nueva York / Boston).

A través de múltiples soportes y disciplinas, sus trabajos investigan las nociones de cuerpo, territorio y espacialidad, atravesados por el contexto rural de Blanca. 

Paula Sanchez (Basel)

Paula Sanchez was born in San Juan, Argentina, where she studied cello and classical music. Very early in her career she began to be interested in the crossover between different artistic media such as photography, video, painting and sound. For many years she developed her artistic and research work with the Ob Caenum artists collective, involved in experimental theater. She has been involved in many artistic projects such as theater pieces and performances. Her work explores the relations between sound, body and spatiality. She is currently living in Switzerland, where she is a masters candidate in free improvisation, experimenting on the performativity of sound. 

Rebecca Gill (Glasgow)

La práctica artística de Rebecca abarca la imagen en movimiento, el sonido, la electrónica generativa, la escritura, la codificación, las instalaciones y la bio-fabricación. Su obra se cuestiona los aspectos filosóficos, políticos y científicos de la investigación y el pensamiento interdisciplinarios, e intenta combinar las sensibilidades creativas con los procedimientos de análisis científico. A través de sus obras, Rebecca intenta comprender el papel que desempeñan los organismos del cuerpo en las experiencias colectivas de precariedad contemporánea. Esto se manifiesta a través de trabajos generativos que responden a sitios conceptuales o marcos de investigación tales como los métodos periféricos de interacción con el espacio sin cuerpo, el pensamiento sistémico, la ecología, la biología entre otros ámbitos científicos, y la ubicación de la agencia dentro de las instituciones.

A principios de este año, Rebecca fue oradora invitada en los dos primeros grupos de lectura «Biosystems» del Art + Ecology Collective en la Biblioteca Glasgow Zine. Además, ha trabajado en colaboración con científicos para Pint of Science 2018 y 2019, y en una micro-residencia con el Grupo de Investigación de Futuros Injustos de la Energía de la Universidad de Edimburgo en Dovecot Studios. 

Recientemente, ha expuesto en el espacio 4/4 Collective, Nottingham en un proyecto colaborativo de larga data que busca la toma de posesión de la ciudad en manos de artistas jóvenes del Reino Unido.

Este mismo trabajo ha sido expuesto en 2019 en el Tramway de Glasgow. Se graduó de GSA en junio de 2019.

Javier Garló (Palma de Mallorca)

Javier es un artista multidisciplinar iniciado en el graffiti en los años noventa y formado en ilustración en la Escola d’Arts i Superior de Disseny de les Illes Balears.

Su obra se apoya principalmente en la figura humana y en los objetos que nos hablan de ella, de su historia e historias atemporales. La estética de Garló está plagada de simbolismos y personajes mediante los cuales el propio autor intenta ubicar su visión dentro de la realidad del S. XXI

En sus propias palabras, Garló intenta «alejarse de un discurso de lo correcto y lo incorrecto» y, por el contrario, sustituirlo por cierta crudeza que considera más cercana a la realidad.

Actualmente, Javier investiga y experimenta con materiales naturales, herramientas y técnicas de antaño que han definido la labor de las personas en el ámbito rural. Sus piezas nos remiten a rituales ancestrales en un intento por reconectarnos con el pasado y revalorizar el status de los pobladores de nuestras tierras.

Deni Javas (Savannah, Georgia) 

Deni Javas es licenciada de la Universidad de las Artes de Filadelfia, Pensilvania y posee una maestría de la Escuela de Artes Visuales de la universidad de Nueva York, NY. Durante veinte años se desempeñó como ilustradora y diseñadora en Nueva York y luego en Santa Fe, Nuevo México, donde diseñó empaques de ediciones limitadas y piezas para publicidad. Luego de cuatro años de enseñar en Hong Kong, Deni regresó a los Estados Unidos. Actualmente es profesora en la Escuela de Arte y Diseño de Savannah. En su práctica artística, Deni recurre a plantas no nativas (invasoras) como un exponente de migración y adaptabilidad que encuentra intrínsecamente relacionado a su experiencia de integración en nuevos lugares. Debido a las migraciones frecuentes que Deni ha experimentado a lo largo de su vida, su trabajo reflexiona sobre los modos de conectarse a los lugares en los que uno habita, a sus orígenes y a la tierra en la que vive.

Su trabajo intenta comprometerse con el paisaje para explorar un entorno similar al de su hogar en Nuevo México. Para Deni, las plantas se perciben como algo en reposo o autocontenido, pero sin embargo muchas cosas suceden debajo de la superficie. Este componente oculto hace referencia a vías o canales que conectan de lugar con otro -por ejemplo Nuevo México y España- que la artista evidencia a través de hilos juntos conectores en sus piezas. 

Leonie Mhari (Edimburgo/Glasgow)

En 2016, Leonie completó sus estudios de doctorado enfocados en la toponimia de Berwickshire, con un particular interés por los paisajes litorales; desde entonces ha desarrollado sus prácticas creativas en torno al paisaje. Formada en estudios de idiomas, Leonie ha ampliado sus intereses sobre la percepción de las características topográficas hacia la performatividad y las narrativas del paisaje. Completó un Máster en Arquitectura del Paisaje en el Colegio de Arte de Edimburgo (2018), durante el cual desarrolló prácticas experimentales de trabajo de campo y amplió su enfoque analítico para investigar las relaciones performativas entre actantes humanos y no humanos. Un enfoque de «hacer con» sustenta su metodología. En la escala 1:1, así como en las escalas micro y macro, se pregunta sobre cómo los participantes desempeñan en dinámicas entrelazadas y sucesivas. Para interrumpir y distorsionar las narrativas lineales, recurre a la teoría feminista y queer, e intenta imaginar espacios con futuros feministas, queer y post-masculinistas. Actualmente está trabajando en la performatividad del agua en paisajes, explorando el hidro-feminismo y la intemperie según lo postulado por Neimanis y Hamilton (2018). Está interesada en cómo el agua influye en las narrativas del lugar y las relaciones de sus habitantes y en una gama de escalas.

Nora Chuff (New York/Boston)

Nora Chuff is an artist and Master of Landscape Architecture candidate at Harvard Graduate School of Design. Having studied art and art history at New York University, she has worked at Ogilvy Consulting, the Metropolitan Museum of Art and the Richard Avedon Foundation. Nora grew up in New York City and has also spent a significant amount of time in rural Pennsylvania.  The exposure to both lifestyles has inspired her interest in urban landscapes. She is interested in intersections between fine art and architecture, built and natural environments, and between design and neglect. Nora values materials and small-scale details, even on large-scale projects. She endeavors to design with sensitivity to historical and political context, as well as considering both official and unofficial uses.

 


Los estudios abiertos de abril tendrán lugar el día 27 de Abril a las 20.30 en donde podremos ver los trabajos de Iryna Vorona (Kiev), Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam) y Florian Braakman (Velp / Rotterdam), Jo Lorente (Mazarrón / Laeken, Bruselas) y Joong Yong Kim (Seúl / Berlín) y Mijin Hyun (Seúl / Berlín).

 

 

Iryna Vorona (Kyiv)
Con base en Ucrania, Iryna Vorona es una artista visual contemporánea con un estilo muy particular. Nacida en 1987 en Kiev, Ucrania, tiene un máster en Bellas Artes de la Academia Nacional de Bellas Artes y Arquitectura, Kiev, incluida una beca en la Academia de Bellas Artes de Zagreb.

En 2019 recibió la subvención presidencial de Ucrania para su proyecto «Qr truth».
En 2018 se le otorgó el premio de arte del jefe de administración de Kiev por un registro especial de logros en el desarrollo de la capital de Ucrania: Kiev. Durante los últimos dos años ha estado trabajando en proyectos en Finlandia (Kulttuuri Kauppila International Artist Residency), Croacia (programa Erasmus +) y Noruega (KHMessen International Artist Residency).

Su investigación artística de los últimos tres años se ha basado en analizar cómo se combinan arte y tecnología. En el encuentro entre arte y ciencia pueden surgir nuevos cimientos. Desde hace un tiempo los medios plástico tradicionales no le resultan suficientes para expresar lo que realmente quiere, y el modo en que desea llegar a la gente a través de su trabajo.
Con las tecnologías de la luz parece haber encontrado un camino más satisfactorio. Su último proyecto, «Insight», trata sobre la forma tradicional del arte, creado de una forma no tradicional, una visión directa de la realidad sobrenatural y una conexión entre el arte y la ciencia.

El proyecto se implementa en el marco del Programa Puentes de Cultura. Culture Bridges está financiado por la UE y gestionado por el British Council en asociación con la red de los Institutos Nacionales de la Cultura de la Unión Europea (EUNIC) en Ucrania.

 

 

Jo Lorente (Mazarrón / Laeken, Brussels)
Explorador de arte, Jo Lorente es una artista multidisciplinar.
Como artista plástica, asocia la pintura a otras disciplinas artísticas: canto, baile, laúd, artes escénicas, teatro de títeres, modelado en arcilla, películas animadas y videos. Combinando diferentes modos de expresión, viaja en un universo rico y ecléctico.

Desde 2001 ha sido también pedagoga, animadora sociocultural y fue galardonada en 2012 con el Premio Courbet, que recompensó la dimensión social de su trabajo.

Ha participado en numerosas exposiciones de arte, concretamente en la “Sala Milice” del Ayuntamiento de Bruselas (Grand-Place) con una exposición individual con motivo del evento “Parcours d’Artistes” (la “Ruta de los artistas”).

En este momento, tiene presencia en ferias internacionales de arte contemporáneo y otros eventos culturales importantes. Expone en París, Cannes, Mónaco y Madrid, en colaboración con la Galería Gaudí en Madrid, Multi Art Events y el Club des Ateliers d’Artistes. Una exposición permanente de su trabajo se puede ver en el «Estudio Céramuze» en Bruselas.

Para el placer de los sentidos, Jo Lorente ha desarrollado una técnica pictórica original basada en cera natural utilizada en diferentes tipos de soportes.
En su investigación pictórica, los temas tratados son la expresión de la imaginación pura.
Los diseños gráficos revelan su mundo onírico en el lienzo. Ella llama a este período: Códice gráfico del inconsciente «.

Nacida en la región de Murcia, España, ahora vive en Laeken, Bélgica.

 

 

Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam)
El trabajo de Sarah se origina en escenas de la vida cotidiana, donde todos interactúan entre sí de forma inconsciente. Sarah captura los aspectos “marginales” de nuestra sociedad. Por ejemplo: cómo las personas se presentan en el espacio público y las huellas que dejan en él. Encuentra fragilidad y el simbolismo de cómo el comportamiento humano está influenciado por el tiempo y la rutina.

Nació en 1993 en Madrid (España) hija de padre español y madre holandesa, en 2012 se mudó a Rotterdam para estudiar en WDKA, donde se graduó en 2016 con su proyecto “Mirando sin ver”, una instalación de video y sonido en la que exploró su relación con las imágenes contemporáneas.

Su herencia de dos culturas diferentes siempre han alimentado su trabajo. Desde su partida a los Países Bajos, ha prestado especial atención a la grabación de su vida diaria tanto en los Holanda como en España.
Busca intuitivamente las diferencias culturales y las similitudes de estos dos países. Actualmente vive y trabaja en Rotterdam.

Gastos de viaje soportados por CBK en Rotterdam

 

 

Florian Braakman (Velp / Rotterdam)
Florian Braakman es un fotógrafo documental autónomo cuyo trabajo consiste en series de imágenes fotográficas. A través de una relación personal con la temática de su trabajo que se centran especialmente en el concepto de “vecindario”, está interesado en abordar temas universales, sociales y culturales más amplios. En holandés, el término “buurman” (vecino) es una jerga utilizada para saludar a las personas que te rodean.

Utiliza la fotografía como un medio para relacionarse con las personas, de cuestionar el mundo y de entender el ritmo acelerado de nuestra “realidad” cotidiana. Sus fotografías se presentan principalmente en series, lo que permite que las imágenes puedan conversar entre sí en formato de publicaciones e instalaciones.

En 2013, se graduó en la Real Academia de Arte de La Haya con el proyecto “She Comes in Colors”, que más tarde tomó forma como libro. Actualmente, trabaja en el proyecto a largo plazo “Delfshaven’s Finest”, en el vecindario social y culturalmente diverso de Rotterdam, donde ha vivido desde 2013. De este proyecto surgió el trabajo In Between Homes, en el que viaja con sus vecinos a su país. de origen.

Creció en una ciudad llamada Velp, cerca de Arnhem, en el este de los Países Bajos, y luego a la edad de veinte años se mudó a La Haya para estudiar fotografía en la Royal Academy of Arts. Durante ese tiempo también hizo una pasantía en Berlín, Alemania durante 6 meses. Después de graduarse, se mudó a Rotterdam, donde vive desde entonces.

La residencia en AADK está financiada por la Fundación Mondriaan

 

 

Joong Yong Kim (Seúl / Berlín)
Joong Yong Kim es originario de Corea del Sur, donde comenzó una educación artística tradicional en escultura. Frustrado por las limitaciones de una educación de base técnica, quería seguir pensando sobre el arte en sí mismo, por lo que dejó su maestría y se mudó a Berlín para explorar la visión del arte desde diversas perspectivas en una escena artística diferente.

Desde entonces, su acercamiento al arte continúa evolucionando. Interesado en un comienzo en la expresión artística y sus logros técnicos, de un tiempo a esta parte su interés ha derivado en tratar de entender cuáles son los procesos de producción arte y cómo funciona el aparato que transforma algo en arte. Tratando de mantener una actitud y perspectiva observadora y objetiva, investiga y empuja de forma lúdica los límites del contexto, las instituciones, las escenas y las convenciones sociales en las que se hace, distribuye y consume el arte.

Mijin Hyun (Seúl / Berlín)
Mijin Hyun está interesada en las situaciones relacionadas con el arte, donde el público entra en un espacio e interactúa con una obra. Para ello utiliza diversos medios como sonido, video o performance. Espera investigar la relación entre la mercancía y la obra de arte, especialmente enfocándose en artículos del hogar o interiores, como puertas, suelos, muebles, etc. Conecta los objetos cotidianos y su uso en el contexto del museo o la galería de arte, y explora los elementos arquitectónicos, ya que la espacialidad juega un papel importante en la percepción de la audiencia.


· MURCIA · CENTRO PÁRRAGA · 30 DE MARZO · 21h

Centro Párraga invita a AADK Spain a compartir la investigación de sus artistas con una pieza escénica en proceso.

Con ello se quiere potenciar el aprendizaje mutuo entre público y artistas, visibilizando cuestiones que van más allá de la obra acabada, la pieza escénica como producto, para en su lugar, compartir los vértices y tangentes, las idas y venidas y el ensayo/error de los procesos de creación.

Soeine Bac (Canadá) y Falsos Profetas (Blanca)

-Soeine Bac (Canadá) y Carlos Suárez (Galicia)

Soeine presenta el trabajo que ha desarrollado durante el programa de residencias artísticas con AADK.
Bac busca romper la subordinación del sonido en las piezas de danza, e integrar ambas del modo que suceden en la vida cotidiana, En esta pieza, aún en proceso de exploración, Soeine toma el espacio como una expansión de sus órganos y lo utiliza como un instrumento que despliega movimiento y sonido con el cuerpo.

 

Falsos Profetas

Falsos Profetas es el nuevo proyecto de Abraham Hurtado, con la colaboración del artista sonoro Selu Herraiz.
Una arriesgada y conmovedora apuesta: Poesía llevada al universo de la experimentación sonora, en el que cada poema es abordado con un registro diferente, envueltos en sonidos de sintetizadores, guitarra eléctrica, juegos de voz, respiración, y proyecciones de video.

Un trabajo en proceso cuyos poemas desgarradores y con un lenguaje de nuestro tiempo, tanto en su contenido como en su estructura, desvelan la capacidad de transitar entre disciplinas con gran destreza. Una búsqueda de la espiritualidad del territorio utilizando la voz como herramienta exploratoria.

“Cuando tenía 10 años me fascinaba la forma en que mi padre se comunicaba con otros agricultores a través de gritos prolongados para favorecer el eco de la voz en el espacio del valle y que su mensaje llegara claramente a sus interlocutores. Siempre me pareció que era una forma muy pura de hablarle a la tierra, un acto espiritual, sacro. La performance me interesó desde muy pequeño, sin saber aún lo que era. Lo que mi padre hacía parándose en medio del bancal y con sus dos manos cerca de la cara para gritar un “Cortaaaa el aguaaaa” fue el primer acto performativo al que pude asistir, aún hoy uno de los más bellos

Con Falsos profetas quiero volver a acercarme a la huerta desde la voz, la voz prolongada en el espacio, desde la poesía rural. Un viaje sobre la espiritualidad del territorio, como si el quejido de la tierra nos pudiera despertar de nuestros pensamientos dormidos. Falsos profetas es la intención de volver a escuchar el paisaje para encontrarnos con nosotros mismos y nuestros dolores ocasionados por la injusticia y los abusos del poder mundial. Un acto performático sonoro para describir el lugar desde el que soñamos, amamos y también encontramos el desengaño”

Abraham Hurtado

 

 

Biografías

Soeine Bac es una artista de performance cuya práctica es esencialmente interdisciplinar.
Su metodología habitual es la improvisación, introduce el arte visual, sonoro y la danza en una forma de instalación performativa.
El trabajo de Soeine es contextual, respondiendo al pulso de los espacios en los que trabaja, a la presencia de otras personas, a los objetos y sus sonidos.
Actualmente su trabajo se centra en las relaciones de mapeo con el cuerpo. Está interesada en identificar el sentido del yo en relación con la forma en que percibimos los aspectos culturales y geográficos de nuestro entorno, y reorganizarlos para navegar a través de ellos.

Con el apoyo del Consejo de las Artes de Canadá.

Carlos Suárez es un artista sonoro y educador gallego-venezolano nacido en Celanova en 1966. Maestro compositor por el Conservatorio Superior de Música Simón Bolívar de Caracas (especialidad electroacústica). Etnomusicólogo por el Instituto Universitario de Estudios Musicales de Caracas. Máster en composición electroacústica por la UCV.

 

Abraham Hurtado (Murcia, España). Fundador y Director artístico AADK Spain. Artista y curador independiente.

Como artista, su trabajo explora las nociones de cuerpo en crisis, espacio y presencia.
Su obra ha sido expuesta en numerosos espacios, entre los que se destacan: la Bienal de la Imagen de Buenos Aires, Argentina; Fundaçao Vieira da Silva y Centro Cultural de Belém, Lisboa, Portugal; Moderna Museet de Estocolmo, Vooruit Gent, Ericsson Hallen, entre otros. Como curador, se destaca “Dissected” en Mica Moca Project Berlín, tres ediciones del Festival “Unexpected” Berlín (2010/12), Festival Fenomens (2015/17) en Barcelona, Festival de Cine IBAFF 2016, sección experimental, Festival Internacional de Danza Contemporánea Cumplicidades 2018 de Lisboa. Desde 2005 colabora con la artista Meg Stuart como performer, asistente de dirección y asesoría curatorial en varios proyectos artísticos de la compañía Meg Stuart/Damaged Goods.

Selu Herraiz (Murcia, España). Director de Sonora, Escuela de experimentación en AADK Spain.

Selu Herraiz es director, curador y mediador de SONORA -Escuela de Experimentación-, un proyecto educativo de AADK Spain financiado por la Fundación Daniel y Nina Carasso, con base en el entorno rural Del Valle de Ricote (Murcia, España).
Estudió Ingeniería Electrónica en la UPCT. Como artista, analiza las relaciones entre Espacio-Tiempo, Memoria e Identidad, trabajando con cuerpos, sonidos, espacios e imágenes en una búsqueda trans-disciplinar. Combina su investigación personal con el diseño de experiencias educativas.
Selu Practica el arte como excusa para habitar y busca una integración del acto creativo en la vida cotidiana con el fin de activar la transformación social y estimular el pensamiento crítico.

 

 

 

 

· ESTOCOLMO · AFECTACIÓN DE PRÁCTICAS · DEL 8 AL 18 DE ABRIL

Los artistas Björn Säfsten y Abraham Hurtado, establecen un encuentro de dos semanas para compartir sus metodologías y prácticas desde una perspectiva coreográfica en una investigación sobre el movimiento.
Encontrar “otro cuerpo”, es el foco de investigación del coreógrafo Björn Säfsten siendo la obsesión de Abraham Hurtado “el nuevo cuerpo”.

En este intercambio tratarán de encontrar las diferencias y similitudes de sus prácticas, cuyos puntos de partida se asemejan al tiempo que su estética e universos son muy dispares.

Björn Säfsten (Estocolmo)
En el trabajo y la práctica del coreógrafo Björn Säfsten, el cuerpo y la mente y sus acciones relacionadas se examinan, analizan y exponen. El enfoque está en crear «otro cuerpo», otra noción de la fisicalidad humana, dando vida a las imágenes que problematizan visualmente nuestra noción de la naturaleza humana. La práctica física expone imágenes que ocurren a partir de una determinada acción física, en un método aleatorio. El trabajo, por lo tanto, toma giros y curvas visuales, a menudo se moldea a sí mismo mientras se realiza, estableciéndose algo nuevo en cada encuentro con la audiencia.
El objetivo es exponer los dilemas físicos, creando deliberadamente situaciones en las que los pensamientos del intérprete están expuestos, abiertos al espectador. El trabajo engaña con la noción de lenguaje: un esfuerzo por confundir y desviar al espectador de la habitual lectura corporal. El cuerpo es visto como una multiplicidad de voluntades, deseos y direcciones, alejándose de la noción de una entidad corporal y mental. Cambiar la noción de cuerpo, de encarnación del objeto y la relación entre las dos entidades es fundamental tanto en la investigación como en la presentación de su trabajo.

Abraham Hurtado
Los trabajos de Abraham Hurtado están centrados en la idea de cuerpo como contenedor de emociones derivadas de los acontecimientos personales y sociales; en reflejar la desolación o daños colaterales que residen en el cuerpo tras reconectar con dichos acontecimientos. El cuerpo tiene su propio lenguaje y puede, a partir de la imagen que genera su presencia, hablarnos de las emociones que nos habitan -frustración, brutalidad, explosión, euforia, rabia, vacío, deseo…
Abraham Hurtado explora la función de la ficción en la era del cinismo y la desilusión, así como la relación entre el artista y su entorno para dar lugar a nuevos modelos y construcción de discursos.
Desde hace diez años trabaja sobre el concepto de “cuerpo en crisis” y sus desbordamientos en relación con el Espacio y el Territorio.
Sus prácticas han sido desarrolladas en diferentes formatos y soportes como la performance, la instalación, el montaje audiovisual, la fotografía, la publicación, el desarrollo de apps y el arte sonoro.


Estudios Abiertos Marzo 2019

El próximo 23 de marzo a las 20:30h, AADK abre las puertas del Centro Negra, en donde os invitamos a conocer de cerca los procesos de Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam) y Florian Braakman (Velp / Rotterdam), Ping Zheng (Provincia de Zhejiang / Nueva York), Soeine Bac (Seúl / Vancouver) y Joong Yong Kim (Seúl / Berlín) y Mijin Hyun (Seúl / Berlín), los artistas en residencia del mes de marzo.

Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam)
El trabajo de Sarah se origina en escenas de la vida cotidiana, donde todos interactúan entre sí de forma inconsciente. Sarah captura los aspectos «marginales» de nuestra sociedad. Por ejemplo: cómo las personas se presentan en el espacio público y las huellas que dejan en él. Encuentra fragilidad y el simbolismo de cómo el comportamiento humano está influenciado por el tiempo y la rutina.

Nació en 1993 en Madrid (España) hija de padre español y madre holandesa, en 2012 se mudó a Rotterdam para estudiar en WDKA, donde se graduó en 2016 con su proyecto «Mirando sin ver», una instalación de video y sonido en la que exploró su relación con las imágenes contemporáneas.

Su herencia de dos culturas diferentes siempre han alimentado su trabajo. Desde su partida a los Países Bajos, ha prestado especial atención a la grabación de su vida diaria tanto en los Holanda como en España.
Busca intuitivamente las diferencias culturales y las similitudes de estos dos países. Actualmente vive y trabaja en Rotterdam.

Gastos de viaje soportados por CBK en Rotterdam

Florian Braakman (Velp / Rotterdam)
Florian Braakman es un fotógrafo documental autónomo cuyo trabajo consiste en series de imágenes fotográficas. A través de una relación personal con la temática de su trabajo que se centran especialmente en el concepto de «vecindario», está interesado en abordar temas universales, sociales y culturales más amplios. En holandés, el término «buurman» (vecino) es una jerga utilizada para saludar a las personas que te rodean.

Utiliza la fotografía como un medio para relacionarse con las personas, de cuestionar el mundo y de entender el ritmo acelerado de nuestra «realidad» cotidiana. Sus fotografías se presentan principalmente en series, lo que permite que las imágenes puedan conversar entre sí en formato de publicaciones e instalaciones.

En 2013, se graduó en la Real Academia de Arte de La Haya con el proyecto “She Comes in Colors”, que más tarde tomó forma como libro. Actualmente, trabaja en el proyecto a largo plazo “Delfshaven’s Finest”, en el vecindario social y culturalmente diverso de Rotterdam, donde ha vivido desde 2013. De este proyecto surgió el trabajo In Between Homes, en el que viaja con sus vecinos a su país. de origen.

Creció en una ciudad llamada Velp, cerca de Arnhem, en el este de los Países Bajos, y luego a la edad de veinte años se mudó a La Haya para estudiar fotografía en la Royal Academy of Arts. Durante ese tiempo también hizo una pasantía en Berlín, Alemania durante 6 meses. Después de graduarse, se mudó a Rotterdam, donde vive desde entonces.

La residencia en AADK está financiada por la Fundación Mondriaan

Ping Zheng (Zhejiang Province / New York)
Nacida en Zhejiang Provence, China, Ping creció en una familia patriarcal tradicional bajo la restricción de la política del hijo único del gobierno. Ella describe la naturaleza como el refugio de su infancia, ya que vivió en muchas regiones geográficas diferentes, rodeada de entornos naturales de marcado contraste.
Como artista, su inspiración bebe de los paisajes naturales, donde se siente libre y en paz como un ser libre, lejos de las presiones familiares.

Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Estudia en el extranjero, en Londres. En los Estados Unidos generó una conciencia sobre la igualdad de género como el corazón de los problemas sobre los derechos humanos que conforman su mundo. Tomó conciencia de las muchas contribuciones de las mujeres en Occidente y comenzó a expresar el feminismo en su práctica artística.

Ping Zheng está interesada en el Subconsciente, con un enfoque particular se aproxima al arte como un medio de desarrollo personal. Su obra se mueve entre lo figurativo y lo abstracto, funciona como metáfora de la energía y las posibilidades ilimitadas que surgen de la libertad artística y su apasionada creencia en la igualdad, tan amplia como el deseo de expandir sus horizontes.
A través de su impresionante efecto, la naturaleza siempre evocó los recuerdos de paisajes naturales de su infancia y le dio un renovado sentido de autodescubrimiento.

Soeine Bac (Seúl / Vancouver)
Soeine Bac estudió fotografía y arte interactivo en Canadá, y Cultura Visual en Londres, Reino Unido. Soeine Bac se centra principalmente en la intención en el arte; la improvisación se convirtió en su método para fusionar el arte visual y el movimiento, y comenzó a incorporar la instalación y la performance contextual.

Organizó jams de baile en Seúl, Corea, de 2014 a 2016. En 2015 y 2016, actuó en el Festival Internacional de Danza de Improvisación de Seúl. También ha realizado residencias artísticas en 2015 y 2016, ‘Nature Art’.
En 2017 fue invitada a realizar talleres de movimiento para el festival anual Stazione di Topolò en Italia, y trabajó sobre el tema de naturaleza y seres humanos para el Vines Art Festival en Vancouver, Canadá. En 2016, estudió yoga budista zen para meditación en Corea para comprender mejor la mente en el acto de improvisación. Desde entonces, se ha interesado en el aspecto espiritual del arte y en cómo se revela ante la vida.

Actualmente su foco se encuentra en las relaciones entre el cuerpo y el mapeo. Interesada en identificar el sentido del yo en relación con la forma en que percibimos los aspectos culturales y geográficos de nuestro entorno.

Reconocemos el apoyo del Consejo Canadiense de las Artes

Joong Yong Kim (Seúl / Berlín)
Joong Yong Kim es originario de Corea del Sur, donde comenzó una educación artística tradicional en escultura. Frustrado por las limitaciones de una educación de base técnica, quería seguir pensando sobre el arte en sí mismo, por lo que dejó su maestría y se mudó a Berlín para explorar la visión del arte desde diversas perspectivas en una escena artística diferente.

Desde entonces, su acercamiento al arte continúa evolucionando. Interesado en un comienzo en la expresión artística y sus logros técnicos, de un tiempo a esta parte su interés ha derivado en tratar de entender cuáles son los procesos de producción arte y cómo funciona el aparato que transforma algo en arte. Tratando de mantener una actitud y perspectiva observadora y objetiva, investiga y empuja de forma lúdica los límites del contexto, las instituciones, las escenas y las convenciones sociales en las que se hace, distribuye y consume el arte.

Mijin Hyun (Seúl / Berlín)
Mijin Hyun está interesada en las situaciones relacionadas con el arte, donde el público entra en un espacio e interactúa con una obra. Para ello utiliza diversos medios como sonido, video o performance. Espera investigar la relación entre la mercancía y la obra de arte, especialmente enfocándose en artículos del hogar o interiores, como puertas, suelos, muebles, etc. Conecta los objetos cotidianos y su uso en el contexto del museo o la galería de arte, y explora los elementos arquitectónicos, ya que la espacialidad juega un papel importante en la percepción de la audiencia.


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