Entre el 28 de Julio y el 4 de Agosto se reunirá nuevamente el grupo de investigación Cuerpo en Crisis.

Tras diez años de creación propia, Abraham Hurtado redibuja la línea que ha atravesado todo su trabajo: el “cuerpo en crisis”. Su interés por generar experiencias en las que desplegar las huellas que dejan en el cuerpo las vivencias personales le ha llevado a desarrollar una metodología propia y a visibilizar cómo el individuo absorbe los acontecimientos históricos y los contextos sociales

Para terminar de entender estos procesos y los pliegues de su propio cuerpo de trabajo, Abraham Hurtado invita a otros artistas a experimentar su metodología y a generar nuevas obras en respuesta a la suya.

Participantes de esta edición: Andrés Agudelo, Pia Achternkamp, Elena Azzedin, Derek V. Bulcke, François Benner, Francesca Carbone, Nico Dardano, Giuliana Grippo,  Selu Herraiz, Pedro Lobo, Anabel Labrador, Rubén Martínez, Aurora Rodríguez, Diego Lobenal y Josman P# , invitados: Nicola Mascia, Josefina Ganem, Piedad Molina y Josh Freund. 


Miradas: “The Place Landscape Art”

Desde hace un año, las artistas Lina Sofía Lundin, Ebba Matz y el arquitecto paisajista Mikael Johansson han investigado el contexto histórico de Stora Hyttnäs, una antigua casa-museo ubicada en la ciudad de Falun, Suecia, construída en el S.XVII. Delimitando el edificio, su imponente jardín y la granja aledaña como espacios de trabajo, estos tres artistas han convocado a múltiples profesionales del arte vinculados a contextos rurales, a explorar e investigar el sitio a través de diversos materiales y soportes.

Durante dos semanas, un equipo de 14 artistas se reunió y trabajó en conjunto para dar forma a la exhibición «The Place Landscape Art» donde fueron expuestas diferentes propuestas de intervenciones site-specific. El recorrido de la exposición incluía tanto bocetos, como de obras en proceso, propuestas o piezas terminadas. Elena Azzedín (Directora de Residencias y Curadora AADK Spain) y Selu Herraiz (Director Sonora, Escuela de Experimentación) formaron parte de esta colectiva.

Desde el hermoso paisaje de Falun, el proyecto de Lundin, Matz y Johansson reflexionaba sobre la intersección del campo y la ciudad, las amenazas y las oportunidades que afrontan nuestra naturaleza, y la posibilidad del arte de interactuar con el entorno histórico.


Nuestra edición de Estudios Abiertos de agosto se realizará el día 24, a las 21:00 pm. Allí podrán recorrer los trabajos de Julia Catherine Ruzyczka de Rosenwerth (Ciudad del Cabo), Elizabeth Neira (Valparaíso), Rachel Button Rymont y Melissa McCutcheon (Isla Mercer, Washington) quienes compartirán el progreso de sus investigaciones junto con Rebecca Gill (Glasgow) quien presentará las conclusiones de sus estadía en Blanca.

Rebecca Gill (Glasgow)

La práctica artística de Rebecca abarca la imagen en movimiento, el sonido, la electrónica generativa, la escritura, la codificación, las instalaciones y la bio-fabricación. Su obra se cuestiona los aspectos filosóficos, políticos y científicos de la investigación y el pensamiento interdisciplinarios, e intenta combinar las sensibilidades creativas con los procedimientos de análisis científico. A través de sus obras, Rebecca intenta comprender el papel que desempeñan los organismos del cuerpo en las experiencias colectivas de precariedad contemporánea. Esto se manifiesta a través de trabajos generativos que responden a sitios conceptuales o marcos de investigación tales como los métodos periféricos de interacción con el espacio sin cuerpo, el pensamiento sistémico, la ecología, la biología entre otros ámbitos científicos, y la ubicación de la agencia dentro de las instituciones.

A principios de este año, Rebecca fue oradora invitada en los dos primeros grupos de lectura «Biosystems» del Art + Ecology Collective en la Biblioteca Glasgow Zine. Además, ha trabajado en colaboración con científicos para Pint of Science 2018 y 2019, y en una micro-residencia con el Grupo de Investigación de Futuros Injustos de la Energía de la Universidad de Edimburgo en Dovecot Studios. 

Recientemente, ha expuesto en el espacio 4/4 Collective, Nottingham en un proyecto colaborativo de larga data que busca la toma de posesión de la ciudad en manos de artistas jóvenes del Reino Unido.

Este mismo trabajo ha sido expuesto en 2019 en el Tramway de Glasgow. Se graduó de GSA en junio de 2019.

Julia Rosenworth (Ciudad del Cabo)

Julia de Rosenwerth es artista y diseñadora web, nativa de Sudáfrica. Estudió danza contemporánea en la Universidad de Ciudad del Cabo y se especializó en Coreografía y Filosofía. Después de graduarse en 2015, comenzó a trabajar como artista independiente. Actualmente es bailarina de flamenco y parte de la compañía  ‘Tierra Flamenca’, dirigida por Che Adams. Ha crecido apasionada por la música, la colaboración en la danza, la conexión y la conversación, siendo este el tema principal de sus investigaciones. En los años más recientes, Julia se ha aventurado en el mundo de la improvisación musical y la performance de danza. Percibe ambas como una herramienta potente para explorar la inmediatez, la transformación y la presencia. Recientemente ha co-fundado la organización artística ANY BODY ZINE que apoya a artistas independientes. Además, creó y produjo actuaciones improvisadas con la bailarina Adriana Jamisse (Mozambique) y Kerim Becker (Alemania), y curó un festival de música y danza en Ciudad del Cabo invitando a artistas que trabajan con las tradiciones de la danza folclórica a realizar presentaciones, talleres y debates. Julia también ha sido parte del proyecto de interpretación en curso titulado ‘Music Dance 021’, centrado en la relación entre sonidos y movimientos.

Elizabeth Neira (Santiago de Chile)

Elizabeth Neira es Licenciada en Comunicación Social, escritora, artista de performance y productora. Desde el año 2000 ha desarrollado un trabajo transdisciplinario donde fusiona la poesía, el arte de  acción, el activismo, la música, el video y la producción de arte independiente. Con esta propuesta ha participado en festivales de poesía y performance en Chile, Perú, Argentina, México, Guatemala, Honduras, El Salvador, Colombia, Ecuador, Venezuela, Brasil, República Dominicana, Canadá, España, Finlandia y Suecia.

Su literatura ha sido publicada en numerosas revistas y antologías de habla hispana. Entre otros, ha publicado los libros “Abyecta” (2003), “El soliloquio de la Reyna” (2004), “La Flor” (2014), “Hago el amor conmigo misma” poesía seleccionada (2017) y el libro de ensayos “Hocicona” (2017).

Neira ha realizado talleres de poesía y de arte de acción en varios países de América Latina. También ha organizado varios encuentros de poesía y performance como productora de arte independiente y desde el 2016 coordina el proyecto CasAcción en Valparaiso Chile.

Actualmente su trabajo está orientado hacia prácticas de feminismo descolonial con un fuerte acento en las transdisciplinas como zona de investigación.

Rachel Button Rymont y Melissa McCutcheon (Washington y Maryland)

Rachel Button Rymont y Melissa McCutcheon colaboran en un dúo interesado principalmente en explorar el absurdo y el desplazamiento dentro de la experiencia humana. Rachel obtuvo su BFA de la Escuela de Arte del Instituto de Maryland, y Melissa obtuvo su MFA de la Universidad de Washington en St. Louis. Rachel se ha presentado en el Festival Fringe de Charm City y recientemente fue aprendiz en la residencia Lugar a Dudas en Cali, Colombia. Melissa es profesora de Bellas Artes y ha realizado numerosas residencias a nivel nacional e internacional, incluida la Colonia Millay en Austerlitz, Nueva York y la Fundación Casa Tres Patios en Medellín, Colombia.

Nathalie Rey

«Nathalie Rey es una artista francesa afincada en Barcelona desde 2006. Tuvo un largo recorrido académico en el ámbito de las Humanidades, con un título de arquitecta, un grado de Literatura y un grado superior de Artes Plásticas, antes de dedicarse a la creación artística. En la actualidad, trabaja con galerías de Barcelona, Madrid y Londres. Su obra, ecléctica a nivel de técnica, sigue una especie de hilo narrativo desde hace años, que oscila entre episodios de la Historia más o menos contemporánea y acontecimientos de la vida de la propia artista. Así se va generando un paralelo turbador entre los dramas de la Humanidad y las heridas individuales.

A la vez, adopta una postura anti-mercantil, ya que relata y expresa, por medio de una irónica estética pop un tanto Kitsch cuanto elegante, caracterizada por el re-utilizo artístico de desechos y materiales de origen industrial, la atracción/repulsión que le generan las tragedias humanas y ecológicas inherentes a nuestra sociedad.»


El 27 de julio a partir de las 21:00 hs. llevamos a cabo nuestros Estudios Abiertos. Como cada mes, los invitamos a visitarnos en Centro Negra para conocer el trabajo de nuestros actuales artistas en residencia. Durante Julio, expondrán sus proyectos Rebecca Gill (Glasgow), Paula Sanchez (San Juan), Javier Garló (Mallorca), Deni Javas (Savannah, Georgia), Leonie Mhari (Edimburgo / Glasgow) y Nora Chuff (Nueva York / Boston).

A través de múltiples soportes y disciplinas, sus trabajos investigan las nociones de cuerpo, territorio y espacialidad, atravesados por el contexto rural de Blanca. 

Paula Sanchez (Basel)

Paula Sanchez was born in San Juan, Argentina, where she studied cello and classical music. Very early in her career she began to be interested in the crossover between different artistic media such as photography, video, painting and sound. For many years she developed her artistic and research work with the Ob Caenum artists collective, involved in experimental theater. She has been involved in many artistic projects such as theater pieces and performances. Her work explores the relations between sound, body and spatiality. She is currently living in Switzerland, where she is a masters candidate in free improvisation, experimenting on the performativity of sound. 

Rebecca Gill (Glasgow)

La práctica artística de Rebecca abarca la imagen en movimiento, el sonido, la electrónica generativa, la escritura, la codificación, las instalaciones y la bio-fabricación. Su obra se cuestiona los aspectos filosóficos, políticos y científicos de la investigación y el pensamiento interdisciplinarios, e intenta combinar las sensibilidades creativas con los procedimientos de análisis científico. A través de sus obras, Rebecca intenta comprender el papel que desempeñan los organismos del cuerpo en las experiencias colectivas de precariedad contemporánea. Esto se manifiesta a través de trabajos generativos que responden a sitios conceptuales o marcos de investigación tales como los métodos periféricos de interacción con el espacio sin cuerpo, el pensamiento sistémico, la ecología, la biología entre otros ámbitos científicos, y la ubicación de la agencia dentro de las instituciones.

A principios de este año, Rebecca fue oradora invitada en los dos primeros grupos de lectura «Biosystems» del Art + Ecology Collective en la Biblioteca Glasgow Zine. Además, ha trabajado en colaboración con científicos para Pint of Science 2018 y 2019, y en una micro-residencia con el Grupo de Investigación de Futuros Injustos de la Energía de la Universidad de Edimburgo en Dovecot Studios. 

Recientemente, ha expuesto en el espacio 4/4 Collective, Nottingham en un proyecto colaborativo de larga data que busca la toma de posesión de la ciudad en manos de artistas jóvenes del Reino Unido.

Este mismo trabajo ha sido expuesto en 2019 en el Tramway de Glasgow. Se graduó de GSA en junio de 2019.

Javier Garló (Palma de Mallorca)

Javier es un artista multidisciplinar iniciado en el graffiti en los años noventa y formado en ilustración en la Escola d’Arts i Superior de Disseny de les Illes Balears.

Su obra se apoya principalmente en la figura humana y en los objetos que nos hablan de ella, de su historia e historias atemporales. La estética de Garló está plagada de simbolismos y personajes mediante los cuales el propio autor intenta ubicar su visión dentro de la realidad del S. XXI

En sus propias palabras, Garló intenta «alejarse de un discurso de lo correcto y lo incorrecto» y, por el contrario, sustituirlo por cierta crudeza que considera más cercana a la realidad.

Actualmente, Javier investiga y experimenta con materiales naturales, herramientas y técnicas de antaño que han definido la labor de las personas en el ámbito rural. Sus piezas nos remiten a rituales ancestrales en un intento por reconectarnos con el pasado y revalorizar el status de los pobladores de nuestras tierras.

Deni Javas (Savannah, Georgia) 

Deni Javas es licenciada de la Universidad de las Artes de Filadelfia, Pensilvania y posee una maestría de la Escuela de Artes Visuales de la universidad de Nueva York, NY. Durante veinte años se desempeñó como ilustradora y diseñadora en Nueva York y luego en Santa Fe, Nuevo México, donde diseñó empaques de ediciones limitadas y piezas para publicidad. Luego de cuatro años de enseñar en Hong Kong, Deni regresó a los Estados Unidos. Actualmente es profesora en la Escuela de Arte y Diseño de Savannah. En su práctica artística, Deni recurre a plantas no nativas (invasoras) como un exponente de migración y adaptabilidad que encuentra intrínsecamente relacionado a su experiencia de integración en nuevos lugares. Debido a las migraciones frecuentes que Deni ha experimentado a lo largo de su vida, su trabajo reflexiona sobre los modos de conectarse a los lugares en los que uno habita, a sus orígenes y a la tierra en la que vive.

Su trabajo intenta comprometerse con el paisaje para explorar un entorno similar al de su hogar en Nuevo México. Para Deni, las plantas se perciben como algo en reposo o autocontenido, pero sin embargo muchas cosas suceden debajo de la superficie. Este componente oculto hace referencia a vías o canales que conectan de lugar con otro -por ejemplo Nuevo México y España- que la artista evidencia a través de hilos juntos conectores en sus piezas. 

Leonie Mhari (Edimburgo/Glasgow)

En 2016, Leonie completó sus estudios de doctorado enfocados en la toponimia de Berwickshire, con un particular interés por los paisajes litorales; desde entonces ha desarrollado sus prácticas creativas en torno al paisaje. Formada en estudios de idiomas, Leonie ha ampliado sus intereses sobre la percepción de las características topográficas hacia la performatividad y las narrativas del paisaje. Completó un Máster en Arquitectura del Paisaje en el Colegio de Arte de Edimburgo (2018), durante el cual desarrolló prácticas experimentales de trabajo de campo y amplió su enfoque analítico para investigar las relaciones performativas entre actantes humanos y no humanos. Un enfoque de «hacer con» sustenta su metodología. En la escala 1:1, así como en las escalas micro y macro, se pregunta sobre cómo los participantes desempeñan en dinámicas entrelazadas y sucesivas. Para interrumpir y distorsionar las narrativas lineales, recurre a la teoría feminista y queer, e intenta imaginar espacios con futuros feministas, queer y post-masculinistas. Actualmente está trabajando en la performatividad del agua en paisajes, explorando el hidro-feminismo y la intemperie según lo postulado por Neimanis y Hamilton (2018). Está interesada en cómo el agua influye en las narrativas del lugar y las relaciones de sus habitantes y en una gama de escalas.

Nora Chuff (New York/Boston)

Nora Chuff is an artist and Master of Landscape Architecture candidate at Harvard Graduate School of Design. Having studied art and art history at New York University, she has worked at Ogilvy Consulting, the Metropolitan Museum of Art and the Richard Avedon Foundation. Nora grew up in New York City and has also spent a significant amount of time in rural Pennsylvania.  The exposure to both lifestyles has inspired her interest in urban landscapes. She is interested in intersections between fine art and architecture, built and natural environments, and between design and neglect. Nora values materials and small-scale details, even on large-scale projects. She endeavors to design with sensitivity to historical and political context, as well as considering both official and unofficial uses.

 


Los estudios abiertos de abril tendrán lugar el día 27 de Abril a las 20.30 en donde podremos ver los trabajos de Iryna Vorona (Kiev), Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam) y Florian Braakman (Velp / Rotterdam), Jo Lorente (Mazarrón / Laeken, Bruselas) y Joong Yong Kim (Seúl / Berlín) y Mijin Hyun (Seúl / Berlín).

 

 

Iryna Vorona (Kyiv)
Con base en Ucrania, Iryna Vorona es una artista visual contemporánea con un estilo muy particular. Nacida en 1987 en Kiev, Ucrania, tiene un máster en Bellas Artes de la Academia Nacional de Bellas Artes y Arquitectura, Kiev, incluida una beca en la Academia de Bellas Artes de Zagreb.

En 2019 recibió la subvención presidencial de Ucrania para su proyecto «Qr truth».
En 2018 se le otorgó el premio de arte del jefe de administración de Kiev por un registro especial de logros en el desarrollo de la capital de Ucrania: Kiev. Durante los últimos dos años ha estado trabajando en proyectos en Finlandia (Kulttuuri Kauppila International Artist Residency), Croacia (programa Erasmus +) y Noruega (KHMessen International Artist Residency).

Su investigación artística de los últimos tres años se ha basado en analizar cómo se combinan arte y tecnología. En el encuentro entre arte y ciencia pueden surgir nuevos cimientos. Desde hace un tiempo los medios plástico tradicionales no le resultan suficientes para expresar lo que realmente quiere, y el modo en que desea llegar a la gente a través de su trabajo.
Con las tecnologías de la luz parece haber encontrado un camino más satisfactorio. Su último proyecto, «Insight», trata sobre la forma tradicional del arte, creado de una forma no tradicional, una visión directa de la realidad sobrenatural y una conexión entre el arte y la ciencia.

El proyecto se implementa en el marco del Programa Puentes de Cultura. Culture Bridges está financiado por la UE y gestionado por el British Council en asociación con la red de los Institutos Nacionales de la Cultura de la Unión Europea (EUNIC) en Ucrania.

 

 

Jo Lorente (Mazarrón / Laeken, Brussels)
Explorador de arte, Jo Lorente es una artista multidisciplinar.
Como artista plástica, asocia la pintura a otras disciplinas artísticas: canto, baile, laúd, artes escénicas, teatro de títeres, modelado en arcilla, películas animadas y videos. Combinando diferentes modos de expresión, viaja en un universo rico y ecléctico.

Desde 2001 ha sido también pedagoga, animadora sociocultural y fue galardonada en 2012 con el Premio Courbet, que recompensó la dimensión social de su trabajo.

Ha participado en numerosas exposiciones de arte, concretamente en la “Sala Milice” del Ayuntamiento de Bruselas (Grand-Place) con una exposición individual con motivo del evento “Parcours d’Artistes” (la “Ruta de los artistas”).

En este momento, tiene presencia en ferias internacionales de arte contemporáneo y otros eventos culturales importantes. Expone en París, Cannes, Mónaco y Madrid, en colaboración con la Galería Gaudí en Madrid, Multi Art Events y el Club des Ateliers d’Artistes. Una exposición permanente de su trabajo se puede ver en el «Estudio Céramuze» en Bruselas.

Para el placer de los sentidos, Jo Lorente ha desarrollado una técnica pictórica original basada en cera natural utilizada en diferentes tipos de soportes.
En su investigación pictórica, los temas tratados son la expresión de la imaginación pura.
Los diseños gráficos revelan su mundo onírico en el lienzo. Ella llama a este período: Códice gráfico del inconsciente «.

Nacida en la región de Murcia, España, ahora vive en Laeken, Bélgica.

 

 

Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam)
El trabajo de Sarah se origina en escenas de la vida cotidiana, donde todos interactúan entre sí de forma inconsciente. Sarah captura los aspectos “marginales” de nuestra sociedad. Por ejemplo: cómo las personas se presentan en el espacio público y las huellas que dejan en él. Encuentra fragilidad y el simbolismo de cómo el comportamiento humano está influenciado por el tiempo y la rutina.

Nació en 1993 en Madrid (España) hija de padre español y madre holandesa, en 2012 se mudó a Rotterdam para estudiar en WDKA, donde se graduó en 2016 con su proyecto “Mirando sin ver”, una instalación de video y sonido en la que exploró su relación con las imágenes contemporáneas.

Su herencia de dos culturas diferentes siempre han alimentado su trabajo. Desde su partida a los Países Bajos, ha prestado especial atención a la grabación de su vida diaria tanto en los Holanda como en España.
Busca intuitivamente las diferencias culturales y las similitudes de estos dos países. Actualmente vive y trabaja en Rotterdam.

Gastos de viaje soportados por CBK en Rotterdam

 

 

Florian Braakman (Velp / Rotterdam)
Florian Braakman es un fotógrafo documental autónomo cuyo trabajo consiste en series de imágenes fotográficas. A través de una relación personal con la temática de su trabajo que se centran especialmente en el concepto de “vecindario”, está interesado en abordar temas universales, sociales y culturales más amplios. En holandés, el término “buurman” (vecino) es una jerga utilizada para saludar a las personas que te rodean.

Utiliza la fotografía como un medio para relacionarse con las personas, de cuestionar el mundo y de entender el ritmo acelerado de nuestra “realidad” cotidiana. Sus fotografías se presentan principalmente en series, lo que permite que las imágenes puedan conversar entre sí en formato de publicaciones e instalaciones.

En 2013, se graduó en la Real Academia de Arte de La Haya con el proyecto “She Comes in Colors”, que más tarde tomó forma como libro. Actualmente, trabaja en el proyecto a largo plazo “Delfshaven’s Finest”, en el vecindario social y culturalmente diverso de Rotterdam, donde ha vivido desde 2013. De este proyecto surgió el trabajo In Between Homes, en el que viaja con sus vecinos a su país. de origen.

Creció en una ciudad llamada Velp, cerca de Arnhem, en el este de los Países Bajos, y luego a la edad de veinte años se mudó a La Haya para estudiar fotografía en la Royal Academy of Arts. Durante ese tiempo también hizo una pasantía en Berlín, Alemania durante 6 meses. Después de graduarse, se mudó a Rotterdam, donde vive desde entonces.

La residencia en AADK está financiada por la Fundación Mondriaan

 

 

Joong Yong Kim (Seúl / Berlín)
Joong Yong Kim es originario de Corea del Sur, donde comenzó una educación artística tradicional en escultura. Frustrado por las limitaciones de una educación de base técnica, quería seguir pensando sobre el arte en sí mismo, por lo que dejó su maestría y se mudó a Berlín para explorar la visión del arte desde diversas perspectivas en una escena artística diferente.

Desde entonces, su acercamiento al arte continúa evolucionando. Interesado en un comienzo en la expresión artística y sus logros técnicos, de un tiempo a esta parte su interés ha derivado en tratar de entender cuáles son los procesos de producción arte y cómo funciona el aparato que transforma algo en arte. Tratando de mantener una actitud y perspectiva observadora y objetiva, investiga y empuja de forma lúdica los límites del contexto, las instituciones, las escenas y las convenciones sociales en las que se hace, distribuye y consume el arte.

Mijin Hyun (Seúl / Berlín)
Mijin Hyun está interesada en las situaciones relacionadas con el arte, donde el público entra en un espacio e interactúa con una obra. Para ello utiliza diversos medios como sonido, video o performance. Espera investigar la relación entre la mercancía y la obra de arte, especialmente enfocándose en artículos del hogar o interiores, como puertas, suelos, muebles, etc. Conecta los objetos cotidianos y su uso en el contexto del museo o la galería de arte, y explora los elementos arquitectónicos, ya que la espacialidad juega un papel importante en la percepción de la audiencia.


· MURCIA · CENTRO PÁRRAGA · 30 DE MARZO · 21h

Centro Párraga invita a AADK Spain a compartir la investigación de sus artistas con una pieza escénica en proceso.

Con ello se quiere potenciar el aprendizaje mutuo entre público y artistas, visibilizando cuestiones que van más allá de la obra acabada, la pieza escénica como producto, para en su lugar, compartir los vértices y tangentes, las idas y venidas y el ensayo/error de los procesos de creación.

Soeine Bac (Canadá) y Falsos Profetas (Blanca)

-Soeine Bac (Canadá) y Carlos Suárez (Galicia)

Soeine presenta el trabajo que ha desarrollado durante el programa de residencias artísticas con AADK.
Bac busca romper la subordinación del sonido en las piezas de danza, e integrar ambas del modo que suceden en la vida cotidiana, En esta pieza, aún en proceso de exploración, Soeine toma el espacio como una expansión de sus órganos y lo utiliza como un instrumento que despliega movimiento y sonido con el cuerpo.

 

Falsos Profetas

Falsos Profetas es el nuevo proyecto de Abraham Hurtado, con la colaboración del artista sonoro Selu Herraiz.
Una arriesgada y conmovedora apuesta: Poesía llevada al universo de la experimentación sonora, en el que cada poema es abordado con un registro diferente, envueltos en sonidos de sintetizadores, guitarra eléctrica, juegos de voz, respiración, y proyecciones de video.

Un trabajo en proceso cuyos poemas desgarradores y con un lenguaje de nuestro tiempo, tanto en su contenido como en su estructura, desvelan la capacidad de transitar entre disciplinas con gran destreza. Una búsqueda de la espiritualidad del territorio utilizando la voz como herramienta exploratoria.

“Cuando tenía 10 años me fascinaba la forma en que mi padre se comunicaba con otros agricultores a través de gritos prolongados para favorecer el eco de la voz en el espacio del valle y que su mensaje llegara claramente a sus interlocutores. Siempre me pareció que era una forma muy pura de hablarle a la tierra, un acto espiritual, sacro. La performance me interesó desde muy pequeño, sin saber aún lo que era. Lo que mi padre hacía parándose en medio del bancal y con sus dos manos cerca de la cara para gritar un “Cortaaaa el aguaaaa” fue el primer acto performativo al que pude asistir, aún hoy uno de los más bellos

Con Falsos profetas quiero volver a acercarme a la huerta desde la voz, la voz prolongada en el espacio, desde la poesía rural. Un viaje sobre la espiritualidad del territorio, como si el quejido de la tierra nos pudiera despertar de nuestros pensamientos dormidos. Falsos profetas es la intención de volver a escuchar el paisaje para encontrarnos con nosotros mismos y nuestros dolores ocasionados por la injusticia y los abusos del poder mundial. Un acto performático sonoro para describir el lugar desde el que soñamos, amamos y también encontramos el desengaño”

Abraham Hurtado

 

 

Biografías

Soeine Bac es una artista de performance cuya práctica es esencialmente interdisciplinar.
Su metodología habitual es la improvisación, introduce el arte visual, sonoro y la danza en una forma de instalación performativa.
El trabajo de Soeine es contextual, respondiendo al pulso de los espacios en los que trabaja, a la presencia de otras personas, a los objetos y sus sonidos.
Actualmente su trabajo se centra en las relaciones de mapeo con el cuerpo. Está interesada en identificar el sentido del yo en relación con la forma en que percibimos los aspectos culturales y geográficos de nuestro entorno, y reorganizarlos para navegar a través de ellos.

Con el apoyo del Consejo de las Artes de Canadá.

Carlos Suárez es un artista sonoro y educador gallego-venezolano nacido en Celanova en 1966. Maestro compositor por el Conservatorio Superior de Música Simón Bolívar de Caracas (especialidad electroacústica). Etnomusicólogo por el Instituto Universitario de Estudios Musicales de Caracas. Máster en composición electroacústica por la UCV.

 

Abraham Hurtado (Murcia, España). Fundador y Director artístico AADK Spain. Artista y curador independiente.

Como artista, su trabajo explora las nociones de cuerpo en crisis, espacio y presencia.
Su obra ha sido expuesta en numerosos espacios, entre los que se destacan: la Bienal de la Imagen de Buenos Aires, Argentina; Fundaçao Vieira da Silva y Centro Cultural de Belém, Lisboa, Portugal; Moderna Museet de Estocolmo, Vooruit Gent, Ericsson Hallen, entre otros. Como curador, se destaca “Dissected” en Mica Moca Project Berlín, tres ediciones del Festival “Unexpected” Berlín (2010/12), Festival Fenomens (2015/17) en Barcelona, Festival de Cine IBAFF 2016, sección experimental, Festival Internacional de Danza Contemporánea Cumplicidades 2018 de Lisboa. Desde 2005 colabora con la artista Meg Stuart como performer, asistente de dirección y asesoría curatorial en varios proyectos artísticos de la compañía Meg Stuart/Damaged Goods.

Selu Herraiz (Murcia, España). Director de Sonora, Escuela de experimentación en AADK Spain.

Selu Herraiz es director, curador y mediador de SONORA -Escuela de Experimentación-, un proyecto educativo de AADK Spain financiado por la Fundación Daniel y Nina Carasso, con base en el entorno rural Del Valle de Ricote (Murcia, España).
Estudió Ingeniería Electrónica en la UPCT. Como artista, analiza las relaciones entre Espacio-Tiempo, Memoria e Identidad, trabajando con cuerpos, sonidos, espacios e imágenes en una búsqueda trans-disciplinar. Combina su investigación personal con el diseño de experiencias educativas.
Selu Practica el arte como excusa para habitar y busca una integración del acto creativo en la vida cotidiana con el fin de activar la transformación social y estimular el pensamiento crítico.

 

 

 

 

· ESTOCOLMO · AFECTACIÓN DE PRÁCTICAS · DEL 8 AL 18 DE ABRIL

Los artistas Björn Säfsten y Abraham Hurtado, establecen un encuentro de dos semanas para compartir sus metodologías y prácticas desde una perspectiva coreográfica en una investigación sobre el movimiento.
Encontrar “otro cuerpo”, es el foco de investigación del coreógrafo Björn Säfsten siendo la obsesión de Abraham Hurtado “el nuevo cuerpo”.

En este intercambio tratarán de encontrar las diferencias y similitudes de sus prácticas, cuyos puntos de partida se asemejan al tiempo que su estética e universos son muy dispares.

Björn Säfsten (Estocolmo)
En el trabajo y la práctica del coreógrafo Björn Säfsten, el cuerpo y la mente y sus acciones relacionadas se examinan, analizan y exponen. El enfoque está en crear «otro cuerpo», otra noción de la fisicalidad humana, dando vida a las imágenes que problematizan visualmente nuestra noción de la naturaleza humana. La práctica física expone imágenes que ocurren a partir de una determinada acción física, en un método aleatorio. El trabajo, por lo tanto, toma giros y curvas visuales, a menudo se moldea a sí mismo mientras se realiza, estableciéndose algo nuevo en cada encuentro con la audiencia.
El objetivo es exponer los dilemas físicos, creando deliberadamente situaciones en las que los pensamientos del intérprete están expuestos, abiertos al espectador. El trabajo engaña con la noción de lenguaje: un esfuerzo por confundir y desviar al espectador de la habitual lectura corporal. El cuerpo es visto como una multiplicidad de voluntades, deseos y direcciones, alejándose de la noción de una entidad corporal y mental. Cambiar la noción de cuerpo, de encarnación del objeto y la relación entre las dos entidades es fundamental tanto en la investigación como en la presentación de su trabajo.

Abraham Hurtado
Los trabajos de Abraham Hurtado están centrados en la idea de cuerpo como contenedor de emociones derivadas de los acontecimientos personales y sociales; en reflejar la desolación o daños colaterales que residen en el cuerpo tras reconectar con dichos acontecimientos. El cuerpo tiene su propio lenguaje y puede, a partir de la imagen que genera su presencia, hablarnos de las emociones que nos habitan -frustración, brutalidad, explosión, euforia, rabia, vacío, deseo…
Abraham Hurtado explora la función de la ficción en la era del cinismo y la desilusión, así como la relación entre el artista y su entorno para dar lugar a nuevos modelos y construcción de discursos.
Desde hace diez años trabaja sobre el concepto de “cuerpo en crisis” y sus desbordamientos en relación con el Espacio y el Territorio.
Sus prácticas han sido desarrolladas en diferentes formatos y soportes como la performance, la instalación, el montaje audiovisual, la fotografía, la publicación, el desarrollo de apps y el arte sonoro.


Estudios Abiertos Marzo 2019

El próximo 23 de marzo a las 20:30h, AADK abre las puertas del Centro Negra, en donde os invitamos a conocer de cerca los procesos de Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam) y Florian Braakman (Velp / Rotterdam), Ping Zheng (Provincia de Zhejiang / Nueva York), Soeine Bac (Seúl / Vancouver) y Joong Yong Kim (Seúl / Berlín) y Mijin Hyun (Seúl / Berlín), los artistas en residencia del mes de marzo.

Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam)
El trabajo de Sarah se origina en escenas de la vida cotidiana, donde todos interactúan entre sí de forma inconsciente. Sarah captura los aspectos «marginales» de nuestra sociedad. Por ejemplo: cómo las personas se presentan en el espacio público y las huellas que dejan en él. Encuentra fragilidad y el simbolismo de cómo el comportamiento humano está influenciado por el tiempo y la rutina.

Nació en 1993 en Madrid (España) hija de padre español y madre holandesa, en 2012 se mudó a Rotterdam para estudiar en WDKA, donde se graduó en 2016 con su proyecto «Mirando sin ver», una instalación de video y sonido en la que exploró su relación con las imágenes contemporáneas.

Su herencia de dos culturas diferentes siempre han alimentado su trabajo. Desde su partida a los Países Bajos, ha prestado especial atención a la grabación de su vida diaria tanto en los Holanda como en España.
Busca intuitivamente las diferencias culturales y las similitudes de estos dos países. Actualmente vive y trabaja en Rotterdam.

Gastos de viaje soportados por CBK en Rotterdam

Florian Braakman (Velp / Rotterdam)
Florian Braakman es un fotógrafo documental autónomo cuyo trabajo consiste en series de imágenes fotográficas. A través de una relación personal con la temática de su trabajo que se centran especialmente en el concepto de «vecindario», está interesado en abordar temas universales, sociales y culturales más amplios. En holandés, el término «buurman» (vecino) es una jerga utilizada para saludar a las personas que te rodean.

Utiliza la fotografía como un medio para relacionarse con las personas, de cuestionar el mundo y de entender el ritmo acelerado de nuestra «realidad» cotidiana. Sus fotografías se presentan principalmente en series, lo que permite que las imágenes puedan conversar entre sí en formato de publicaciones e instalaciones.

En 2013, se graduó en la Real Academia de Arte de La Haya con el proyecto “She Comes in Colors”, que más tarde tomó forma como libro. Actualmente, trabaja en el proyecto a largo plazo “Delfshaven’s Finest”, en el vecindario social y culturalmente diverso de Rotterdam, donde ha vivido desde 2013. De este proyecto surgió el trabajo In Between Homes, en el que viaja con sus vecinos a su país. de origen.

Creció en una ciudad llamada Velp, cerca de Arnhem, en el este de los Países Bajos, y luego a la edad de veinte años se mudó a La Haya para estudiar fotografía en la Royal Academy of Arts. Durante ese tiempo también hizo una pasantía en Berlín, Alemania durante 6 meses. Después de graduarse, se mudó a Rotterdam, donde vive desde entonces.

La residencia en AADK está financiada por la Fundación Mondriaan

Ping Zheng (Zhejiang Province / New York)
Nacida en Zhejiang Provence, China, Ping creció en una familia patriarcal tradicional bajo la restricción de la política del hijo único del gobierno. Ella describe la naturaleza como el refugio de su infancia, ya que vivió en muchas regiones geográficas diferentes, rodeada de entornos naturales de marcado contraste.
Como artista, su inspiración bebe de los paisajes naturales, donde se siente libre y en paz como un ser libre, lejos de las presiones familiares.

Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Estudia en el extranjero, en Londres. En los Estados Unidos generó una conciencia sobre la igualdad de género como el corazón de los problemas sobre los derechos humanos que conforman su mundo. Tomó conciencia de las muchas contribuciones de las mujeres en Occidente y comenzó a expresar el feminismo en su práctica artística.

Ping Zheng está interesada en el Subconsciente, con un enfoque particular se aproxima al arte como un medio de desarrollo personal. Su obra se mueve entre lo figurativo y lo abstracto, funciona como metáfora de la energía y las posibilidades ilimitadas que surgen de la libertad artística y su apasionada creencia en la igualdad, tan amplia como el deseo de expandir sus horizontes.
A través de su impresionante efecto, la naturaleza siempre evocó los recuerdos de paisajes naturales de su infancia y le dio un renovado sentido de autodescubrimiento.

Soeine Bac (Seúl / Vancouver)
Soeine Bac estudió fotografía y arte interactivo en Canadá, y Cultura Visual en Londres, Reino Unido. Soeine Bac se centra principalmente en la intención en el arte; la improvisación se convirtió en su método para fusionar el arte visual y el movimiento, y comenzó a incorporar la instalación y la performance contextual.

Organizó jams de baile en Seúl, Corea, de 2014 a 2016. En 2015 y 2016, actuó en el Festival Internacional de Danza de Improvisación de Seúl. También ha realizado residencias artísticas en 2015 y 2016, ‘Nature Art’.
En 2017 fue invitada a realizar talleres de movimiento para el festival anual Stazione di Topolò en Italia, y trabajó sobre el tema de naturaleza y seres humanos para el Vines Art Festival en Vancouver, Canadá. En 2016, estudió yoga budista zen para meditación en Corea para comprender mejor la mente en el acto de improvisación. Desde entonces, se ha interesado en el aspecto espiritual del arte y en cómo se revela ante la vida.

Actualmente su foco se encuentra en las relaciones entre el cuerpo y el mapeo. Interesada en identificar el sentido del yo en relación con la forma en que percibimos los aspectos culturales y geográficos de nuestro entorno.

Reconocemos el apoyo del Consejo Canadiense de las Artes

Joong Yong Kim (Seúl / Berlín)
Joong Yong Kim es originario de Corea del Sur, donde comenzó una educación artística tradicional en escultura. Frustrado por las limitaciones de una educación de base técnica, quería seguir pensando sobre el arte en sí mismo, por lo que dejó su maestría y se mudó a Berlín para explorar la visión del arte desde diversas perspectivas en una escena artística diferente.

Desde entonces, su acercamiento al arte continúa evolucionando. Interesado en un comienzo en la expresión artística y sus logros técnicos, de un tiempo a esta parte su interés ha derivado en tratar de entender cuáles son los procesos de producción arte y cómo funciona el aparato que transforma algo en arte. Tratando de mantener una actitud y perspectiva observadora y objetiva, investiga y empuja de forma lúdica los límites del contexto, las instituciones, las escenas y las convenciones sociales en las que se hace, distribuye y consume el arte.

Mijin Hyun (Seúl / Berlín)
Mijin Hyun está interesada en las situaciones relacionadas con el arte, donde el público entra en un espacio e interactúa con una obra. Para ello utiliza diversos medios como sonido, video o performance. Espera investigar la relación entre la mercancía y la obra de arte, especialmente enfocándose en artículos del hogar o interiores, como puertas, suelos, muebles, etc. Conecta los objetos cotidianos y su uso en el contexto del museo o la galería de arte, y explora los elementos arquitectónicos, ya que la espacialidad juega un papel importante en la percepción de la audiencia.


Artes marciales para artistas. Arte contemporáneo vs. artes marciales

Artes marciales para artistas
Arte contemporáneo vs. artes marciales
un taller de Kris Limbach

Los movimientos sociales, artísticos y las artes marciales están conectados de múltiples maneras: desde la pura necesidad de autodefensa de los miembros de cualquier tipo de movimiento clandestino o vanguardista hasta los artistas que también son verdaderos maestros de las artes marciales como Yves Klein, hay una gran variedad de conexiones y dinámicas entre estas dos fuerzas.

Poco se sabe e investiga acerca de esta conexión: las academias de arte a menudo no están interesadas en el lado de las artes marciales (así como en las posturas política) de un artista.
Al mismo tiempo, los practicantes de artes marciales y sus organizaciones por lo general solo se preocupan por su práctica específica.

Miembros de los surrealistas, situacionistas, feministas a menudo practicaban artes marciales. Los músicos se sienten atraídos por las artes marciales y los actores de cine sienten la necesidad de practicar para mejorar su «presencia de pantalla». Este taller ofrecerá una breve descripción general e incluirá clases prácticas con una introducción a algunas técnicas básicas de defensa personal y algunos estilos de artes marciales, específicamente el Karate tradicional y el Arnis moderno.

Dónde:
En el Centro Negra, Blanca, Murcia. Calle del castillo, 30

Calendario / horario:
Sábado 16 de marzo: 10.00h-14.00h // 17.00h-20.00h
Domingo 17 de marzo: 10.00h-14.00h // 16.00h-19.00h

 

El taller está orientado a los procesos y cumplirá con los niveles de habilidad de cada participante.

El taller se divide en horas de práctica y horas de teoría.

No es necesario tener conocimientos previos en artes marciales.

Máximo de participantes: aprox. 10 // Nivel: principiante, todos los niveles

 

Qué traer:
Ropa cómoda (por ejemplo, una camiseta, pantalones para correr, zapatos deportivos) Opcional: traiga herramientas para su práctica artística específica (instrumentos, cepillos, etc.)

Sobre el profesor:
Kris Limbach es un cineasta y artista audiovisual. Es un practicante de Karate-Do tradicional y artes marciales modernas de combate con palos en el estilo moderno de Arnis, y es entrenador de boxeo y autodefensa durante 15 años. Las referencias cruzadas y la conceptualización de diferentes aspectos de las artes marciales es una de las variables ocultas de su obra de arte.

https://krislimbach.com

 

 

Precio: 30.00 €

Alojamiento: 20.00 € por noche en la casa del artista, a 5 minutos a pie del Centro Negra.

Inscripciones: envía un correo a lab@aadk.es


Estudios Abiertos febrero ’19

Los Estudios Abiertos de febrero tendrán lugar el día 23 a las 20:30h en donde podremos ver los trabajos de Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands), Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands), Anneloes Gerdien (Utrecht), Raquel Meyers (Cartagena), Glory Nkembo Moswala (Kinshasa), Ash (Ashley) Witham (Los Angeles/Berlin) y Myriam Gras (Tilburg) en Centro Negra.

 

Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands) y Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands)

-Edward Johansson
Desde 2014, Edward dirige su propio estudio de grabado, Ahvaland, en el que desarrolla tanto trabajos personales como encargos.
El estudio está equipado para impresión tipográfica en Heidelberg y con una imprenta Vandercook, y hay una sección de “intaglio” para la impresión de planchas de cobre. Le encanta desafiar sus habilidades y experiencia con nuevas ideas y colaboraciones. Su trabajo tiende a existir en el límite entre arte, la artesanía y el diseño.

2009 Licenciado en Diseño Gráfico, Central Saint Martins, Londres. 2012 MRes Design, Goldsmiths, Londres

-Minna Öberg
Los estudios de Minna consisten en una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Nova de Ciencias Aplicadas y un Master en Arte y Diseño de la Universidad Metropolitana de Cardiff. Una de sus experiencias artísticas más relevantes ha consistido en formar parte de la red B7, que incluye las siete islas más grandes del Báltico, donde tiene la oportunidad de desarrollar obras de “arte en contexto” en todas las islas.

Residencia apoyada con una beca de movilidad por la Delegación de Cultura Alands

 

Anneloes Gerdien (Utrecht)
«Como niña solía vivir en el campo holandés. Crecí en un entorno rural cercano a la naturaleza, donde vivir afuera, la vida simple, el silencio, la construcción y la reutilización son los principales factores de la vida diaria. Este estilo de vida simplificado es una de esas cosas que siguen siendo valores fundamentales que llevo conmigo en mi proceso artístico e investigación «.

Estructuras orgánicas – · Elementos deconstruidos – Contrastes y tabúes – · Entorno y superficies

Gerdien van der Vinne (1993) de Anneloes es una artista interdisciplinar que trabaja en los campos de la pintura, el dibujo, la metalurgia ligera, y combina el periodismo visual dentro del procesos de creación.
En sus diarios visuales, dibujos, paneles y joyas, expresa su fascinación por la evolución natural y las emociones que ocurren en su vida diaria. Ella refleja este pensamiento a lo largo de todo su cuerpo de trabajo, inspirado en las estructuras orgánicas que nos rodean. Considera el potencial de crecimiento y usa su intuición para compartir el valor de cada objeto.

Procedente de los campos de la moda, la cultura visual y la teoría, se esfuerza por crear productos finales tangibles en los que el crecimiento y la experimentación sean visibles. En el interior de su trabajo los entornos desconocidos son puntos de partida que le generan la urgencia de salir a encontrarse con situaciones impredecibles. Observar de cerca desde una mirada filosófica y antropológica y absorber los comportamientos naturales de los entornos es lo que Anneloe quiere revelar en sus piezas. Esto le aporta nuevos incentivos, con procesos impredecibles y una mayor profundidad a sus resultados.

Anneloes Gerdien tiene su sede principal en Utrecht, Países Bajos.

 

Raquel Meyers (Cartagena)
Artista multidisciplinar que define su práctica como mecanografía expandida (KYBDslöjd). Una fábula contemporánea con tecnologías del pasado tejida con el ordenador Commodore 64 y el parpadeo de las líneas verticales del teletexto. Un mundo de criaturas míticas y aventuras oníricas donde reina la calma y la temeridad. Fotograma a fotograma, símbolo a símbolo, propone un descenso al país de las maravillas donde el tiempo se detiene y el caos reina.

Desde 2004 su trabajo ha sido mostrado en centros de arte, galerías y festivales como Transmediale, LABoral, Xpo Gallery, La Casa encendida, BilbaoArte, iMAL, Liste Art Fair Basel, The Wrong, La Gaîté lyrique, Tokyo Blip Festival, Square Sounds Melbourne, VISION’R, Mapping, CRUCE, Le Shadok, Galerie Charlot, Musée L, LEV, MFRU, BEK…

 

Nkembo Moswala (Kinshasa)

El proyecto de Nkembo en Blanca consiste en transformar de forma artesanal los paquetes de plástico de nuestro consumo diario, mayoritariamente unos sobres de detergente para la ropa de una marca conocida en la República Democrática del Congo trajo consigo.
A base de pliegues en este material, ha generado cientos de elementos que evocan flores u hongos. La belleza de estos objetos y sus disposición colisiona con las particularidades nocivas y contaminantes y de las que están hechas.
Sobre el suelo del espacio 1, los mismos elementos han sido dispuestos a modo de un jardín francés, recreando una estructura colonial impuesta por los residuos de la globalización.

En el espacio colindante, estos elementos han sido dispuestos sobre la roca desnuda evocando el paisaje de Blanca, organizadas de forma orgánica, sugieren la esperanza de que la vida pueda resucitar de la esterilidad, el caos y la confusión de nuestra sociedad globalizada.
Junto a este paisaje, se despliega sus piezas llamadas Nzoloko, unas lonas perforadas a través de cuyas incisiones atraviesa la luz que cae sobre el espectador y el espacio circundante. Aquí es la luz el elemento que utiliza como materia prima para subvertir la imagen del crimen callejero y como un símbolo poderoso para la esperanza.
La distintas obras generan un diálogo entre ellas, que nos confronta con las relaciones entre la realidad urbana violenta de Kinshasa, el colonialismo y la globalización en contextos locales.

 

 

Ash Witham (Los Angeles/Berlin)

Criada en una pequeña ciudad en la costa este de los Estados Unidos, ahora trabaja principalmente en Los Ángeles, California y Berlín, Alemania. Ash estudió pintura en la Universidad de California, Los Ángeles, y dibujo en el extranjero, en la Riviera francesa y en París. En 2014, se graduó con honores de UCLA con una licenciatura en Arte y una especialización en Educación Artística. Durante sus estudios, realizó trabajos en distintos medios, principalmente pintura abstracta, ensamblajes con técnica mixta, fotografía en movimiento, instalaciones y performance multimedia.

Ash ha realizado y exhibido instalaciones, fotografías y esculturas en Los Ángeles. Inspirada por diversos cursos intensivos de movimiento realizados a lo largo de los años que vivió en los Estados Unidos, Europa, India y México, el trabajo de Ash ha adquirido un enfoque más físico. Continuando su educación en temas como las culturas del mundo, la comunicación interpersonal, la psicología positiva y la danza, se dedica a la investigación y al trabajo que aborda temas como la vulnerabilidad, la empatía, la curación, la identidad, la conexión humana y la expresión auténtica.
Actualmente, Ash está dedicando tiempo a profundizar en su trabajo y tiene como objetivo ampliar su alcance.

 

Myriam Gras (Tilburg)
«Mi trabajo explora la superposición entre la realidad y sus narrativas, tratando de representar los contrastes entre las aparentemente apreciadas adaptaciones de una sociedad cada vez más digitalizada y su consecuente perturbación individual.
Al experimentar continuamente con diferentes medios, conecto principalmente materiales sintéticos y elementos tecnológicos temática o físicamente. Al jugar con lo alienado y lo conocido, tiendo a arrojar una ligera crítica al modelo de vida actual «.
El absurdo y la soledad causados ​​por la influencia de las formas modernas de comunicación son un tema repetitivo en el trabajo. Esto va de un lado a otro desde los desarrollos hasta la implantación, ilustrando la forma en que la humanidad está unificada al mismo tiempo por un deseo de progreso e individualizada por experiencias fenomenológicas. Por medio de elementos interactivos, uno se ve obligado a conectar con la materia o con otros seres humanos. La humanidad se define por su potencial para crear.


El próximo 26 de enero a las 20:30h, AADK abre las puertas del Centro Negra, en donde os invitamos a conocer de cerca los procesos de Doris Althaus (Solothurn), Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands) y Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands), Lina Sofia Lundin (Falun) y Anneloes Gerdien (Utrecht), los artistas en residencia del mes de enero.

 

Doris Althaus (Solothurn)
Desde 1996 Doris dirige su propio estudio de cerámica. Muestra su trabajo regularmente en diferentes exposiciones y mercados en Suiza. Trabaja como profesora / instructora de cerámica en diversas instituciones y así como en su propio taller. Durante aproximadamente 1 o 2 días a la semana, trabaja en un Centro de Día para Personas con Capacidades Diversas.

Aunque su trabajo hasta ahora es principalmente figurativo, durante su residencia residencia quiere experimentar con la forma y explorar nuevos formatos. Apoyarse en lo desconocido de este nuevo contexto como fuente de inspiración y descubrir cómo esto afecta a su trabajo.

Actualmente Doris focalizada en el desarrollo de nuevas superficies y acabados, particularmente interesada en las Técnicas de Impresión y Transferencia para Cerámica con las que poder desarrollar pequeñas Instalaciones mural.

2003 Instructor FA Instructor en Aprendizaje de Adultos con Diploma Federal de Educación y Capacitación Profesional desde 1989, Cursos de educación adicional dirigidos a cerámica 1989.Certificado Suizo de Competencia en Cerámica y Aprendizaje por Kohler Keramik Biel Suiza.

Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands) y Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands)

-Edward Johansson
Desde 2014, Edward dirige su propio estudio de grabado, Ahvaland, en el que desarrolla tanto trabajos personales como encargos.
El estudio está equipado para impresión tipográfica en Heidelberg y con una imprenta Vandercook, y hay una sección de “intaglio” para la impresión de planchas de cobre. Le encanta desafiar sus habilidades y experiencia con nuevas ideas y colaboraciones. Su trabajo tiende a existir en el límite entre arte, la artesanía y el diseño.

2009 Licenciado en Diseño Gráfico, Central Saint Martins, Londres. 2012 MRes Design, Goldsmiths, Londres.

-Minna Öberg
Los estudios de Minna consisten en una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Nova de Ciencias Aplicadas y un Master en Arte y Diseño de la Universidad Metropolitana de Cardiff. Una de sus experiencias artísticas más relevantes ha consistido en formar parte de la red B7, que incluye las siete islas más grandes del Báltico, donde tiene la oportunidad de desarrollar obras de “arte en contexto” en todas las islas.

Residencia apoyada con una beca de movilidad por la Delegación de Cultura Alands

Lina Sofia Lundin (Falun)
Lina Sofía es una artista textil, educadora y autora que indaga en los procesos artísticos en relación con el lugar, el material y el conocimiento. Sofía reside en el campo de Suecia en donde investiga sobre técnicas de teñido ecológico, cultivando plantas colorantes y fibras naturales. Mientras trabaja integra las habilidades de las comunidades locales invitandolos a sus actividades de cultivo y artesanía. Indaga sobre cómo la información se transforma de teoría a conocimiento y cómo puede este ser encarnado. Los vínculos sociales que genera son una parte esencial en sus proyectos.

Las técnicas de teñido natural han tenido una larga historia de preservación de estos saberes y habilidades de forma secreta. Lina Sofia ha querido abrir el campo lo que le ha llevado a enseñar y dar ponencias sobre el tema, y a publicar The Dyeing Manifest – The Expanded Field of Composting 2013, Natural Dyes 2014, en 2017 y en 2019.
Entre el 2009-2016, investiga sobre consumo colaborativo a través un guardarropas compartido en formato de librería. El proyecto lidiaba con temas tales como “el reparar, la vida útil de las prendas de vestir, la ecología, o el comportamiento humano y también creó un espacio para que nazcan nuevas ideas entorno a la circularidad de materiales. Ubicado en la periferia de Estocolmo ha alcanzado los 360 miembros.
Desde el 2016 al 2018, trabajó para La agencia de Arte Público Suiza en un área residencial cerca de la ciudad con una gran diversidad de residentes. El Ayuntamiento planea para el distrito un nuevo parque, una plaza, y algunas casas han sido remodeladas. Cocinar, teñir tejidos con especias y plantas han sido el punto de partida para el diálogo entre los residentes acerca del espacio público y una investigación sobre cómo conectar con el contexto. Para el 2019 se planea instalar una pieza de arte público – una cocina construida con la escuela ubicada en el parque.
Lina Sofia realizó un grado en Arte Textil en la Academia de Artes y Artesanía en Gotemburgo, estudió Etnología en la Universidad de Estocolmo y formada en Artesanía de Nyckelviksskolan.

Residencia becada por IASPIS (Comité de becas Suecas) y la Fundación Helge Ax:son Johnson

Anneloes Gerdien (Utrecht)
«Como niña solía vivir en el campo holandés. Crecí en un entorno rural cercano a la naturaleza, donde vivir afuera, la vida simple, el silencio, la construcción y la reutilización son los principales factores de la vida diaria. Este estilo de vida simplificado es una de esas cosas que siguen siendo valores fundamentales que llevo conmigo en mi proceso artístico e investigación «.

Estructuras orgánicas – · Elementos deconstruidos – Contrastes y tabúes – · Entorno y superficies

Gerdien van der Vinne (1993) de Anneloes es una artista interdisciplinar que trabaja en los campos de la pintura, el dibujo, la metalurgia ligera, y combina el periodismo visual dentro del procesos de creación.
En sus diarios visuales, dibujos, paneles y joyas, expresa su fascinación por la evolución natural y las emociones que ocurren en su vida diaria. Ella refleja este pensamiento a lo largo de todo su cuerpo de trabajo, inspirado en las estructuras orgánicas que nos rodean. Considera el potencial de crecimiento y usa su intuición para compartir el valor de cada objeto.

Procedente de los campos de la moda, la cultura visual y la teoría, se esfuerza por crear productos finales tangibles en los que el crecimiento y la experimentación sean visibles. En el interior de su trabajo los entornos desconocidos son puntos de partida que le generan la urgencia de salir a encontrarse con situaciones impredecibles. Observar de cerca desde una mirada filosófica y antropológica y absorber los comportamientos naturales de los entornos es lo que Anneloe quiere revelar en sus piezas. Esto le aporta nuevos incentivos, con procesos impredecibles y una mayor profundidad a sus resultados.

Anneloes Gerdien tiene su sede principal en Utrecht, Países Bajos.


AADK cerraba el año con una programación con la que disfrutar y reflexionar sobre la experimentación sonora y su potencial para generar comunidades. Con el apoyo de Acción Cultural España (A/CE), la Fundación Daniel y Nina Carasso y el Ayuntamiento de Blanca, AADK invitó a relevantes agentes de distinta procedencia y campos de actuación, dentro del arte sonoro, a participar en un encuentro donde se mostraba el trabajo que se está desarrollando, a nivel local, en formato expositivo y de conciertos.

Llorenç Barber pionero de la experimentación sonora en España, Miguel Álvarez director del mítico programa radiofónico Ars Sonora, en RNE, y Patricia Raijenstein, de la Escuela de Oficios Electro Sonoros de Madrid fueron los expertos invitados nacionales. Pedro Rocha, responsable de la programación de música y performance del Museo de Arte Contemporáneo Serralves, Oporto; Tamara Kaminska, Directora de City of Gardens, Katowice; Peter Cusack, Londres, legendario artista sonoro medioambientalista y Alexander Meurer, Berlin, fundador del innovador sello Bohemian Drips; participaron y formaron parte de estos tres intensos días de actividad.

Patricia Raijenstein Escuela de Oficios Electrosonoros

 

Peter Cusack

 

“Creemos que en España se está generando un material artístico y unos modelos educativos guiados por artistas y organizaciones independientes a los que hay que dar visibilidad más allá de nuestras fronteras”, anunciaba en su programa la plataforma de artistas AADK.

Las jornadas dieron comienzo en el Teatro Victoria con un original y emotivo concierto de La Peña Huertana “La Capaza”, guiado por el artista sonoro gallego Nacho Muñoz. De la mano de músicos amateur de todas las edades, pudimos escuchar una deconstrucción de la jota blanqueña acompañada de música de sintetizadores, paisaje sonoro o percusión con el cuerpo. Un encuentro entre música de raíz y experimental que abre nuevos campos de creación para los intérpretes y que acerca audiencias con intereses musicales muy diversos.

 

Concierto La Capaza + Nacho Muñoz

 

El viernes se abrió la exposición en casa Jazmín, en la que se presentaban las obras de los y las artistas Lorenzo Sandoval, Pablo L. Jordán, Juliana E. Keller y el colectivo War.

En la sala 5 del Centro Negra se podían tocar las esculturas sonoras creadas en el Taller de Organología guiado por Carlos Suárez, realizados por Lola Nieto, Shakira Benavides, Paquito Nogales, Salva Alambre, Aurora Rodriguez y Patricia Raijenstein.

En el espacio 6, el punto de “Info Sónica” daba acceso al trabajo de otros experimentadores sonoros de la región como Kaverna, Salva Alambre, Beatrix, Bartolomé, La Josephine, Descendimiento, Flamante o los sellos Holy Sun Label y Vulture Culture.

Durante dos horas, Daniel Hernández, artista de la plataforma, presentaba su primera colaboración con el músico Flamante (Derek Van Den Bulcke). Daniel mostraba un trabajo con el cuerpo de deconstrucción del flamenco, género que formó parte sólida de su carrera artística, y que tras arrancarse esa práctica en busca de otros lenguajes, vuelve a él transformándolo en una expresión propia.

 

Artefactos sonoros del Taller de Organología

 

Abrió la velada la joven música berlinesa Pia Achternkamp, con una propuesta electro acústica con punteos de guitarra clásica en bucle combinado con una segunda parte puramente electrónica que nos sumió en un delicado trance. Tras la cena, el experimentado artista sonoro Carlos Suárez dió un concierto en el que sonidos de animales y su instrumento “madera y muelles” nos llevaban desde atmósferas de naturalezas lejanas a sintetizados ritmos ancestrales. La velada finalizó con un concierto de Susana López, cuya propuesta fue mantener, a lo largo de todo el concierto, un dron oscilante del que emergían múltiples matices sonoros. Los sonidos creados con sus instrumentos analógicos y sintetizadores contuvieron el aliento de quien la escuchaba.

El sábado fue un intenso día en el que los expertos invitados presentaron su trabajo y trayectoria, abordando cuestiones que van desde la educación a la creación, pasando por la por investigación, la muestra o la publicación de trabajos de experimentación sonora.

La sensación de urgencia por generar más encuentros como este en el que compartir experiencias, deseos y necesidades fue unánime.

Durante todo el día tuvimos la oportunidad de aprender de otros modelos, de visibilizar la necesidad de crear lazos profesionales y afectivos en un campo en donde -como en casi todas las artes- cada uno trabaja por su cuenta. Era increíble escuchar las dificultades que alguien con una trayectoria como la de Llorenç Barber había atravesado para legitimar otras aproximaciones al sonido que el de la música convencional. Al mismo tiempo, resultaba esperanzador ver cómo en este momento, a nivel nacional, pero en particular en la Región de Murcia, la experimentación sonora está generando una comunidad de intercambio de conocimiento con fuertes vínculos.

En uno de los intermedios, tuvimos un concierto de los niños del aula de “Escucha Activa” del programa “Sonora” dirigido por Selu Herraiz, en el que se compartía el trabajo que tanto él como la educadora Patricia Valcárcel llevan realizando con los niños a lo largo del pasado curso y de lo que llevamos de este. Un paisaje sonoro creado con objetos del entorno en el que se escuchan los unos a los otros para crear una atmósfera sonora que dejó boquiabiertos a todos los que lo presenciamos.

El segundo intermedio fue la “Siesta sónica”. Úrsula Bravo y Josman P#, en su formación WAR, hipnotizaron al público con sus atmósferas mágicas en un viaje sensorial que hacía abandonar el cuerpo.

Siesta Sónica

 

Para el cierre de las charlas, Elena Azzedin, artista de AADK y moderadora del encuentro, invitaba al público y los ponentes a “tocarla”. La artista portaba un traje de flejes elaborado por el vecino blanqueño Rafael de la Peña, al que ella incorpora un circuito que suena con el tacto. Con esta propuesta desplegaba un dispositivo de creación colectiva, en el que el cuerpo y la cercanía con los otros tomaba su lugar en este espacio de pensamiento.

Tras la cena, Lilith compartió su set “Todo gira” un trabajo conceptual sobre la dicotomía quietud-movimiento, en el que se transita del paisaje sonoro y la música de raíz a la música de síntesis. Su concierto lo cerraba con “El Punto (alrededor del cual)”, tema que invita al baile y que ya se está convirtiendo en un “hit”, algo bastante inusual en la música experimental.

A continuación pudimos asistir a una nueva propuesta de Abraham Hurtado, “Falsos Profetas”, junto al artista sonoro Selu Herráiz. Una arriesgada y conmovedora apuesta: poesía llevada al universo de la experimentación sonora, en el que cada poema era abordado con un registro diferente, envueltos en sonidos de sintetizadores, guitarra eléctrica, juegos de voz, respiración, y proyecciones de video.

Un trabajo en proceso que presentaban por primera vez y que hizo difícil mantenernos quietos en nuestras sillas cuando acababa instándonos a levantarnos y revelarnos contra lo que se espera de nosotros.
Sus poemas desgarradores y con un lenguaje de nuestro tiempo, tanto en su contenido como en su estructura, desvelaban la capacidad de este artista de transitar entre disciplinas con una destreza sobrecogedora.

Para cerrar el evento, Flamante nos puso a bailar con uno de sus sets de experimentación con flamenco, ritmos latinos y trap, con una singularidad que aporta a su trabajo un estilo propio reconocible.

Los interludios eran los momentos en los que compartir impresiones de lo sucedido, donde hablar de las situación del arte en nuestro país, donde pensar en nuevos encuentros. Esto no habría sido lo que fue si detrás de toda la organización no hubiera estado el artista más longevo en la plataforma, presente cuando Abraham Hurtado fundó AADK Spain y que fue quien una vez más elevó a arte nuestras comidas y cenas. Juan Conesa, cuya conceptualización y cuidados van desde la piel del espacio hasta nuestras tripas.

La conclusión de estos intensos días, hacer, arriesgar, intercambiar, unirnos, relacionarnos, cuidarnos, así es como cambiamos las cosas hacia unos horizontes deseables.


Prácticas Contemporáneas IV  (diciembre 2018)

Prácticas Contemporáneas es un encuentro creado por AADK Spain para analizar los modelos de producción en el arte contemporáneo, un espacio de intercambio de conocimiento y en el que generar redes. Cada año se invita a profesionales de distintas procedencias y de diversos sectores -el público, el privado y el independiente- con el fin de continuar expandiendo los circuitos para nuestros artistas por europa. Esta edición nos centramos en la performance sonora y la creación de comunidades.

Comunidades en torno al sonido
El proyecto busca generar comunidad a través de la creación colectiva y facilitar experiencias transformadoras a través del sonido. Esta edición reúne a expertos en performance y arte sonoro, así como promover el encuentro entre comunidades -artísticas y locales. Con ello, queremos visibilizar otros modelos educativos, de creación y producción de arte sonoro que AADK genera a nivel local, nacional, e internacional.

Info sónica
Durante Prácticas Contemporáneas tendremos puntos expositivos en los que conocer el trabajo de otros artistas independientes de la región de Murcia a través de sus promotores, ya sean sellos locales, creadores de eventos y festivales o espacios que programan sonido.

Artistas
Peña Huertana “La Capaza” (Blanca), Nacho Muñoz (Vigo), Pablo Jordán (Murcia), Lola Nieto (Cartagena), Lorenzo Sandoval (Berlín/Murcia), Dani Hernández (Alicante), Elena Azzedin (Murcia), Rafael de La Peña (Blanca), Abraham Hurtado (Murcia), Úrsula Bravo y Josman P# (Murcia), LOH (Berlín), Carlos Suárez (Vigo), Susana López (Murcia), Flamante Dj Set (Murcia), Selu Herraiz (Murcia) y Escuela Experimental Sonora de Blanca.

Invitados de las conferencias
Llorenç Barber -Artista Sonoro (Valencia)
Alexander Meurer -Bohemian Drips Records (Berlín)
Tamara Kaminska -City of Gardens (Katowice)
Carlos Almela -Fundación Daniel y Nina Carasso (Madrid)
Patricia Raijenstein -Escuela de Oficios Electro-Sonoros (Madrid)
Peter Cusack -Creative Research in Sound Arts Practice (Londres)
Miguel Álvarez -Director de Ars Sonora de Radio Clásica (Madrid)
Pedro Rocha -Fundación Serralves (Oporto)

Organiza: AADK Spain
Gracias a los apoyos de: Acción Cultural Española AC/E, Ayuntamiento de Blanca, Fundación Daniel y Nina Carasso
Colabora: FAIL Studio
Patrocina: Café SalzilloEstrella de Levante

 

 


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