SUMMER OPEN DOORS 12 de agosto 2017

Cine al aire libre con Nayra Sanz Fuentes

AADK Spain invita a la cineasta Nayra Sanz Fuentes a compartir y analizar parte de sus inquietudes como creadora, a través de su obra personal y de otros proyectos culturales realizados por encargo.

Podremos ver su último cortometraje “Sub Terrae”; un breve acercamiento a uno de los personajes de su largometraje “Tan Antiguo como el Mundo”, el poeta Carlos Oroza; y un trabajo en proceso que probablemente finalice durante su estancia en Blanca.

Además, queremos acercarnos a algunos de los trabajos culturales que ha llevado a cabo por encargo, una serie vídeos sobre la obra de otros artistas en los que no sólo se aprecia el tratamiento cinematográfico de cada pieza, sino también como en cada una de ellas ha logrado situarse en la mirada del retratado.

 

https://issuu.com/aadk/docs/summer_open_doors_2017_nayra


Festival Mucho Más Mayo (mayo de 2016)

La semana del 23 al 29 de mayo, AADK Spain mostrarán el trabajo realizado por los artistas en residencia, en el Festival Mucho Más Mayo, en Cartagena. Dos instalaciones en el espacio público, una video-instalación y una performance formarán parte del circuito y la programación del festival. AADK Spain promueve en los artistas la experimentación, haciendo especial énfasis en el proceso y el trabajo con el contexto.

Phoenix dactylifera. Carlos Cartama (Madrid)
Calle Balcones Azules con Calle Honda, Cartagena

La milagrosa arquitectura natural de las palmeras datileras desaparece lentamente del horizonte mediterráneo.

Este sujeto, como ningún otro, no puede escapar al destino que impone una sociedad donde lo no productivo tiene sus días contados.
Este ser que ha habitado el valle a lo largo de todo el siglo XX y comienzos del XXI, Cartama lo presenta justo antes de ser convertido en materia prima, y nos sitúa en un lugar donde no sabemos si estamos frente a un sujeto o a un objeto.

En una ciudad repleta de yacimientos arqueológicos y minada por edificios protegidos patrimonialmente, la presencia de este cuerpo yacente nos pregunta acerca de nuestra relación violenta con el medio natural  y cuestiona los criterios convencionales de conservación del patrimonio.

Blanca #01- Realidad virtual. Sergio Sotomayor (Murcia)
Sala de Temporales del Museo del Teatro Romano.

Sergio Sotomayor explora la inmensidad del mundo virtual. Este medio es una metáfora sobre la infinitud del universo y el enorme espectro de posibilidades que la vida ofrece. Si Sotomayor hubiese nacido en otra época sería escultor, pero siendo hijo del siglo XXI siente que sus herramientas no pueden ser otras que las digitales. Encuentra además en este medio la posibilidad de crear piezas que continúan cambiando, al navegar en el 3D, la obra continúa viva, generando performatividades en quienes se aproximan a ella.

Este trabajo específico es una experiencia inmersiva cuyo referente es la particular arquitectura de Blanca, lo que llamó la atención de Sergio fue el ensamblaje de materiales -huellas caóticas de acontecimientos, pruebas del tiempo y de la mano humana.
El mundo que crea aquí está compuesto por pequeñas islas urbanizadas, flotando en una materia negra. Las burbujas negras aluden a los átomos, siempre presentes en su trabajo para recordarnos que las cosas son siempre mucho más de lo que vemos.

La predominancia del blanco hace referencia a la luz y la potencia de posibilidades. La falta de presencia humana, las formas orgánicas e inacabadas de los edificios, las puertas y ventanas cerradas, crean una atmósfera inquietante que nos introduce en mundo onírico suspendido en el tiempo, donde uno no sabe si navega después de que todo haya sucedido o si todo está por suceder.

Fronteras. Pablo Linsambarth (Santiago de chile)
Pintura – Instalación (Obra procesual)
Plaza de San Francisco 22.

Pablo Linsambarth reflexiona sobre la identidad y los movimientos migratorios. Realiza un tríptico en el que utiliza muchas referencias de la historia del arte para representar la migración, la trashumancia y el éxodo.

Presenta la migración como una decisión impulsada por la búsqueda de una vida mejor, en la que a menudo las expectativas quedan truncadas y donde las posibilidades de cumplir los deseos están fuertemente ligadas al origen de las personas, expresándose en diferencias de clase o raza.

El éxodo como abandono forzoso del lugar de origen, en el que utiliza la expulsión de Adán y Eva del paraíso como imagen de lo ancestral de este acontecimiento que la historia repite una y otra vez.

En la pieza de mayor formato, lo que se presenta es la trashumancia como antigua práctica en el que el movimiento era más libre y estaba estrechamente ligado a la tierra. Esta pieza está coronada por tres estereotipos de las culturas que han configurado a la población de Blanca y de muchos otros lugares, en los que un árabe, un hispano y un mestizo soplan los vientos que han ido dando forma a nuestras sociedades actuales.

Las puertas representan las fronteras que se abren con mayor o menor facilidad para unos que para otros.

The penetrated male. Conor Baird (Glasgow)
Performance

Sala Muralla Bizantina. Sábado 28 a las 18.30h

Conor explora a través del cuerpo las emociones que el imaginario hegemónico puede producir en personas, que como él, no asumen una identidad fija y asignada que depende de algo tan aleatorio como el sexo con el que se nace. . La masculinidad es un corsé a menudo difícil de vestir. El“hombre” ha somatizado a base de patriarcado una actitud y una imagen de cuerpo impenetrable. Pero el cuerpo, independientemente de su sexo, es una estructura llena de orificios y estos orificios son puertas de acceso a la vida. A través de ellos entra el conocimiento, lo imprescindible para la subsistencia y muchos placeres.

Desde los orificios auditivos a los poros, cada hueco permite una inmensidad de experiencias que la idea de masculinidad impuesta ha sesgado. Conor se centra en el cuerpo – su vulnerabilidad, pulsiones y dependencias.

Shouldn´t cross II. Abraham Hurtado (Murcia)
Antiguo Pabellón de autopsias
Viernes 27 y sábado 28 de 20.00h a 22.00h.

Intervienen Miriam Barriga, Alberto Bódalo, Úrsula Bravo, Josman, Rubén Molina. Agradecimientos a Juan Diego Mena.

El trabajo Shouldn´t cross -consiste en rodar en espacios abandonados o en desuso con una fuerte carga de memoria emocional e histórica, trabajar con la poética de la ausencia que estos espacios emanan.

La primera de esta serie se creó durante su residencia en Press Nams de Riga, el edificio que alojaba la casa de la prensa en tiempos de la Unión Soviética.

Compone imaginando posibles situaciones del pasado del espacio y se adentra en un universo ficcional a partir del estado actual del edificio.

Para esta segunda pieza el artista genera una videoinstalación para el antiguo Pabellón de Autopsias de Cartagena.

La instalación está compuesta por varios lienzos en los que combina la presencia física y el registro fílmico de esas presencias

A Abraham le interesa este espacio para hablar sobre una generación con dificultades de encontrar una salida a sus vidas: una estabilidad económica y una carrera profesional que les haga sentir seres libres y emancipados.

Los jóvenes que aparecen pertenecen a una generación que tienen en este momento entre 20 y 30 años,  y que entiende el “futuro” como un concepto del pasado.


Ibn Arabi Film Festival (marzo de 2016)

El IBAFF inaugura este año su sección de cine experimental -comisariada por AADK Spain- y una nueva localización que descentraliza la 7 Edición del Festival internacional de Cine de Murcia incorporando la localidad de Blanca en su circuito. Esta sección tendrá lugar los días 4, 5 y 6 de Marzo en Blanca, en el Teatro Victoria, Centro Negra y Fundación Pedro Cano.

AADK Spain organiza y comisaría el ciclo de cine experimental selección realizada por Abraham Hurtado, y basado en sus tres líneas de investigación: Cuerpo, Espacialidad y Territorio.

De esta forma, muestra distintos modos de abordar estos conceptos desde el cine y distintas maneras de insertarse en el cine experimental, ya sea en su narrativa, composición y/o modos de producción.

Teatro Victoria. “Territorio”. 4 de Marzo / 21 h

AADK Spain lleva desde el 2012 trabajando sobre el territorio, invitando a artistas de todo el mundo a explorar nuestro entorno, quienes nos devuelven su particular mirada sobre el paisaje que nos rodea. Todo el rodaje de las dos propuestas se ha realizado en la región, dos historias muy distintas, que nos muestran un paisaje con un fuerte potencial poético y narrativo.

Saldremos de la crisis pero habrá que sacrificar a una generación (2016) Cortometraje. 1.55’

Creación y dirección: Silvia Rey (España)
Co-producido por AADK Spain

Sinopsis

Sacrificio: Muerte ritual en que una o más personas mueren a manos de un tercero o de una institución, generalmente siendo ofrendados a una deidad o, en términos generales, a una instancia espiritual que se considera superior en uno o más aspectos, incluso si su naturaleza es perversa.

Silvia Rey es cineasta y programadora de cine, formando parte del Documenta Madrid. Graduada en Ciencias de la comunicación audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid y Master en Documental creativo por la Pompeu fabra de Barcelona. Dios sabe (2012) es su primera película proyectada en festivales como el Festival Márgenes, FIDBA, Lima Independiente o Visual CIne Novísimo. El puerto No/Not es su segunda película y es con ella que su trabajo comienza tener un carácter más experimental y Saldremos de la crisis pero habrá que sacrificar a una generación (2016) es su último cortometraje y es la primera vez que se proyecta.

The Lost Color (2016) Largometraje. 60 min

Creación y dirección: Kris Limbach (Alemania)
Co-producida por: AADK Spain

Una pareja disfuncional de turistas intenta comprar una casa de campo, lo que les conduce hacia un mundo distópico. Aparecen oscuros personajes que les distraen de su cometido. Aparece la desconfianza, los malos entendidos y algo oculto tras los comportamientos de  la gente. A su vez un estado primitivo se va revelando, un estado pre-civilizado que se vislumbra en la oscuridad.

The Lost Color se compone como una película narrativa que abandona una y otra vez la historia en favor de puras asociaciones visuales. Christoph “Kris” Limbach (Berlin, Alemania, 1978) Artista sonoro residente en Berlín.

The Lost Color es después de “Music for dysfunctional airports”, la segunda película filmada en España que trata sobre la crisis espiritual y económica de Europa.

Limbach se licenció en física aplicada en la Universidad Libre de Berlín y su conocimiento físico se funde en su sonido y obras de arte. Su énfasis es siempre en la exploración de imagen y sonido de forma experimental. Aunque su atención se centra en el sonido, también participa en proyectos de ficción desde 1998, explorando constantemente formatos y estética del cine.

Lisa Müller Trede, Jochen Arbeit, Lea Walloschke, James Farrell, Selu Herraiz, José Hortelano Villegas

Equipo Asistente de producción y 2ª cámara: José Hortelano Villegas Diseño de vestuario y 2ª cámara: Lea Walloschke

Producción de sonido y títulos: Julia Bränzel  Diseño de Sonido: Kris Limbach Maquillaje: Jesi Hook

[Reproductor de vídeo: https://vimeo.com/140410951]

Centro Negra. “Cuerpo”. Sábado 5 de Marzo / 19.30h

En esta sección el cuerpo está representado en su amplio espectro de posibilidades, desde el cuerpo como espacio de experimentación donde el movimiento excede de lo previsible y protocolario, a la desaparición del mismo, ya sea por su vulnerabilidad como organismo que enferma como su desaparición derivada del uso de los nuevos medios -como internet- donde la identidad prescinde de la presencia corporal.

Novaciéries (2015). Cortometraje, 16’

Creación y dirección: (LA)HORDE (Canadá)

Novaciéries es una combinación de cine, performance, y cine doméstico que trasciende el cine-danza y presenta un retrato coreografiado y metafísico del mundo post-industrial a través de una reinterpretación de la danza post-internet.

(LA)HORDE (Canadá) es un colectivo de tres artistas: Marina Brutti / Jonathan Debrouwer / Arthur Harel. Desarrollan su práctica a través de la puesta en escena, el cine, video instalación, coreografía, y performance.

Director: Marine Brutti, Jonathan Debrouwer, Arthur Harel, Céline Signoret

Cinematógrafor: Kaname Onoyama; Primer asistente de cámara: Maëlle Lavillauriex; Operador Steadicam: Guillaume Quilichini; Primer asistente de director: Flore Silly; Gaffer: Hugo Paturel; Best boy: Adrien Anquetil; Editor de sonido: Baptiste Marie; Sonido: Richard Frances, Maxime Daoud, Adrien Daoud; Cantante de Ópera: Eve Coquar; Edición: Edouard Mailaender; Diseño de vestuario: Lily Sato; Gerente de la unidad: Arnaud Gaujon; Interpretación: Valentin Basset, Rodolphe Berger, Eve Coquar, Garance Coquart, Ylva Falk, Hugo Hermanvillier, Kevin Martinelli, Théo Michallet, Edgar Scassa, Loïc Vinciguerra, Nadir Zarougui. Produción: Cité Du Design, Biennale Internationale du Design de Saint-Étienne, Saint-Étienne Métropole, Commune de Saint-Chamond, (LA)HORDE.

[Reproductor de vídeo: https://vimeo.com/121694462]

“Before we go” (2014) Largometraje,  82’

Creación y dirección: Jorge León (Bélgica)

Bruselas, La Monnaie, Casa de la Ópera. Tres personas que se acercan al final de sus vidas se encuentran con coreógrafos, actores y músicos. Forman parte de una experiencia única en la que se implican música, danza y silencio. Una travesía que se convierte en un tributo a la fragilidad de la condición humana, entre realidad y representación, la tragedia del cuerpo y la libertad del espíritu. Juntos cuestionan su propia relación con la muerte.

[Reproductor de vídeo: https://vimeo.com/121694462]

BACK DOOR PARTY- IBAFF

Fiesta con DJ’S Visionario Excéntrico, visuales y Sesión golfa de cortometrajes.

Back door es un programa que inserta la cultura de Club en espacios dedicados en su mayoría al arte contemporáneo.

Es evidente que esta cultura de masas basada en la música electrónica, el diseño y la moda afectan al imaginario de la creación artística contemporánea. Del mismo modo, la intención de crear este programa es acercar el arte a otro público y que este también sea afectado, Se rompe de este modo las barreras entre una producción destinada a espacios institucionales y público especializado, y se pone en valor el repertorio tanto sonoro como visual que se crea para estos otros espacios que están abiertos a un público más amplio.

Sesión Golfa 23h

Para esta sesión se han seleccionado una serie de propuestas  que amplían o desplaza los límites del lenguaje audiovisual y los canales de  muestra convencionales,  utilizando internet como espacio de exhibición, libres y accesibles a cualquier usuario.

Jonas Bang & Søren Rye (Dinamarca); Julian Rosenfeldt (Germany) ; Alessandro Inglima (Italia); Alex Pachón  (España). Por otra parte hay una selección de videos que siendo videoclips o videos realizados para el mundo de la moda tienen un fuerte carácter cinematográfico y/o experimental . Fashion / cinematográfico; Heidi kumao; Kevin Frilet; Ivory ; Tiga Bugatti ;Mali Lazell – Mad Dinassen; Nick Knight / Amanda Harlech

Fundación Pedro Cano. “Espacialidad”. Domingo 6 de marzo / 12h

Entendemos como espacialidad la relación que se establece entre los individuos en los modos de ocupar el espacio.

En ambas piezas, el espacio no es sólo un contenedor sino  un escenario que potencia un comportamiento u otro entre los individuos que habrán de habitarlo.

REARRANGED (2014). Cortometraje,  9.39 min.

Creación y Dirección: Ewa Górzna (Polonia)

Rearranged es un lento viaje que fluye a través del espacio sometido a una transformación inesperada. Revela un momento surrealista cuando lo salvaje entra en la reordenación convencional, el orden establecido de acuerdo a las reglas se somete a una turbulencia sin restricciones.

Ewa Górzna (1982. Polonia) es una artista visual que trabaja en el campo del a imagen en movimiento. Realiza cortometrajes, así como videoinstalaciones multicanal.

Completó el Master del Grado de Bellas Artes en la Universidad Nicolaus Copernicus de Toruń, Polonia, y en La Academia de Bellas Artes FInlandesa en Helsinki. Sus trabajos han sido mostrados y premiados en distintas exposiciones y festivales de cine.

Actualmente vive y trabaja en Helsinki. Directora, guionista y  editora:  Ewa Górzna Cinematógrafa: Katarzyna Miron Productora: Ewa Górzna

La Ciudad del Trabajo (2015). Largometraje,  61.24 min.

Creación y Dirección: Guillermo G. Peydró (España)

La Universidad Laboral de Gijón es, junto al Valle de los Caídos, el mayor ejemplo de arquitectura monumental durante la autarquía franquista. En este “laboratorio socio-pedagógico” se ponía en acto, bajo la forma de un internado para mil niños, la deseada forma futura del Nuevo Orden. A través de fragmentos de audio apropiados del cine de las dos primeras décadas de dictadura, este film ensaya formas complementarias con las que revelar las implicaciones de este edificio-ciudad, su ambigua ubicación entre la utopía y la distopía y su arquitectura única, a caballo entre Piero della Francesca y Piranesi.

Guillermo G. Peydró (Madrid, 1981) es cineasta y doctor en Historia del Arte, programador del festival internacional Punto de Vista, y asesor externo del Museo de Arte Moderno de México DF (MAM). En su tesis analiza las formas de diálogo crítico entre el cine y las artes visuales, así como sus aplicaciones estéticas, académicas, políticas. Autor de una decena de cortometrajes sobre arte, su primer largometraje, La Ciudad del Trabajo, se estrenó en el festival FID Marseille 2015.

www.guillermopeydro.com

[Reproductor de vídeo: https://vimeo.com/129221318]


Back to life

Blanca, una pequeña población sita a los pies de la volcánica roca La Peña Negra, está reinventando parte de su estructura, impulsada por la plataforma artística AADK Spain. Este proceso consiste en redescubrir el potencial de un área abandonada. El taller Back to life, es un paso para seguir desarrollando este impulso, pensado desde diferentes campos y perspectivas.

El taller es una experiencia de diez días de convivencia en el Centro Negra y constante intercambio en el que ambos —participantes y tutores— pensarán y crearán la transformación de un espacio.

20 participantes internacionales, de diversos campos creativos, trabajarán sobre la zona urbanizada que se encuentra bajo las empinadas rocas de la Sierra del Solán. Un conjunto de arquitecturas informales que sirvieron originalmente como “área de sustento”, mayoritariamente utilizadas como corrales y casas de aperos. Estas estructuras están hoy abandonadas casi por completo y en distintos estados de degradación.

La exploración espacial se desarrollará a través de diversos laboratorios y acercamientos: construcción, cartografía, pasaje, derivas, performance, formato fílmico, gente, vegetación.

Arquitectos invitados: Thilo Folkerts (Berlin-100Landschaftsarchitektur) y Enrique Nieto (Universidad de Alicante).
Monitores: siete monitores internacionales y de distintas disciplinas, junto a los miembros de equipo de AADK Spain —expertos en el contexto.

Fechas: Del 5 al 15 septiembre 2016


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