Nuestra edición de Estudios Abiertos de agosto se realizará el día 24, a las 21:00 pm. Allí podrán recorrer los trabajos de Julia Catherine Ruzyczka de Rosenwerth (Ciudad del Cabo), Elizabeth Neira (Valparaíso), Rachel Button Rymont y Melissa McCutcheon (Isla Mercer, Washington) quienes compartirán el progreso de sus investigaciones junto con Rebecca Gill (Glasgow) quien presentará las conclusiones de sus estadía en Blanca.

Rebecca Gill (Glasgow)

La práctica artística de Rebecca abarca la imagen en movimiento, el sonido, la electrónica generativa, la escritura, la codificación, las instalaciones y la bio-fabricación. Su obra se cuestiona los aspectos filosóficos, políticos y científicos de la investigación y el pensamiento interdisciplinarios, e intenta combinar las sensibilidades creativas con los procedimientos de análisis científico. A través de sus obras, Rebecca intenta comprender el papel que desempeñan los organismos del cuerpo en las experiencias colectivas de precariedad contemporánea. Esto se manifiesta a través de trabajos generativos que responden a sitios conceptuales o marcos de investigación tales como los métodos periféricos de interacción con el espacio sin cuerpo, el pensamiento sistémico, la ecología, la biología entre otros ámbitos científicos, y la ubicación de la agencia dentro de las instituciones.

A principios de este año, Rebecca fue oradora invitada en los dos primeros grupos de lectura «Biosystems» del Art + Ecology Collective en la Biblioteca Glasgow Zine. Además, ha trabajado en colaboración con científicos para Pint of Science 2018 y 2019, y en una micro-residencia con el Grupo de Investigación de Futuros Injustos de la Energía de la Universidad de Edimburgo en Dovecot Studios. 

Recientemente, ha expuesto en el espacio 4/4 Collective, Nottingham en un proyecto colaborativo de larga data que busca la toma de posesión de la ciudad en manos de artistas jóvenes del Reino Unido.

Este mismo trabajo ha sido expuesto en 2019 en el Tramway de Glasgow. Se graduó de GSA en junio de 2019.

Julia Rosenworth (Ciudad del Cabo)

Julia de Rosenwerth es artista y diseñadora web, nativa de Sudáfrica. Estudió danza contemporánea en la Universidad de Ciudad del Cabo y se especializó en Coreografía y Filosofía. Después de graduarse en 2015, comenzó a trabajar como artista independiente. Actualmente es bailarina de flamenco y parte de la compañía  ‘Tierra Flamenca’, dirigida por Che Adams. Ha crecido apasionada por la música, la colaboración en la danza, la conexión y la conversación, siendo este el tema principal de sus investigaciones. En los años más recientes, Julia se ha aventurado en el mundo de la improvisación musical y la performance de danza. Percibe ambas como una herramienta potente para explorar la inmediatez, la transformación y la presencia. Recientemente ha co-fundado la organización artística ANY BODY ZINE que apoya a artistas independientes. Además, creó y produjo actuaciones improvisadas con la bailarina Adriana Jamisse (Mozambique) y Kerim Becker (Alemania), y curó un festival de música y danza en Ciudad del Cabo invitando a artistas que trabajan con las tradiciones de la danza folclórica a realizar presentaciones, talleres y debates. Julia también ha sido parte del proyecto de interpretación en curso titulado ‘Music Dance 021’, centrado en la relación entre sonidos y movimientos.

Elizabeth Neira (Santiago de Chile)

Elizabeth Neira es Licenciada en Comunicación Social, escritora, artista de performance y productora. Desde el año 2000 ha desarrollado un trabajo transdisciplinario donde fusiona la poesía, el arte de  acción, el activismo, la música, el video y la producción de arte independiente. Con esta propuesta ha participado en festivales de poesía y performance en Chile, Perú, Argentina, México, Guatemala, Honduras, El Salvador, Colombia, Ecuador, Venezuela, Brasil, República Dominicana, Canadá, España, Finlandia y Suecia.

Su literatura ha sido publicada en numerosas revistas y antologías de habla hispana. Entre otros, ha publicado los libros “Abyecta” (2003), “El soliloquio de la Reyna” (2004), “La Flor” (2014), “Hago el amor conmigo misma” poesía seleccionada (2017) y el libro de ensayos “Hocicona” (2017).

Neira ha realizado talleres de poesía y de arte de acción en varios países de América Latina. También ha organizado varios encuentros de poesía y performance como productora de arte independiente y desde el 2016 coordina el proyecto CasAcción en Valparaiso Chile.

Actualmente su trabajo está orientado hacia prácticas de feminismo descolonial con un fuerte acento en las transdisciplinas como zona de investigación.

Rachel Button Rymont y Melissa McCutcheon (Washington y Maryland)

Rachel Button Rymont y Melissa McCutcheon colaboran en un dúo interesado principalmente en explorar el absurdo y el desplazamiento dentro de la experiencia humana. Rachel obtuvo su BFA de la Escuela de Arte del Instituto de Maryland, y Melissa obtuvo su MFA de la Universidad de Washington en St. Louis. Rachel se ha presentado en el Festival Fringe de Charm City y recientemente fue aprendiz en la residencia Lugar a Dudas en Cali, Colombia. Melissa es profesora de Bellas Artes y ha realizado numerosas residencias a nivel nacional e internacional, incluida la Colonia Millay en Austerlitz, Nueva York y la Fundación Casa Tres Patios en Medellín, Colombia.

Nathalie Rey

«Nathalie Rey es una artista francesa afincada en Barcelona desde 2006. Tuvo un largo recorrido académico en el ámbito de las Humanidades, con un título de arquitecta, un grado de Literatura y un grado superior de Artes Plásticas, antes de dedicarse a la creación artística. En la actualidad, trabaja con galerías de Barcelona, Madrid y Londres. Su obra, ecléctica a nivel de técnica, sigue una especie de hilo narrativo desde hace años, que oscila entre episodios de la Historia más o menos contemporánea y acontecimientos de la vida de la propia artista. Así se va generando un paralelo turbador entre los dramas de la Humanidad y las heridas individuales.

A la vez, adopta una postura anti-mercantil, ya que relata y expresa, por medio de una irónica estética pop un tanto Kitsch cuanto elegante, caracterizada por el re-utilizo artístico de desechos y materiales de origen industrial, la atracción/repulsión que le generan las tragedias humanas y ecológicas inherentes a nuestra sociedad.»


El 27 de julio a partir de las 21:00 hs. llevamos a cabo nuestros Estudios Abiertos. Como cada mes, los invitamos a visitarnos en Centro Negra para conocer el trabajo de nuestros actuales artistas en residencia. Durante Julio, expondrán sus proyectos Rebecca Gill (Glasgow), Paula Sanchez (San Juan), Javier Garló (Mallorca), Deni Javas (Savannah, Georgia), Leonie Mhari (Edimburgo / Glasgow) y Nora Chuff (Nueva York / Boston).

A través de múltiples soportes y disciplinas, sus trabajos investigan las nociones de cuerpo, territorio y espacialidad, atravesados por el contexto rural de Blanca. 

Paula Sanchez (Basel)

Paula Sanchez was born in San Juan, Argentina, where she studied cello and classical music. Very early in her career she began to be interested in the crossover between different artistic media such as photography, video, painting and sound. For many years she developed her artistic and research work with the Ob Caenum artists collective, involved in experimental theater. She has been involved in many artistic projects such as theater pieces and performances. Her work explores the relations between sound, body and spatiality. She is currently living in Switzerland, where she is a masters candidate in free improvisation, experimenting on the performativity of sound. 

Rebecca Gill (Glasgow)

La práctica artística de Rebecca abarca la imagen en movimiento, el sonido, la electrónica generativa, la escritura, la codificación, las instalaciones y la bio-fabricación. Su obra se cuestiona los aspectos filosóficos, políticos y científicos de la investigación y el pensamiento interdisciplinarios, e intenta combinar las sensibilidades creativas con los procedimientos de análisis científico. A través de sus obras, Rebecca intenta comprender el papel que desempeñan los organismos del cuerpo en las experiencias colectivas de precariedad contemporánea. Esto se manifiesta a través de trabajos generativos que responden a sitios conceptuales o marcos de investigación tales como los métodos periféricos de interacción con el espacio sin cuerpo, el pensamiento sistémico, la ecología, la biología entre otros ámbitos científicos, y la ubicación de la agencia dentro de las instituciones.

A principios de este año, Rebecca fue oradora invitada en los dos primeros grupos de lectura «Biosystems» del Art + Ecology Collective en la Biblioteca Glasgow Zine. Además, ha trabajado en colaboración con científicos para Pint of Science 2018 y 2019, y en una micro-residencia con el Grupo de Investigación de Futuros Injustos de la Energía de la Universidad de Edimburgo en Dovecot Studios. 

Recientemente, ha expuesto en el espacio 4/4 Collective, Nottingham en un proyecto colaborativo de larga data que busca la toma de posesión de la ciudad en manos de artistas jóvenes del Reino Unido.

Este mismo trabajo ha sido expuesto en 2019 en el Tramway de Glasgow. Se graduó de GSA en junio de 2019.

Javier Garló (Palma de Mallorca)

Javier es un artista multidisciplinar iniciado en el graffiti en los años noventa y formado en ilustración en la Escola d’Arts i Superior de Disseny de les Illes Balears.

Su obra se apoya principalmente en la figura humana y en los objetos que nos hablan de ella, de su historia e historias atemporales. La estética de Garló está plagada de simbolismos y personajes mediante los cuales el propio autor intenta ubicar su visión dentro de la realidad del S. XXI

En sus propias palabras, Garló intenta «alejarse de un discurso de lo correcto y lo incorrecto» y, por el contrario, sustituirlo por cierta crudeza que considera más cercana a la realidad.

Actualmente, Javier investiga y experimenta con materiales naturales, herramientas y técnicas de antaño que han definido la labor de las personas en el ámbito rural. Sus piezas nos remiten a rituales ancestrales en un intento por reconectarnos con el pasado y revalorizar el status de los pobladores de nuestras tierras.

Deni Javas (Savannah, Georgia) 

Deni Javas es licenciada de la Universidad de las Artes de Filadelfia, Pensilvania y posee una maestría de la Escuela de Artes Visuales de la universidad de Nueva York, NY. Durante veinte años se desempeñó como ilustradora y diseñadora en Nueva York y luego en Santa Fe, Nuevo México, donde diseñó empaques de ediciones limitadas y piezas para publicidad. Luego de cuatro años de enseñar en Hong Kong, Deni regresó a los Estados Unidos. Actualmente es profesora en la Escuela de Arte y Diseño de Savannah. En su práctica artística, Deni recurre a plantas no nativas (invasoras) como un exponente de migración y adaptabilidad que encuentra intrínsecamente relacionado a su experiencia de integración en nuevos lugares. Debido a las migraciones frecuentes que Deni ha experimentado a lo largo de su vida, su trabajo reflexiona sobre los modos de conectarse a los lugares en los que uno habita, a sus orígenes y a la tierra en la que vive.

Su trabajo intenta comprometerse con el paisaje para explorar un entorno similar al de su hogar en Nuevo México. Para Deni, las plantas se perciben como algo en reposo o autocontenido, pero sin embargo muchas cosas suceden debajo de la superficie. Este componente oculto hace referencia a vías o canales que conectan de lugar con otro -por ejemplo Nuevo México y España- que la artista evidencia a través de hilos juntos conectores en sus piezas. 

Leonie Mhari (Edimburgo/Glasgow)

En 2016, Leonie completó sus estudios de doctorado enfocados en la toponimia de Berwickshire, con un particular interés por los paisajes litorales; desde entonces ha desarrollado sus prácticas creativas en torno al paisaje. Formada en estudios de idiomas, Leonie ha ampliado sus intereses sobre la percepción de las características topográficas hacia la performatividad y las narrativas del paisaje. Completó un Máster en Arquitectura del Paisaje en el Colegio de Arte de Edimburgo (2018), durante el cual desarrolló prácticas experimentales de trabajo de campo y amplió su enfoque analítico para investigar las relaciones performativas entre actantes humanos y no humanos. Un enfoque de «hacer con» sustenta su metodología. En la escala 1:1, así como en las escalas micro y macro, se pregunta sobre cómo los participantes desempeñan en dinámicas entrelazadas y sucesivas. Para interrumpir y distorsionar las narrativas lineales, recurre a la teoría feminista y queer, e intenta imaginar espacios con futuros feministas, queer y post-masculinistas. Actualmente está trabajando en la performatividad del agua en paisajes, explorando el hidro-feminismo y la intemperie según lo postulado por Neimanis y Hamilton (2018). Está interesada en cómo el agua influye en las narrativas del lugar y las relaciones de sus habitantes y en una gama de escalas.

Nora Chuff (New York/Boston)

Nora Chuff is an artist and Master of Landscape Architecture candidate at Harvard Graduate School of Design. Having studied art and art history at New York University, she has worked at Ogilvy Consulting, the Metropolitan Museum of Art and the Richard Avedon Foundation. Nora grew up in New York City and has also spent a significant amount of time in rural Pennsylvania.  The exposure to both lifestyles has inspired her interest in urban landscapes. She is interested in intersections between fine art and architecture, built and natural environments, and between design and neglect. Nora values materials and small-scale details, even on large-scale projects. She endeavors to design with sensitivity to historical and political context, as well as considering both official and unofficial uses.

 


Los estudios abiertos de abril tendrán lugar el día 27 de Abril a las 20.30 en donde podremos ver los trabajos de Iryna Vorona (Kiev), Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam) y Florian Braakman (Velp / Rotterdam), Jo Lorente (Mazarrón / Laeken, Bruselas) y Joong Yong Kim (Seúl / Berlín) y Mijin Hyun (Seúl / Berlín).

 

 

Iryna Vorona (Kyiv)
Con base en Ucrania, Iryna Vorona es una artista visual contemporánea con un estilo muy particular. Nacida en 1987 en Kiev, Ucrania, tiene un máster en Bellas Artes de la Academia Nacional de Bellas Artes y Arquitectura, Kiev, incluida una beca en la Academia de Bellas Artes de Zagreb.

En 2019 recibió la subvención presidencial de Ucrania para su proyecto «Qr truth».
En 2018 se le otorgó el premio de arte del jefe de administración de Kiev por un registro especial de logros en el desarrollo de la capital de Ucrania: Kiev. Durante los últimos dos años ha estado trabajando en proyectos en Finlandia (Kulttuuri Kauppila International Artist Residency), Croacia (programa Erasmus +) y Noruega (KHMessen International Artist Residency).

Su investigación artística de los últimos tres años se ha basado en analizar cómo se combinan arte y tecnología. En el encuentro entre arte y ciencia pueden surgir nuevos cimientos. Desde hace un tiempo los medios plástico tradicionales no le resultan suficientes para expresar lo que realmente quiere, y el modo en que desea llegar a la gente a través de su trabajo.
Con las tecnologías de la luz parece haber encontrado un camino más satisfactorio. Su último proyecto, «Insight», trata sobre la forma tradicional del arte, creado de una forma no tradicional, una visión directa de la realidad sobrenatural y una conexión entre el arte y la ciencia.

El proyecto se implementa en el marco del Programa Puentes de Cultura. Culture Bridges está financiado por la UE y gestionado por el British Council en asociación con la red de los Institutos Nacionales de la Cultura de la Unión Europea (EUNIC) en Ucrania.

 

 

Jo Lorente (Mazarrón / Laeken, Brussels)
Explorador de arte, Jo Lorente es una artista multidisciplinar.
Como artista plástica, asocia la pintura a otras disciplinas artísticas: canto, baile, laúd, artes escénicas, teatro de títeres, modelado en arcilla, películas animadas y videos. Combinando diferentes modos de expresión, viaja en un universo rico y ecléctico.

Desde 2001 ha sido también pedagoga, animadora sociocultural y fue galardonada en 2012 con el Premio Courbet, que recompensó la dimensión social de su trabajo.

Ha participado en numerosas exposiciones de arte, concretamente en la “Sala Milice” del Ayuntamiento de Bruselas (Grand-Place) con una exposición individual con motivo del evento “Parcours d’Artistes” (la “Ruta de los artistas”).

En este momento, tiene presencia en ferias internacionales de arte contemporáneo y otros eventos culturales importantes. Expone en París, Cannes, Mónaco y Madrid, en colaboración con la Galería Gaudí en Madrid, Multi Art Events y el Club des Ateliers d’Artistes. Una exposición permanente de su trabajo se puede ver en el «Estudio Céramuze» en Bruselas.

Para el placer de los sentidos, Jo Lorente ha desarrollado una técnica pictórica original basada en cera natural utilizada en diferentes tipos de soportes.
En su investigación pictórica, los temas tratados son la expresión de la imaginación pura.
Los diseños gráficos revelan su mundo onírico en el lienzo. Ella llama a este período: Códice gráfico del inconsciente «.

Nacida en la región de Murcia, España, ahora vive en Laeken, Bélgica.

 

 

Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam)
El trabajo de Sarah se origina en escenas de la vida cotidiana, donde todos interactúan entre sí de forma inconsciente. Sarah captura los aspectos “marginales” de nuestra sociedad. Por ejemplo: cómo las personas se presentan en el espacio público y las huellas que dejan en él. Encuentra fragilidad y el simbolismo de cómo el comportamiento humano está influenciado por el tiempo y la rutina.

Nació en 1993 en Madrid (España) hija de padre español y madre holandesa, en 2012 se mudó a Rotterdam para estudiar en WDKA, donde se graduó en 2016 con su proyecto “Mirando sin ver”, una instalación de video y sonido en la que exploró su relación con las imágenes contemporáneas.

Su herencia de dos culturas diferentes siempre han alimentado su trabajo. Desde su partida a los Países Bajos, ha prestado especial atención a la grabación de su vida diaria tanto en los Holanda como en España.
Busca intuitivamente las diferencias culturales y las similitudes de estos dos países. Actualmente vive y trabaja en Rotterdam.

Gastos de viaje soportados por CBK en Rotterdam

 

 

Florian Braakman (Velp / Rotterdam)
Florian Braakman es un fotógrafo documental autónomo cuyo trabajo consiste en series de imágenes fotográficas. A través de una relación personal con la temática de su trabajo que se centran especialmente en el concepto de “vecindario”, está interesado en abordar temas universales, sociales y culturales más amplios. En holandés, el término “buurman” (vecino) es una jerga utilizada para saludar a las personas que te rodean.

Utiliza la fotografía como un medio para relacionarse con las personas, de cuestionar el mundo y de entender el ritmo acelerado de nuestra “realidad” cotidiana. Sus fotografías se presentan principalmente en series, lo que permite que las imágenes puedan conversar entre sí en formato de publicaciones e instalaciones.

En 2013, se graduó en la Real Academia de Arte de La Haya con el proyecto “She Comes in Colors”, que más tarde tomó forma como libro. Actualmente, trabaja en el proyecto a largo plazo “Delfshaven’s Finest”, en el vecindario social y culturalmente diverso de Rotterdam, donde ha vivido desde 2013. De este proyecto surgió el trabajo In Between Homes, en el que viaja con sus vecinos a su país. de origen.

Creció en una ciudad llamada Velp, cerca de Arnhem, en el este de los Países Bajos, y luego a la edad de veinte años se mudó a La Haya para estudiar fotografía en la Royal Academy of Arts. Durante ese tiempo también hizo una pasantía en Berlín, Alemania durante 6 meses. Después de graduarse, se mudó a Rotterdam, donde vive desde entonces.

La residencia en AADK está financiada por la Fundación Mondriaan

 

 

Joong Yong Kim (Seúl / Berlín)
Joong Yong Kim es originario de Corea del Sur, donde comenzó una educación artística tradicional en escultura. Frustrado por las limitaciones de una educación de base técnica, quería seguir pensando sobre el arte en sí mismo, por lo que dejó su maestría y se mudó a Berlín para explorar la visión del arte desde diversas perspectivas en una escena artística diferente.

Desde entonces, su acercamiento al arte continúa evolucionando. Interesado en un comienzo en la expresión artística y sus logros técnicos, de un tiempo a esta parte su interés ha derivado en tratar de entender cuáles son los procesos de producción arte y cómo funciona el aparato que transforma algo en arte. Tratando de mantener una actitud y perspectiva observadora y objetiva, investiga y empuja de forma lúdica los límites del contexto, las instituciones, las escenas y las convenciones sociales en las que se hace, distribuye y consume el arte.

Mijin Hyun (Seúl / Berlín)
Mijin Hyun está interesada en las situaciones relacionadas con el arte, donde el público entra en un espacio e interactúa con una obra. Para ello utiliza diversos medios como sonido, video o performance. Espera investigar la relación entre la mercancía y la obra de arte, especialmente enfocándose en artículos del hogar o interiores, como puertas, suelos, muebles, etc. Conecta los objetos cotidianos y su uso en el contexto del museo o la galería de arte, y explora los elementos arquitectónicos, ya que la espacialidad juega un papel importante en la percepción de la audiencia.


Estudios Abiertos Marzo 2019

El próximo 23 de marzo a las 20:30h, AADK abre las puertas del Centro Negra, en donde os invitamos a conocer de cerca los procesos de Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam) y Florian Braakman (Velp / Rotterdam), Ping Zheng (Provincia de Zhejiang / Nueva York), Soeine Bac (Seúl / Vancouver) y Joong Yong Kim (Seúl / Berlín) y Mijin Hyun (Seúl / Berlín), los artistas en residencia del mes de marzo.

Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam)
El trabajo de Sarah se origina en escenas de la vida cotidiana, donde todos interactúan entre sí de forma inconsciente. Sarah captura los aspectos «marginales» de nuestra sociedad. Por ejemplo: cómo las personas se presentan en el espacio público y las huellas que dejan en él. Encuentra fragilidad y el simbolismo de cómo el comportamiento humano está influenciado por el tiempo y la rutina.

Nació en 1993 en Madrid (España) hija de padre español y madre holandesa, en 2012 se mudó a Rotterdam para estudiar en WDKA, donde se graduó en 2016 con su proyecto «Mirando sin ver», una instalación de video y sonido en la que exploró su relación con las imágenes contemporáneas.

Su herencia de dos culturas diferentes siempre han alimentado su trabajo. Desde su partida a los Países Bajos, ha prestado especial atención a la grabación de su vida diaria tanto en los Holanda como en España.
Busca intuitivamente las diferencias culturales y las similitudes de estos dos países. Actualmente vive y trabaja en Rotterdam.

Gastos de viaje soportados por CBK en Rotterdam

Florian Braakman (Velp / Rotterdam)
Florian Braakman es un fotógrafo documental autónomo cuyo trabajo consiste en series de imágenes fotográficas. A través de una relación personal con la temática de su trabajo que se centran especialmente en el concepto de «vecindario», está interesado en abordar temas universales, sociales y culturales más amplios. En holandés, el término «buurman» (vecino) es una jerga utilizada para saludar a las personas que te rodean.

Utiliza la fotografía como un medio para relacionarse con las personas, de cuestionar el mundo y de entender el ritmo acelerado de nuestra «realidad» cotidiana. Sus fotografías se presentan principalmente en series, lo que permite que las imágenes puedan conversar entre sí en formato de publicaciones e instalaciones.

En 2013, se graduó en la Real Academia de Arte de La Haya con el proyecto “She Comes in Colors”, que más tarde tomó forma como libro. Actualmente, trabaja en el proyecto a largo plazo “Delfshaven’s Finest”, en el vecindario social y culturalmente diverso de Rotterdam, donde ha vivido desde 2013. De este proyecto surgió el trabajo In Between Homes, en el que viaja con sus vecinos a su país. de origen.

Creció en una ciudad llamada Velp, cerca de Arnhem, en el este de los Países Bajos, y luego a la edad de veinte años se mudó a La Haya para estudiar fotografía en la Royal Academy of Arts. Durante ese tiempo también hizo una pasantía en Berlín, Alemania durante 6 meses. Después de graduarse, se mudó a Rotterdam, donde vive desde entonces.

La residencia en AADK está financiada por la Fundación Mondriaan

Ping Zheng (Zhejiang Province / New York)
Nacida en Zhejiang Provence, China, Ping creció en una familia patriarcal tradicional bajo la restricción de la política del hijo único del gobierno. Ella describe la naturaleza como el refugio de su infancia, ya que vivió en muchas regiones geográficas diferentes, rodeada de entornos naturales de marcado contraste.
Como artista, su inspiración bebe de los paisajes naturales, donde se siente libre y en paz como un ser libre, lejos de las presiones familiares.

Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Estudia en el extranjero, en Londres. En los Estados Unidos generó una conciencia sobre la igualdad de género como el corazón de los problemas sobre los derechos humanos que conforman su mundo. Tomó conciencia de las muchas contribuciones de las mujeres en Occidente y comenzó a expresar el feminismo en su práctica artística.

Ping Zheng está interesada en el Subconsciente, con un enfoque particular se aproxima al arte como un medio de desarrollo personal. Su obra se mueve entre lo figurativo y lo abstracto, funciona como metáfora de la energía y las posibilidades ilimitadas que surgen de la libertad artística y su apasionada creencia en la igualdad, tan amplia como el deseo de expandir sus horizontes.
A través de su impresionante efecto, la naturaleza siempre evocó los recuerdos de paisajes naturales de su infancia y le dio un renovado sentido de autodescubrimiento.

Soeine Bac (Seúl / Vancouver)
Soeine Bac estudió fotografía y arte interactivo en Canadá, y Cultura Visual en Londres, Reino Unido. Soeine Bac se centra principalmente en la intención en el arte; la improvisación se convirtió en su método para fusionar el arte visual y el movimiento, y comenzó a incorporar la instalación y la performance contextual.

Organizó jams de baile en Seúl, Corea, de 2014 a 2016. En 2015 y 2016, actuó en el Festival Internacional de Danza de Improvisación de Seúl. También ha realizado residencias artísticas en 2015 y 2016, ‘Nature Art’.
En 2017 fue invitada a realizar talleres de movimiento para el festival anual Stazione di Topolò en Italia, y trabajó sobre el tema de naturaleza y seres humanos para el Vines Art Festival en Vancouver, Canadá. En 2016, estudió yoga budista zen para meditación en Corea para comprender mejor la mente en el acto de improvisación. Desde entonces, se ha interesado en el aspecto espiritual del arte y en cómo se revela ante la vida.

Actualmente su foco se encuentra en las relaciones entre el cuerpo y el mapeo. Interesada en identificar el sentido del yo en relación con la forma en que percibimos los aspectos culturales y geográficos de nuestro entorno.

Reconocemos el apoyo del Consejo Canadiense de las Artes

Joong Yong Kim (Seúl / Berlín)
Joong Yong Kim es originario de Corea del Sur, donde comenzó una educación artística tradicional en escultura. Frustrado por las limitaciones de una educación de base técnica, quería seguir pensando sobre el arte en sí mismo, por lo que dejó su maestría y se mudó a Berlín para explorar la visión del arte desde diversas perspectivas en una escena artística diferente.

Desde entonces, su acercamiento al arte continúa evolucionando. Interesado en un comienzo en la expresión artística y sus logros técnicos, de un tiempo a esta parte su interés ha derivado en tratar de entender cuáles son los procesos de producción arte y cómo funciona el aparato que transforma algo en arte. Tratando de mantener una actitud y perspectiva observadora y objetiva, investiga y empuja de forma lúdica los límites del contexto, las instituciones, las escenas y las convenciones sociales en las que se hace, distribuye y consume el arte.

Mijin Hyun (Seúl / Berlín)
Mijin Hyun está interesada en las situaciones relacionadas con el arte, donde el público entra en un espacio e interactúa con una obra. Para ello utiliza diversos medios como sonido, video o performance. Espera investigar la relación entre la mercancía y la obra de arte, especialmente enfocándose en artículos del hogar o interiores, como puertas, suelos, muebles, etc. Conecta los objetos cotidianos y su uso en el contexto del museo o la galería de arte, y explora los elementos arquitectónicos, ya que la espacialidad juega un papel importante en la percepción de la audiencia.


Estudios Abiertos febrero ’19

Los Estudios Abiertos de febrero tendrán lugar el día 23 a las 20:30h en donde podremos ver los trabajos de Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands), Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands), Anneloes Gerdien (Utrecht), Raquel Meyers (Cartagena), Glory Nkembo Moswala (Kinshasa), Ash (Ashley) Witham (Los Angeles/Berlin) y Myriam Gras (Tilburg) en Centro Negra.

 

Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands) y Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands)

-Edward Johansson
Desde 2014, Edward dirige su propio estudio de grabado, Ahvaland, en el que desarrolla tanto trabajos personales como encargos.
El estudio está equipado para impresión tipográfica en Heidelberg y con una imprenta Vandercook, y hay una sección de “intaglio” para la impresión de planchas de cobre. Le encanta desafiar sus habilidades y experiencia con nuevas ideas y colaboraciones. Su trabajo tiende a existir en el límite entre arte, la artesanía y el diseño.

2009 Licenciado en Diseño Gráfico, Central Saint Martins, Londres. 2012 MRes Design, Goldsmiths, Londres

-Minna Öberg
Los estudios de Minna consisten en una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Nova de Ciencias Aplicadas y un Master en Arte y Diseño de la Universidad Metropolitana de Cardiff. Una de sus experiencias artísticas más relevantes ha consistido en formar parte de la red B7, que incluye las siete islas más grandes del Báltico, donde tiene la oportunidad de desarrollar obras de “arte en contexto” en todas las islas.

Residencia apoyada con una beca de movilidad por la Delegación de Cultura Alands

 

Anneloes Gerdien (Utrecht)
«Como niña solía vivir en el campo holandés. Crecí en un entorno rural cercano a la naturaleza, donde vivir afuera, la vida simple, el silencio, la construcción y la reutilización son los principales factores de la vida diaria. Este estilo de vida simplificado es una de esas cosas que siguen siendo valores fundamentales que llevo conmigo en mi proceso artístico e investigación «.

Estructuras orgánicas – · Elementos deconstruidos – Contrastes y tabúes – · Entorno y superficies

Gerdien van der Vinne (1993) de Anneloes es una artista interdisciplinar que trabaja en los campos de la pintura, el dibujo, la metalurgia ligera, y combina el periodismo visual dentro del procesos de creación.
En sus diarios visuales, dibujos, paneles y joyas, expresa su fascinación por la evolución natural y las emociones que ocurren en su vida diaria. Ella refleja este pensamiento a lo largo de todo su cuerpo de trabajo, inspirado en las estructuras orgánicas que nos rodean. Considera el potencial de crecimiento y usa su intuición para compartir el valor de cada objeto.

Procedente de los campos de la moda, la cultura visual y la teoría, se esfuerza por crear productos finales tangibles en los que el crecimiento y la experimentación sean visibles. En el interior de su trabajo los entornos desconocidos son puntos de partida que le generan la urgencia de salir a encontrarse con situaciones impredecibles. Observar de cerca desde una mirada filosófica y antropológica y absorber los comportamientos naturales de los entornos es lo que Anneloe quiere revelar en sus piezas. Esto le aporta nuevos incentivos, con procesos impredecibles y una mayor profundidad a sus resultados.

Anneloes Gerdien tiene su sede principal en Utrecht, Países Bajos.

 

Raquel Meyers (Cartagena)
Artista multidisciplinar que define su práctica como mecanografía expandida (KYBDslöjd). Una fábula contemporánea con tecnologías del pasado tejida con el ordenador Commodore 64 y el parpadeo de las líneas verticales del teletexto. Un mundo de criaturas míticas y aventuras oníricas donde reina la calma y la temeridad. Fotograma a fotograma, símbolo a símbolo, propone un descenso al país de las maravillas donde el tiempo se detiene y el caos reina.

Desde 2004 su trabajo ha sido mostrado en centros de arte, galerías y festivales como Transmediale, LABoral, Xpo Gallery, La Casa encendida, BilbaoArte, iMAL, Liste Art Fair Basel, The Wrong, La Gaîté lyrique, Tokyo Blip Festival, Square Sounds Melbourne, VISION’R, Mapping, CRUCE, Le Shadok, Galerie Charlot, Musée L, LEV, MFRU, BEK…

 

Nkembo Moswala (Kinshasa)

El proyecto de Nkembo en Blanca consiste en transformar de forma artesanal los paquetes de plástico de nuestro consumo diario, mayoritariamente unos sobres de detergente para la ropa de una marca conocida en la República Democrática del Congo trajo consigo.
A base de pliegues en este material, ha generado cientos de elementos que evocan flores u hongos. La belleza de estos objetos y sus disposición colisiona con las particularidades nocivas y contaminantes y de las que están hechas.
Sobre el suelo del espacio 1, los mismos elementos han sido dispuestos a modo de un jardín francés, recreando una estructura colonial impuesta por los residuos de la globalización.

En el espacio colindante, estos elementos han sido dispuestos sobre la roca desnuda evocando el paisaje de Blanca, organizadas de forma orgánica, sugieren la esperanza de que la vida pueda resucitar de la esterilidad, el caos y la confusión de nuestra sociedad globalizada.
Junto a este paisaje, se despliega sus piezas llamadas Nzoloko, unas lonas perforadas a través de cuyas incisiones atraviesa la luz que cae sobre el espectador y el espacio circundante. Aquí es la luz el elemento que utiliza como materia prima para subvertir la imagen del crimen callejero y como un símbolo poderoso para la esperanza.
La distintas obras generan un diálogo entre ellas, que nos confronta con las relaciones entre la realidad urbana violenta de Kinshasa, el colonialismo y la globalización en contextos locales.

 

 

Ash Witham (Los Angeles/Berlin)

Criada en una pequeña ciudad en la costa este de los Estados Unidos, ahora trabaja principalmente en Los Ángeles, California y Berlín, Alemania. Ash estudió pintura en la Universidad de California, Los Ángeles, y dibujo en el extranjero, en la Riviera francesa y en París. En 2014, se graduó con honores de UCLA con una licenciatura en Arte y una especialización en Educación Artística. Durante sus estudios, realizó trabajos en distintos medios, principalmente pintura abstracta, ensamblajes con técnica mixta, fotografía en movimiento, instalaciones y performance multimedia.

Ash ha realizado y exhibido instalaciones, fotografías y esculturas en Los Ángeles. Inspirada por diversos cursos intensivos de movimiento realizados a lo largo de los años que vivió en los Estados Unidos, Europa, India y México, el trabajo de Ash ha adquirido un enfoque más físico. Continuando su educación en temas como las culturas del mundo, la comunicación interpersonal, la psicología positiva y la danza, se dedica a la investigación y al trabajo que aborda temas como la vulnerabilidad, la empatía, la curación, la identidad, la conexión humana y la expresión auténtica.
Actualmente, Ash está dedicando tiempo a profundizar en su trabajo y tiene como objetivo ampliar su alcance.

 

Myriam Gras (Tilburg)
«Mi trabajo explora la superposición entre la realidad y sus narrativas, tratando de representar los contrastes entre las aparentemente apreciadas adaptaciones de una sociedad cada vez más digitalizada y su consecuente perturbación individual.
Al experimentar continuamente con diferentes medios, conecto principalmente materiales sintéticos y elementos tecnológicos temática o físicamente. Al jugar con lo alienado y lo conocido, tiendo a arrojar una ligera crítica al modelo de vida actual «.
El absurdo y la soledad causados ​​por la influencia de las formas modernas de comunicación son un tema repetitivo en el trabajo. Esto va de un lado a otro desde los desarrollos hasta la implantación, ilustrando la forma en que la humanidad está unificada al mismo tiempo por un deseo de progreso e individualizada por experiencias fenomenológicas. Por medio de elementos interactivos, uno se ve obligado a conectar con la materia o con otros seres humanos. La humanidad se define por su potencial para crear.


El próximo 26 de enero a las 20:30h, AADK abre las puertas del Centro Negra, en donde os invitamos a conocer de cerca los procesos de Doris Althaus (Solothurn), Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands) y Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands), Lina Sofia Lundin (Falun) y Anneloes Gerdien (Utrecht), los artistas en residencia del mes de enero.

 

Doris Althaus (Solothurn)
Desde 1996 Doris dirige su propio estudio de cerámica. Muestra su trabajo regularmente en diferentes exposiciones y mercados en Suiza. Trabaja como profesora / instructora de cerámica en diversas instituciones y así como en su propio taller. Durante aproximadamente 1 o 2 días a la semana, trabaja en un Centro de Día para Personas con Capacidades Diversas.

Aunque su trabajo hasta ahora es principalmente figurativo, durante su residencia residencia quiere experimentar con la forma y explorar nuevos formatos. Apoyarse en lo desconocido de este nuevo contexto como fuente de inspiración y descubrir cómo esto afecta a su trabajo.

Actualmente Doris focalizada en el desarrollo de nuevas superficies y acabados, particularmente interesada en las Técnicas de Impresión y Transferencia para Cerámica con las que poder desarrollar pequeñas Instalaciones mural.

2003 Instructor FA Instructor en Aprendizaje de Adultos con Diploma Federal de Educación y Capacitación Profesional desde 1989, Cursos de educación adicional dirigidos a cerámica 1989.Certificado Suizo de Competencia en Cerámica y Aprendizaje por Kohler Keramik Biel Suiza.

Edward Johansson (Mariehamn/Lemland, Åland Islands) y Minna Öberg (Mariehamn, Åland Islands)

-Edward Johansson
Desde 2014, Edward dirige su propio estudio de grabado, Ahvaland, en el que desarrolla tanto trabajos personales como encargos.
El estudio está equipado para impresión tipográfica en Heidelberg y con una imprenta Vandercook, y hay una sección de “intaglio” para la impresión de planchas de cobre. Le encanta desafiar sus habilidades y experiencia con nuevas ideas y colaboraciones. Su trabajo tiende a existir en el límite entre arte, la artesanía y el diseño.

2009 Licenciado en Diseño Gráfico, Central Saint Martins, Londres. 2012 MRes Design, Goldsmiths, Londres.

-Minna Öberg
Los estudios de Minna consisten en una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Nova de Ciencias Aplicadas y un Master en Arte y Diseño de la Universidad Metropolitana de Cardiff. Una de sus experiencias artísticas más relevantes ha consistido en formar parte de la red B7, que incluye las siete islas más grandes del Báltico, donde tiene la oportunidad de desarrollar obras de “arte en contexto” en todas las islas.

Residencia apoyada con una beca de movilidad por la Delegación de Cultura Alands

Lina Sofia Lundin (Falun)
Lina Sofía es una artista textil, educadora y autora que indaga en los procesos artísticos en relación con el lugar, el material y el conocimiento. Sofía reside en el campo de Suecia en donde investiga sobre técnicas de teñido ecológico, cultivando plantas colorantes y fibras naturales. Mientras trabaja integra las habilidades de las comunidades locales invitandolos a sus actividades de cultivo y artesanía. Indaga sobre cómo la información se transforma de teoría a conocimiento y cómo puede este ser encarnado. Los vínculos sociales que genera son una parte esencial en sus proyectos.

Las técnicas de teñido natural han tenido una larga historia de preservación de estos saberes y habilidades de forma secreta. Lina Sofia ha querido abrir el campo lo que le ha llevado a enseñar y dar ponencias sobre el tema, y a publicar The Dyeing Manifest – The Expanded Field of Composting 2013, Natural Dyes 2014, en 2017 y en 2019.
Entre el 2009-2016, investiga sobre consumo colaborativo a través un guardarropas compartido en formato de librería. El proyecto lidiaba con temas tales como “el reparar, la vida útil de las prendas de vestir, la ecología, o el comportamiento humano y también creó un espacio para que nazcan nuevas ideas entorno a la circularidad de materiales. Ubicado en la periferia de Estocolmo ha alcanzado los 360 miembros.
Desde el 2016 al 2018, trabajó para La agencia de Arte Público Suiza en un área residencial cerca de la ciudad con una gran diversidad de residentes. El Ayuntamiento planea para el distrito un nuevo parque, una plaza, y algunas casas han sido remodeladas. Cocinar, teñir tejidos con especias y plantas han sido el punto de partida para el diálogo entre los residentes acerca del espacio público y una investigación sobre cómo conectar con el contexto. Para el 2019 se planea instalar una pieza de arte público – una cocina construida con la escuela ubicada en el parque.
Lina Sofia realizó un grado en Arte Textil en la Academia de Artes y Artesanía en Gotemburgo, estudió Etnología en la Universidad de Estocolmo y formada en Artesanía de Nyckelviksskolan.

Residencia becada por IASPIS (Comité de becas Suecas) y la Fundación Helge Ax:son Johnson

Anneloes Gerdien (Utrecht)
«Como niña solía vivir en el campo holandés. Crecí en un entorno rural cercano a la naturaleza, donde vivir afuera, la vida simple, el silencio, la construcción y la reutilización son los principales factores de la vida diaria. Este estilo de vida simplificado es una de esas cosas que siguen siendo valores fundamentales que llevo conmigo en mi proceso artístico e investigación «.

Estructuras orgánicas – · Elementos deconstruidos – Contrastes y tabúes – · Entorno y superficies

Gerdien van der Vinne (1993) de Anneloes es una artista interdisciplinar que trabaja en los campos de la pintura, el dibujo, la metalurgia ligera, y combina el periodismo visual dentro del procesos de creación.
En sus diarios visuales, dibujos, paneles y joyas, expresa su fascinación por la evolución natural y las emociones que ocurren en su vida diaria. Ella refleja este pensamiento a lo largo de todo su cuerpo de trabajo, inspirado en las estructuras orgánicas que nos rodean. Considera el potencial de crecimiento y usa su intuición para compartir el valor de cada objeto.

Procedente de los campos de la moda, la cultura visual y la teoría, se esfuerza por crear productos finales tangibles en los que el crecimiento y la experimentación sean visibles. En el interior de su trabajo los entornos desconocidos son puntos de partida que le generan la urgencia de salir a encontrarse con situaciones impredecibles. Observar de cerca desde una mirada filosófica y antropológica y absorber los comportamientos naturales de los entornos es lo que Anneloe quiere revelar en sus piezas. Esto le aporta nuevos incentivos, con procesos impredecibles y una mayor profundidad a sus resultados.

Anneloes Gerdien tiene su sede principal en Utrecht, Países Bajos.


Estudios Abiertos noviembre 2018

El 24 de noviembre a las 20:30h, AADK Spain abre las puertas del Centro Negra para compartir los procesos de los artistas en residencia del mes de noviembre: Alice Weber (Australia / Reino Unido), Ranjit Ahuja (India / EE.UU.), Amanda Kay White (EE.UU.), Astrid Bink (Países Bajos), Anyuta Wiazemsky (Rusia / Bélgica), Janet Ruth Davies (Gales del Sur).

Alice Weber (Sydney / Londres)
Alice es una artista australiana que vive y trabaja en Londres. Parte del trabajo con el cuerpo como un lugar de tensión entre la imagen y la experiencia, Alice explora la feminidad, el empoderamiento, el deseo y la (des) encarnación a través de su trabajo performativo. Sus coreografías son aparentemente propósitos sin sentido de equilibrio, repetición, flexibilidad y quietud, apropiándose de su propio entrenamiento como bailarina clásica, para desestabilizar las reglas y reproducciones del cuerpo. Recientemente obtuvo su máster en coreografía de Laban, Londres (2018).

Ha sido investigadora en la Accademia Nazionale di Danza (Roma) y su trabajo se ha presentado en Turner Contemporary (Margate), APT Gallery (Londres), The Place (Londres), Chisenhale Dance (Londres), Festival of Recorded Movement (Vancouver). Alice ha desarrollado distintos trabajos de investigación y y ha actuado para instituciones tales como la Universidad de Bedfordshire, Trinity Laban, CoLab Festival, The Cube London. También ha trabajado como intérprete para otros artistas, desde la danza hasta la performance de arte visual contemporáneo, como Delfina Foundation, Hauser & Wirth, The Performance Studio y Tanzcompagnie Giessen.

Ranjit Ahuja (Ajmer / Atlanta)
Ranjit nace en Ajmer, India, y actualmente reside y trabaja en Atlanta, EE. UU., su Educación Profesional ha sido en Diseño y Comunicación Visual en India y es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Syracuse, NY, EE.UU., en el Departamento de Estudios Experimentales. Ha desarrollado un gran interés en la Fotografía en blanco y negro y sus procesos de laboratorio. Ranjit ha trabajado en laboratorios B & W durante más de 20 años y alrededor de 15 años en Digital Imaging para prensa en los Estados Unidos. «Sería seguro asumir que mis imágenes son una combinación de estas actividades profesionales».

A nivel filosófico, sus imágenes son una combinación de «abstracción y realidad» y buscan involucrar al espectador en sus estudios visuales entre las formas de comunicación «científica y artística». Le gustaría investigar nuevos métodos de impresión para presentaciones artísticas superiores y trabajar en proyectos de colaboración con escritores y artistas.

Amanda Kay White (Tustin)
Los intereses de investigación de Amanda Kay White profundizan en el entramado que une el conocimiento corporal, la encarnación de lo cognitivo y la teoría espacial a través de la coreografía. Encontrar puntos de acceso a este conjunto de experiencia físicas y de la memoria y profundizar en su comprensión personal de sobre la humanidad. Amanda está interesada en generar una coreografía basada en el compromiso con la comunidad y el contexto para explorar experiencias compartidas dentro de Blanca.

Originaria de St. Charles, Missouri, actualmente vive en el Condado de Orange, California, y es profesora e instructora adjunta del movimiento moderno y de jazz en Chapman University, Santa Ana College y Orange County School for the Arts, EE. UU. El deseo de profundizar en su práctica artística personal la llevó a cursar un Máster en Coreografía, que recibió en abril de 2016 a través de la Universidad de Jacksonville, EE. UU. Sus trabajos se han presentado a nivel regional en todo el sur de California, así como a nivel internacional en el primer Oulu Dance Hack en Finlandia. Amanda también es miembro de la compañía fundadora y bailarina actual de Backhausdance, una compañía internacional de danza moderna contemporánea itinerante con sede en el sur de California, EE. UU.

Astrid Bink (Montfoort)
Graduada recientemente en HKU Utrecht, Países Bajos, Astrid estudió Bellas Artes y Diseño en Educación. Astrid es parte de un colectivo de arte llamado «Zonder Punt». Junto con este grupo diverso de jóvenes artistas, reflexionan sobre el trabajo de cada uno y organizan exposiciones.

Astrid Bink se siente atraída y asombrada por la belleza pura de la naturaleza. “La naturaleza está constantemente expuesta a fuerzas poderosas, sin embargo, aún crece y florece. Mientras tanto el mundo está siendo humanizado. Los paisajes están divididos y dispuestos. La humanidad utiliza la tecnología para controlar la naturaleza. Las carreteras se crean y los bosques se plantan y se mantienen, para que sean fácilmente accesibles ”. En su trabajo, ella investiga la relación entre los humanos y la naturaleza, trata de capturar el encanto de la naturaleza y de dar lugar al controvertido deseo de control sobre la tierra.

Residencia becada con el Premio “Young Master Award 2017” en el Media Art Friesland Festival (MAF).

Anyuta Wiazemsky (Moscú / Gante)
Anyuta Wiazemsky (1989, Moscú) es una joven artista ruso-belga. Se graduó en la Academia de Derecho de Moscú, Rusia, antes de decidirse por una carrera artística. Estudió Bellas Artes en la Royal Art Academy de Gante, Bélgica. Sus obras se han exhibido en Moscú (RU), Gante (BE), Lovaina (BE), Kortrijk (BE), Bruselas (BE), Rotterdam (NL), Hyderabad (IN). Actualmente cursa el programa educativo Master of Science en Sociologie en la Universidad de Ghent (BE).

Visualmente, su trabajo es diverso, pero hay una sola noción que, «como un hilo de oro que lo aúna en toda mi práctica: la noción de ser humano unido a la existencia del artista». Ella trabaja con otras personas y su presencia como un elemento integral de su trabajo; Es a través del diálogo, de la relación con el otro, de la comprensión de los puntos en común y las diferencias ineludibles que crea un nuevo trabajo.

Con el apoyo de: Vlaamse overheid – Departement Cultuur, Jeugd en Media.

Janet Ruth Davies (Gwynedd)
Actualmente estudia un máster de posgrado en fotografía documental en la Universidad de Gales del Sur. Los intereses de investigación fotográfica de J. Ruth están relacionados con la identidad, la movilidad y la memoria. Está interesada en la percepción sensorial del entorno y en los sentimientos que surgen de la interacción. Tim Ingold, un antropólogo, dice «el arte da forma a los sentimientos humanos y un sentimiento es un modo de compromiso perceptivo activo, una manera de estar literalmente en contacto con el mundo».

Su práctica creativa previa incluía movimiento, coreografía y performance. Estas disciplinas continúan dando forma a su proceso fotográfico espacial y somáticamente.


Estudios Abiertos Octubre 2018

Este sábado día 27 de octubre de 2018, a las 20.30, os invitamos como cada mes a conocer el trabajo realizado por los artistas en residencia de AADK. Entrada libre.

Para estos Estudios Abiertos contamos con la artista Alice Weber (London / Sydney) que realiza un trabajo de exploración del espacio con el cuerpo; Mariana Carvalho (São Paulo) que presenta un pieza relacional de experimentación con el sonido; Aurora Rodríguez (Alicante) presentará conjunto de obras gráficas y escultóricas y el colectivo KG Augenstern (Christiane Prehn y Wolfgang Meyer, Berlín) quienes han realizado una instalación participativa. Esta última se presenta en “La Sala Idol” por lo que os convocamos a las 20:30h en el parking del antiguo ayuntamiento de Blanca.

 

Aurora Rodríguez (Alicante)
Aurora ha estudiado Bellas Artes en la Universidad de Murcia, habiendo complementado sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Guadalajara (México). Así mismo ha desarrollado una trayectoria artística cuyo interés principal es interpretar el arte de una forma multidireccional y multidisciplinar, entendiendo el arte como una consecuencia natural del entorno y sus necesidades.
En su trabajo, abarca la relación del individuo y la sociedad y su interdependencia con el territorio, utilizando las acciones individuales como materia con la que trabajar.

 

Mariana Carvalho (São Paulo)
Mariana Carvalho es pianista, improvisadora y performer. A partir de sus trabajos de improvisación su interés se amplía al trabajo con el cuerpo con una perspectiva de género y transdisciplinar.
Se ha adentrado en la experimentación sonora introduciendo objetos dentro y fuera del piano y explora corporalidades a través de la eutonía.
Su actual interés es el de tejer relaciones sonoras en formato de instalaciones, cuerpos sonoros expandidos, improvisación libre, danza y feminismo.

Hizo el bachillerato en piano en la Universidad de San Pablo. Es parte de la red Sonora – músicas e feminismos, de NuSom (Núcleo de estudios en Sonología de la Universidade de São Paulo) y de la Orquesta Errante, grupo de improvisación libre. Investigó relaciones entre la eutonía y improvisación libre en iniciación científica, con una beca de FAPESP y supervisionada por Rogério Costa. Participó de la Camerata Profana, ensemble de música contemporánea, Coro Profana, laboratório vocal experimental, del colectivo Insólita Assemble, del núcleo de performance AANGA, dirigido por Miriam Dascal. Trabajó con teatro como musicista con Club Noir y Lacuna Celetiva.Se presentó en Alemania, Argentina, México, Rumania y en diversos lugares de Brasil.

Artista apoyada por: Nusom – Centro de investigación de Sonología de la Universidad de Sao Paulo y Sonora – músicas e feminismos.

 

Alice Weber (Sydney / Londres)
Alice es una artista australiana que vive y trabaja en Londres. Parte del trabajo con el cuerpo como un lugar de tensión entre la imagen y la experiencia, Alice explora la feminidad, el empoderamiento, el deseo y la (des) encarnación a través de su trabajo performativo. Sus coreografías son aparentemente propósitos sin sentido de equilibrio, repetición, flexibilidad y quietud, apropiándose de su propio entrenamiento como bailarina clásica, para desestabilizar las reglas y reproducciones del cuerpo. Recientemente obtuvo su máster en coreografía de Laban, Londres (2018).
Ha sido investigadora en la Accademia Nazionale di Danza (Roma) y su trabajo se ha presentado en Turner Contemporary (Margate), APT Gallery (Londres), The Place (Londres), Chisenhale Dance (Londres), Festival of Recorded Movement (Vancouver). Alice ha desarrollado distintos trabajos de investigación y y ha actuado para instituciones tales como la Universidad de Bedfordshire, Trinity Laban, CoLab Festival, The Cube London. También ha trabajado como intérprete para otros artistas, desde la danza hasta la performance de arte visual contemporáneo, como Delfina Foundation, Hauser & Wirth, The Performance Studio y Tanzcompagnie Giessen.

 

Christiane Prehn y Wolfgang Meyer. Grupo “Kg Augenstern Artist”(Berlín)
Kg Augenstern trabaja en el campo de la instalación, la performance y el audiovisual/ audioquinético.
Christiane Prehn (Dipl. Arte, Universidad de Bellas Artes de Stuttgart) es artista, escultora, y directora de cine. Ha expuesto en distintos espacios y obtenido diversos premios tales como: Thessalonica Biennale 2008, New York Fruit and Flower Gallery 2008, Museum of Modern Art Den Haag 2009, Glasmuseum Amsterdam 2009, Akademie Preise der Akademie der bildenden Künste Stuttgart 2005, 2006 y 2008 Wolfgang Meyer (Músico, artista sonoro, audiovisual, y compositor de música para cine).
Ha expuesto y participado en: Fe -Babylon KlangBasar, Paisaje sampleado en vivo (IfA Galerie Stuttgart 2006, Ostsee Festival Stralsund 2007), performance sonoro «el sonido del barco» interpretado en Berlín, París, Ámsterdam, Salónica y en la Bienal de Arte de Estambul (2009/2010).
En los últimos años, el Kg Augenstern navegó por muchos ríos y canales en Europa, rascando puentes con largos tentáculos instalados a bordo, para hacerlos revelar sus sonidos específicos. Los artistas desarrollaron muchas instalaciones específicas que se muestran en varias galerías y espacios de arte en Europa.

 


Estudios Abiertos Septiembre 2018

El próximo Viernes 21 de septiembre, a las 21h abrimos al público para compartir los procesos de las artistas en residencia de AADK: Mirel Torun (Sydney/Izmir), Mariana Carvalho (São Paulo) y Aurora Rodríguez (Alicante) junto con las intervenciones de algunos de los artistas de la plataforma.

Además podrás participar en una sesión abierta de improvisación sonora con Selu Herraiz, Josman P#, Úrsula Bravo, Pia Achternkamp, Mariana Carvalho y quien quiera unirse a tocar.

Abraham Hurtado tiene preparado un set fotográfico para realizar retratos que pueden llegar a formar parte de uno de los trabajos en los que se encuentra inmerso. Además, Daniel Hernández mostrará el video “Master Fail Piece 1” con paisaje sonoro en directo de Josman P#.

Mirel Torun (Sydney/Izmir)
Miren Torun es una artista que vive y trabaja en Izmir, Turquía. Nació en Sydney, Australia y se graduó en el Departamento de Artes Escénicas. Trabajó como editora y editora en jefe en el departamento editorial de varias revistas de artes plásticas y visuales. Trabajó como consultora visual en Theatre Madrasah. Realizó estudios visuales especializados sobre el cuerpo, la voz y los efectos del uso del espacio en el movimiento.
Ha trabajado el cuerpo en movimiento durante más de una década y ha dado varias conferencias sobre técnicas de improvisación.
Fue directora de arte de una pieza en solitario compuesta por una colección de poemas de Charles Baudelaire en el Centro Cultural Francés de Izmir.

Exposiciones y Residencias «7», İzmir State Kültürpark Museo de Arte y Escultura, 2014 «Pequeños Mundos», Instalación de «bolsa de harina de 2 kg» comisariada por Stefan Bohnenberger, K2 Contemporary Art Center, İzmir, 2015. Especie no invasiva, exposición colectiva, en Guadalupe, Mogadishou y Minneapolis, 2016 Body, Object and Space, The Boiler Film Club, Nueva York, 2016 Beetime Residencia, Santa Lucía, Vejer de la Frontera, octubre de 2016 Art Quarter Budapest Artist Residency, abril de 2017. Arte participativo Budapest. Beca Arteles Art Residency en Finlandia, julio de 2017. Open Studio participante. TAMBIÉN la historia poética llamada Milk Shake se emitió en Ege FM.

Aurora Rodríguez (Alicante)
Aurora ha estudiado Bellas Artes en la Universidad de Murcia, habiendo complementado sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Guadalajara (México). Así mismo ha desarrollado una trayectoria artística cuyo interés principal es interpretar el arte de una forma multidireccional y multidisciplinar, entendiendo el arte como una consecuencia natural del entorno y sus necesidades.
En su trabajo, abarca la relación del individuo y la sociedad y su interdependencia con el territorio, utilizando las acciones individuales como materia con la que trabajar.

Mariana Carvalho (São Paulo)

Mariana Carvalho es pianista, improvisadora y performer. A partir de sus trabajos de improvisación su interés se amplía al trabajo con el cuerpo con una perspectiva de género y transdisciplinar.
Se ha adentrado en la experimentación sonora introduciendo objetos dentro y fuera del piano y explora corporalidades a través de la eutonía.
Su actual interés es el de tejer relaciones sonoras en formato de instalaciones, cuerpos sonoros expandidos, improvisación libre, danza y feminismo.

Hizo el bachillerato en piano en la Universidad de San Pablo. Es parte de la red Sonora – músicas e feminismos, de NuSom (Núcleo de estudios en Sonología de la Universidade de São Paulo) y de la Orquesta Errante, grupo de improvisación libre. Investigó relaciones entre la eutonía y improvisación libre en iniciación científica, con una beca de FAPESP y supervisionada por Rogério Costa. Participó de la Camerata Profana, ensemble de música contemporânea, Coro Profana, laboratório vocal experimental, del colectivo Insólita Assemble, del núcleo de performance AANGA, dirigido por Miriam Dascal. Trabajó con teatro como musicista con Club Noir y Lacuna Celetiva.Se presentó en Alemania, Argentina, México, Rumania y en diversos lugares de Brasil.


Estudios Abiertos Agosto 2018

El próximo 25 de agosto a las 21h, AADK abre las puertas del Centro Negra.
Os invitamos a conocer de cerca los procesos de Mirel Torun (Sydney / Izmir), Andrea Peña (Bogotá / Montreal), Carol Rashawnna (Washington), María Velasco (Madrid / Kansas), Clara J: son Borg (Jönköping / Rotterdam), Amélie Créac’h (Seúl / Nantes) y Sofian Jouini (Nantes).

El principal interés de una parte de ellos es adquirir una mayor comprensión sobre lo coreográfico, qué lo genera a nivel inconsciente, y cuan condicionado por el entorno se haya el movimiento del cuerpo.
Otros de los artistas de este mes están trabajando sobre la subjetividad de los habitantes locales o la propia, a través de instalación pictórica, la escultura o el arte textil.

Andrea Peña (Bogotá / Montreal)
Andrea Peña es una artista multidisciplinar colombiana, asentada en Montreal, cuya obra se desarrolla en los campos de la danza y el diseño. Sus trabajos se centran en la creación de elementos críticos, alternativos, performativos y espaciales. Universos que cuestionan al individuo dentro de la sociedad, para generar una conciencia de sí mismo dentro del público y la audiencia. Es la directora artística de Andrea Peña & Artists, fundada en 2014, la compañía de danza es reconocida a nivel nacional e internacional.
El trabajo de Peña ha sido comisionado por el prestigioso Musee des Beaux Arts de Montreal, el Centro Canadiense de Arquitectura, la Orquesta Sinfónica de Laval, el 375e Anniversary of Montreal, entre otros.
Desde el punto de vista comercial, Andrea ha trabajado para la marca de moda más importante de Montreal, RUDSAK, como Directora Creativa, encabezando la dirección visual completa y los canales de contenido creativo de la compañía. Actualmente, Peña está cursando un máster en la Universidad de Concordia desde septiembre de 2017, galardonada con la beca Dora y Avi Morrow por su excelente desempeño en las artes visuales. Académicamente, Peña ha trabajado con el Presidente del Departamento de Diseño de Concordia, PK Langshaw, para una extensa exhibición presentada en la Galería FOFA en 2016 y ha recibido dos Premios de Investigación de Estudiantes de Pregrado de Concordia. Peña es una TA dentro del Departamento de Ingeniería de Maestría, para cursos enfocados en Diseño Crítico e Innovación. Sus creaciones artísticas han sido apoyadas por residencias artísticas como Topological Media Lab Concordia, Hexagram Concordia, Residencia Coreográfica del Centro de Circuito Est, Ionion Arts Center Greece, FIDCDMX en México.

Carol Rashawnna (Washington)
Actualmente, en América, la política es el escenario de un dramático «reallity show», me encuentro confundida por el estado actual de nuestro entorno cultural.
Preocupada por vivir en un país basado en un capitalismo extremo y ciego ante su consecuente cambio climático. Todos los días, siente despertar del sueño y amanecer en una pesadilla global. Como afroamericana, el estado de lo que está ocurriendo allí, es decir. el desplazamiento de los «afroamericanos», a través de deportaciones y una eliminación silenciosa -genocidio contemporáneo legislado, la doctrina del aborto, el complejo industrial penitenciario, asesinatos policiales, gentrificación y desiertos alimentarios, siente la urgencia de salir del país para ganar una perspectiva más clara de su papel como artista. Mientras que las migraciones y agresiones en su país están empeorando, ella está interesada en el bien común.

Como artista a quien le preocupa profundamente el medio ambiente, le gustaría utilizar su tiempo en España para reducir la velocidad, explorar su relación con la tierra y aprender sobre el río Segura que atraviesa Blanca. Ella está dispuesta a hacer un proyecto centrado en el cambio climático, las personas y la cultura en esa área.
Su medio son las pintura / grabados monocolor y las instalaciones, también el arte ecoart o el land art, o el arte regenerativo, su idea es combinar estas intereses con técnicas instalativas y de monograbado.

María Velasco (Madrid / Kansas)
María Velasco es una artista española que vive y trabaja en los EE. UU. Desde 1991.
Ha mostrado su trabajo a nivel nacional e internacional en lugares de prestigio de arte contemporáneo en todo Estados Unidos, como en Minneapolis, Santa Bárbara, Chicago, Kansas City, Saint Joseph o NY.
Internacionalmente, ha expuesto en Madrid, Paraguay, Darmstadt, México, Argentina y Marruecos.
Su trabajo aparece en prestigiosas publicaciones. Fue Artista en Residencia en Sculpture Space (2007) y Artista en Residencia Internacional en ProyectoAce, en Buenos Aires, Argentina (2012). En 2016, fue artista en residencia en Green Olive Arts, en Tetuán, Marruecos.
Velasco recibió su Licenciatura en Pintura de la Universidad Complutense de Madrid (1989) y su Maestría en Bellas Artes en Nuevo Género de la Universidad de California en Santa Bárbara (1993). Es Profesora Asociada de Arte Visual en la Universidad de Kansas, y enseña cursos de Arte de Instalación, Dibujo, Arte Participativo y Prácticas Profesionales para artistas.

Clara J: son Borg (Jönköping / Rotterdam)
Clara J: son Borg es una artista sueca con sede en Rotterdam (Holanda). Su investigación artística está dirigida a las ontologías que rodean el cuerpo humano, sus posibles estrategias de actuación, su carga política y las teorías post-danza. A través de la experimentación en el movimiento, el uso de la palabra hablada, el video y el texto, establece situaciones en las que los procesos cognitivos, emocionales y cinéticos son capaces de actuar y encajar holgadamente entre sí. Acción y detenimiento, son para J: son Borg una invitación a observar elementos de relaciones interpersonales, coreografías sociales y jerarquías de conocimiento.
Clara tiene una licenciatura de HDK Steneby, Universidad de Gotemburgo (SE, 2012) y una maestría del Instituto Piet Zwart, Rotterdam (NL, 2016). Ella ha sido residente del XXI CSAV-Artist Laboratory
Materiales para el rendimiento, dirigido por Yvonne Rainer, Fondoazione Ratti, Como
(IT), Body as Site, Banff Centre, Banff (CAN) y Hordaland Kunstsenter, Bergen (NO). Su trabajo ha sido recientemente exhibido en Yellow Brick, Athens (GR), 13festivalen, Gothenburg (SE) ONONO, Rotterdam (NL), Österängens Konsthall, Jönköping (SE), ahora y después del festival de video internacional, Moscow (RUS), de Appel, Amsterdam (NL) y Oktoberdans2016, Bergen (NO).

Residencia apoyada por CBK Rotterdam y por el Fondo Mondriaan en los Países Bajos.

Amélie Créac’h (Corea / Francia)
Cuando se le pregunta acerca de sus primeros recuerdos como arquitecta, Amélie inevitablemente responde: «un estudio de pintor y un estudio de danza». De hecho, se introdujo en estas dos disciplinas desde muy temprana edad. La pintura le enseñó a prestar mucha atención a la luz y el color, mientras que la danza le permitió desde el inicio experimentar con la relación entre el cuerpo y el espacio-tiempo.
Después de pasar un año en un curso científico de preparación para la universidad, fue aceptada en el programa de arquitectura del Instituto de Ciencias Aplicadas de Estrasburgo. Desde entonces, su carrera es testigo de un interés constante en la investigación, el hábitat y los problemas urbanos. En 2008 presentó su proyecto de tesis de graduación de arquitectura sobre la renovación de un barrio de clase trabajadora en Brest, que desarrolló en colaboración con una asociación local de artistas.
Trabajó para varias agencias de urbanismo y se encargó de proyectos muy variados, como la creación de barrios en las principales ciudades, estudios regulatorios para ciudades rurales y periurbanas y proyectos de renovación urbana. Luego se unió a la agencia de arquitectura Sophie Delhay, donde coordinó equipos y el seguimiento de proyectos experimentales de vivienda colectiva.
Se instaló en Nantes en 2016, donde divide su tiempo entre explorar las regiones costeras e insulares del mundo (Asia Tour, Learning from Hawai’i) y el seguimiento de sus primeros proyectos de vivienda individual y diseño de interiores.

Amelie participa en esta residencia gracias al apoyo del Institut Français y Ville de Nantes.

Sofian Jouini (Túnez/Francia)
Nacido en Nantes, Sofian pasó los primeros siete años de su vida en Túnez, luego se mudó a Francia. En 1999 siguió los pasos de su hermano mayor y se unió a una escuela de baile hip-hop. Con otros entusiastas, formó la compañía KLP. Las primeras actuaciones fueron escritas colectivamente.
En 2008 escribió Insolents Solistes con Brice Bernier. En 2011 escribió Tour of Duty, una inmersión en el corazón de la historia de Nueva York y el hip-hop. La pieza se realizó por primera vez en Nantes, seguida de una carrera en el Théâtre des Abbesses de París y, finalmente, en los Estados Unidos. Con la fuerza de este ímpetu, la siguiente temporada produjo un concierto de baile con los bailarines de KLP y los músicos y raperos de BackPack Jax, en los Estados Unidos.
Después de unos años más con el grupo, Sofian continúa experimentando por su cuenta. Él está especialmente fascinado por la relación con el espacio construido y los lazos que puede crear entre el cuerpo y la mente. En 2015 trabajó con la Escuela Nacional Superior de Arquitectura en Nantes para desarrollar una instalación de feria para las artes escénicas.
En 2016 comenzó el proyecto Naturalezas, inspirado como una reacción a la creciente alienación de la movilidad de los individuos en su vida cotidiana, sus estilos de vida sedentarios y la extrema racionalización de las formas de vida. Utiliza este proyecto para explorar las capacidades de los cuerpos humanos contemporáneos, el suyo, por supuesto, pero también el del público y los bailarines que conoce en los talleres.

Mirel Torun (Sydney/Izmir)
Mirel Torun es una artista que vive y trabaja en Izmir, Turquía. Nació en Sydney, Australia y se graduó en el Departamento de Artes Escénicas. Trabajó como editora y editora en jefe en el departamento editorial de varias revistas de artes plásticas y visuales. Trabajó como consultora visual en Theatre Madrasah. Realizó estudios visuales especializados sobre el cuerpo, la voz y los efectos del uso del espacio en el movimiento.
Ha trabajado el cuerpo en movimiento durante más de una década y ha dado varias conferencias sobre técnicas de improvisación.
Fue directora de arte de una pieza en solitario compuesta por una colección de poemas de Charles Baudelaire en el Centro Cultural Francés de Izmir.

Exposiciones y Residencias «7», İzmir State Kültürpark Museo de Arte y Escultura, 2014 «Pequeños Mundos», Instalación de «bolsa de harina de 2 kg» comisariada por Stefan Bohnenberger, K2 Contemporary Art Center, İzmir, 2015. Especie no invasiva, exposición colectiva, en Guadalupe, Mogadishou y Minneapolis, 2016 Body, Object and Space, The Boiler Film Club, Nueva York, 2016 Beetime Residencia, Santa Lucía, Vejer de la Frontera, octubre de 2016 Art Quarter Budapest Artist Residency, abril de 2017. Arte participativo Budapest. Beca Arteles Art Residency en Finlandia, julio de 2017. Open Studio participante. TAMBIÉN la historia poética llamada Milk Shake se emitió en Ege FM.


Estudios Abiertos Julio 2018

El próximo 28 de julio a las 21h, AADK abre las puertas del Centro Negra. Os invitamos a conocer de cerca los procesos de Chad Erpelding (Iowa / Idaho), Andrea Peña (Bogotá / Montreal), Carol Rashawnna (Washington), María Velasco (Madrid / Kansas), Bianca Lee (Florida), Clara J: son Borg (Jönköping / Rotterdam) los artistas en residencia de el mes de julio.

Estos artistas trabajan en diversas disciplinas, como pintura, grabado, performance o land art, con un gran interés en los temas contemporáneos políticos y ambientales.

 

Chad Erpelding (Iowa / Idaho)
Chad Erpelding es pintor / artista gráfico / y digital, en cuyos medios realiza visualizaciones de datos y estrategias basadas en sistemas para explorar las instituciones a nivel global. A través de una extensa investigación de corporaciones, sistemas políticos, organizaciones gubernamentales, bolsas de valores, etc., busca descubrir varias representaciones de redes y actividades a lo largo del planeta. Su trabajo desafía a los espectadores a considerar sus relaciones con estas instituciones al tiempo que reevalúa la comprensión que uno ocupa en una comunidad global. Exposiciones individuales recientes incluyen al Museo de Arte Moderno, Ereván, Armenia; Pinebox Art Center, Baltimore, Maryland; Universidad Nagoya Zokei, Nagoya, Japón; y Alberta Printmakers Gallery, Calgary, Alberta, Canadá.
Ha sido incluido en exposiciones colectivas en Filipinas, Argentina, Francia, Italia, Corea del Sur, Rusia, Bulgaria, Hungría, Canadá y México, así como en todo Estados Unidos. Ha sido galardonado con residencia de artistas en Buenos Aires, Argentina, Marnay-sur-Seine, Francia; y Ereván, Armenia.
Erpelding recibió un MFA de Southern Illinois University Carbondale y actualmente es profesor de dibujo y pintura y el director del programa de posgrado en Boise State University en Boise, Idaho, EE. UU.

 

Andrea Peña (Bogotá / Montreal)
Andrea Peña es una artista multidisciplinar colombiana, asentada en Montreal, cuya obra se desarrolla en los campos de la danza y el diseño. Sus trabajos se centran en la creación de elementos críticos, alternativos, performativos y espaciales. Universos que cuestionan al individuo dentro de la sociedad, para generar una conciencia de sí mismo dentro del público y la audiencia. Es la directora artística de Andrea Peña & Artists, fundada en 2014, la compañía de danza es reconocida a nivel nacional e internaciona.
El trabajo de Peña ha sido comisionado por el prestigioso Musee des Beaux Arts de Montreal, el Centro Canadiense de Arquitectura, la Orquesta Sinfónica de Laval, el 375e Anniversary of Montreal, entre otros.
Desde el punto de vista comercial, Andrea ha trabajado para la marca de moda más importante de Montreal, RUDSAK, como Directora Creativa, encabezando la dirección visual completa y los canales de contenido creativo de la compañía. Actualmente, Peña está cursando un máster en la Universidad de Concordia desde septiembre de 2017, galardonada con la beca Dora y Avi Morrow por su excelente desempeño en las artes visuales. Académicamente, Peña ha trabajado con el Presidente del Departamento de Diseño de Concordia, PK Langshaw, para una extensa exhibición presentada en la Galería FOFA en 2016 y ha recibido dos Premios de Investigación de Estudiantes de Pregrado de Concordia. Peña es una TA dentro del Departamento de Ingeniería de Maestría, para cursos enfocados en Diseño Crítico e Innovación. Sus creaciones artísticas han sido apoyadas por residencias artísticas como Topological Media Lab Concordia, Hexagram Concordia, Residencia Coreográfica del Centro de Circuito Est, Ionion Arts Center Greece, FIDCDMX en México.

Con el apoyo de LOJIQ, Universidad Concordia y del Consejo Canadiense de las Artes.
“Reconocemos el apoyo del Consejo Canadiense de las Artes, que el año pasado invirtió $ 153 millones para llevar las artes a los canadienses de todo el país”.

Carol Rashawnna (Washington)
Actualmente, en América, la política es el escenario de un dramático «reallity show», me encuentro confundida por el estado actual de nuestro entorno cultural.
Preocupada por vivir en un país basado en un capitalismo extremo y ciego ante su consecuente cambio climático. Todos los días, siente despertar del sueño y amanecer en una pesadilla global. Como afroamericana, el estado de lo que está ocurriendo allí, es decir. el desplazamiento de los «afroamericanos», a través de deportaciones y una eliminación silenciosa -genocidio contemporáneo legislado, la doctrina del aborto, el complejo industrial penitenciario, asesinatos policiales, gentrificación y desiertos alimentarios, siente la urgencia de salir del país para ganar una perspectiva más clara de su papel como artista. Mientras que las migraciones y agresiones en su país están empeorando, ella está interesada en el bien común.

Como artista a quien le preocupa profundamente el medio ambiente, le gustaría utilizar su tiempo en España para reducir la velocidad, explorar su relación con la tierra y aprender sobre el río Segura que atraviesa Blanca. Ella está dispuesta a hacer un proyecto centrado en el cambio climático, las personas y la cultura en esa área.
Su medio son las pintura / grabados monocolor y las instalaciones, también el arte ecoart o el land art, o el arte regenerativo, su idea es combinar estas intereses con técnicas instalativas y de monograbado.

 

María Velasco (Madrid / Kansas)
María Velasco es una artista española que vive y trabaja en los EEUU Desde 1991.
Ha mostrado su trabajo a nivel nacional e internacional en lugares de prestigio de arte contemporáneo en todo Estados Unidos, como en Minneapolis, Santa Bárbara, Chicago, Kansas City, Saint Joseph o NY.
Internacionalmente, ha expuesto en Madrid, Paraguay, Darmstadt, México, Argentina y Marruecos.
Su trabajo aparece en prestigiosas publicaciones. Fue Artista en Residencia en Sculpture Space (2007) y Artista en Residencia Internacional en ProyectoAce, en Buenos Aires, Argentina (2012). En 2016, fue artista en residencia en Green Olive Arts, en Tetuán, Marruecos.
Velasco recibió su Licenciatura en Pintura de la Universidad Complutense de Madrid (1989) y su Maestría en Bellas Artes en Nuevo Género de la Universidad de California en Santa Bárbara (1993). Es Profesora Asociada de Arte Visual en la Universidad de Kansas, y enseña cursos de Arte de Instalación, Dibujo, Arte Participativo y Prácticas Profesionales para artistas.

Bianca Lee (Florida)
Sus obras consisten en intervenciones efímeras en la naturaleza de manera que enfaticen su fisicalidad, descritas como arte paisaje-corporal. Una práctica escultórica que involucra representaciones privadas que luchan por una comunión entre el cuerpo, la naturaleza y el arte. Sus trabajos a escala humana exploran los vínculos entre la humanidad y el mundo natural, pero rara vez usan su cuerpo como representación literal de ella misma.
Sus medios son el arte corporal, la fotografía, el video y la performance. Compone intervenciones visuales y esculturales mientras busca conocerse a través de la experiencia directa con la naturaleza esencial y sagrada del cosmos.

Clara J: son Borg (Jönköping / Rotterdam)
Clara J: son Borg es una artista sueca con sede en Rotterdam (Holanda). Su investigación artística está dirigida a las ontologías que rodean el cuerpo humano, sus posibles estrategias de actuación, su carga política y las teorías post-danza. A través de la experimentación en el movimiento, el uso de la palabra hablada, el video y el texto, establece situaciones en las que los procesos cognitivos, emocionales y cinéticos son capaces de actuar y encajar holgadamente entre sí. Acción y detenimiento, son para J: son Borg una invitación a observar elementos de relaciones interpersonales, coreografías sociales y jerarquías de conocimiento.
Clara tiene una licenciatura de HDK Steneby, Universidad de Gotemburgo (SE, 2012) y una maestría del Instituto Piet Zwart, Rotterdam (NL, 2016). Ella ha sido residente del XXI CSAV-Artist Laboratory
Materiales para el rendimiento, dirigido por Yvonne Rainer, Fondoazione Ratti, Como
(IT), Body as Site, Banff Centre, Banff (CAN) y Hordaland Kunstsenter, Bergen (NO). Su trabajo ha sido recientemente exhibido en Yellow Brick, Athens (GR), 13festivalen, Gothenburg (SE) ONONO, Rotterdam (NL), Österängens Konsthall, Jönköping (SE), ahora y después del festival de video internacional, Moscow (RUS), de Appel, Amsterdam (NL) y Oktoberdans2016, Bergen (NO).

Residencia apoyada por CBK Rotterdam y por el Fondo Mondriaan en los Países Bajos.


Estudios Abiertos Junio 2018

El próximo 23 de junio a las 20h, AADK abre las puertas del Centro Negra. Os invitamos a conocer de cerca los procesos de Soyoung Park (Canadá), Pilar Yvonne (EEUU), Clara J: son Borg (Suecia) y Tiana Hemlock-Yensen (Alemania / Australia). Ellas son las artistas en residencia del mes de junio y todas desarrollan un trabajo basado en el cuerpo y su relación / afectación con entornos específicos.

Sus aproximaciones son muy diversas, desde la cuestión de la fronteras, la performatividad de los objetos de la vida cotidiana, la creación de entornos ficcionados, o las narrativas que el propio cuerpo y sus capacidades y limitaciones desprende.

Soyoung Park (Canadá)
Soyoung es una artista visual que estudió arte interactivo, desde entonces, la improvisación ha estado en el corazón de su trabajo.
Realizó estudios de postgrado en Londres, centrándose en la comprensión intuitiva del arte y encuentra en la improvisación su método para fusionar el arte visual y la danza.

Tras ser invitada a presentar este trabajo en Canadá, Portugal, Suiza y Suecia. En 2015 y 2016, actuó en el Festival Internacional de Danza de Improvisación de Seúl.
En 2016, estudia yoga budista zen para meditación en Corea con el fin de comprender mejor la mente en el acto de la improvisación, y participa en talleres y programas de residencia en Alemania ese mismo año. Tras contemplar la improvisación a través del movimiento, amplía esta práctica a las artes visual introduciendo objetos cotidianos como sujeto y medio. Posteriormente comienza a usar materiales orgánicos, que cambian sus colores y formas con el tiempo. Esto le llevó a ser una artista en residencia en Corea en ‘Nature Art’ e improvisación en 2016, y en Francia en 2017.
Además, ha sido invitada a participar en talleres de arte y de movimiento en diversos lugares tales como Rumanía o Italia.

Con el apoyo del Consejo Canadiense de las Artes.
“Reconocemos el apoyo del Consejo Canadiense de las Artes, que el año pasado invirtió $ 153 millones para llevar las artes a los canadienses de todo el país”.

Pilar Yvonne (EEUU)
Pilar es coreógrafa y bailarina independiente en Filadelfia, EEUU; anteriormente con sede en Nueva Orleans, Montreal y Minneapolis. Los diversos lugares que ha habitado y sus continuos viajes le siguen brindando nuevos desafíos y entornos con los que interactuar. Su coreografía a menudo arraigada en la improvisación, trabaja entre la danza y la performance.

Su nuevo desafío consiste en profundizar en sus ideas y encontrar nuevos vocabularios llenos de matices. Yvonne encuentra inspiración para su trabajo leyendo gran cantidad de ciencia ficción, pasando tiempo en soledad y practicando actividades no asociadas con la danza. Pilar desea involucrar en su trabajo a personas de todos los orígenes y que le permitan entrar en realidades alternativas. Ivonne cree en el poder de lo escénico y busca crear situaciones atmosféricas que parezcan de otro mundo.
El trabajo que desarrolle en la residencia de AADK, será ampliado y profundizado en su próxima residencia Movement Arts, en Filadelfia

Actualmente está bailando para Caroline O’Brien, Alchemy Dance y Jessica Warchal-King. Se ha capacitado ampliamente en danza moderna, contemporánea y ballet, así como hip hop, jazz, África occidental, india contemporánea, Gaga y contact.

Pilar ha recurrido a Kickstarter para ayudar a financiar la estancia en Centro Negra AADK Spain.

Clara J: son Borg (Suecia)
Clara J: son Borg es una artista sueca con sede en Rotterdam (Holanda). Su investigación artística está dirigida a las ontologías que rodean el cuerpo humano, sus posibles estrategias de actuación, su carga política y las teorías post-danza. A través de la experimentación en el movimiento, el uso de la palabra hablada, el video y el texto, establece situaciones en las que los procesos cognitivos, emocionales y cinéticos son capaces de actuar y encajar holgadamente entre sí. Acción y detenimiento, son para J: son Borg una invitación a observar elementos de relaciones interpersonales, coreografías sociales y jerarquías de conocimiento.

Clara tiene una licenciatura de HDK Steneby, Universidad de Gotemburgo (SE, 2012) y una maestría del Instituto Piet Zwart, Rotterdam (NL, 2016). Ella ha sido residente del XXI CSAV-Artist Laboratory
Materiales para el rendimiento, dirigido por Yvonne Rainer, Fondoazione Ratti, Como
(IT), Body as Site, Banff Centre, Banff (CAN) y Hordaland Kunstsenter, Bergen (NO). Su trabajo ha sido recientemente exhibido en Yellow Brick, Athens (GR), 13festivalen, Gothenburg (SE) ONONO, Rotterdam (NL), Österängens Konsthall, Jönköping (SE), ahora y después del festival de video internacional, Moscow (RUS), de Appel, Amsterdam (NL) y Oktoberdans2016, Bergen (NO).

Residencia apoyada por CBK Rotterdam.

Tiana Hemlock-Yensen (Alemania / Australia)
Tiana Hemlock-Yensen es bailarina, escritora, coreógrafa, profesora graduada en el S.N.D.O, Ámsterdam en 2016 con un grado en coreografía. Antes de venir a Europa performaba y creaba sus propias coreografías en NYC (2008- 2012). Tiene un profundo interés en lo íntimo y lo personal, mientras que se pregunta continuamente si hay algo concreto en ser persona.
Sus trabajos están compuestos de ritualismo y obsesión, de intensas prácticas físicas, leyendo extensivamente y buscando identificar las maquinarias específicas y construcciones que configuran nuestro ser.
Durante su residencia en Centro Negra (AADK), Blanca, Tiana quiere generar trabajos performativos y contextuales.
Ella busca y trabaja sobre cómo construir importantes conexiones y ficciones de todo tipo y pensar sobre posibles futuros.
Actualmente Tiana es parte del Klein Technique Teacher Certification Program, un programa que certifica profesores de alineamiento del cuerpo. Crea sus propias coreografías y se encuentra realizando tours como bailarina en Europa y el mundo.
Tiana ha tenido el placer de trabajar con y para Cristina Kristal Rizzo, Oneka von Schrader, Giulio D’Anna, Juli Reinhartz, Jeremy Wade y Benjamin Kamino y se inspira en el trabajo de Maria F. Scaroni, Judith Sanchez Ruiz, Katie Duck, Ria Higler and Susan T. Klein.

Esta residencia está apoyada en parte por la beca STEP Travel Grant financiada por la European Cultural Foundation.


@